Hărțile definesc relațiile spațiale dintre locuri și obiecte. Ele ne ghidează călătoriile și ne direcționează cursul. Ele trasează reperele în timp ce ne centrăm, trasând rutele și destinațiile noastre, iar fără ele am fi pierduți și fără direcție. Cu toate acestea, pentru cei care suferă de boala Alzheimer, accesul la memorie devine o provocare devastatoare pe măsură ce hărțile cognitive ale creierului sunt compromise. Cu toate acestea, pentru unii bolnavi, imaginile fotografice pot deveni catalizatori vizuali pentru redescoperirea amintirilor pierdute.

Examinarea operei regretatei artiste Emma Amos (martie 1937 – mai, 2020) prin utilizarea fotografiilor de familie dezvăluie rolul important pe care memoria îl joacă în opera sa. Când Amos s-a stins din viață în luna mai din cauza complicațiilor legate de Alzheimer, fiica ei, India, a împărtășit pe Twitter un fir de amintiri despre mama ei, inclusiv povești despre practica ei, influențe și simțul ei răutăcios al umorului. De asemenea, Emma Amos și-a catalogat cu meticulozitate fotografiile de familie și a moștenit catalogul de imagini al lui George Shivery, un fotograf care a documentat viața negrilor din sudul Americii în anii 1930 și 1940. Multe dintre aceste fotografii de epocă aveau să se regăsească în lucrările artistei în moduri surprinzătoare.

În autoportretul „Will You Forget Me?” (1991). (1991), Amos se înfățișează pe ea însăși căzând prin cer în timp ce se agață de o fotografie mare înrămată a mamei sale deasupra capului. Imaginea izolată a fost decupată dintr-o fotografie de grup de la o petrecere de ceai care a fost făcută când mama ei avea 16 ani. În timp ce Amos coboară în pictură, privirea ei nu este una șocată sau înfricoșată, ci hotărâtă și îndreptată direct spre privitor. La fel de mult cum lucrarea transmite o coborâre spre pieire, privirea subiectului atrage privitorul în tablou și, alternativ, pune o întrebare importantă: De cine vă veți aminti?

Utilizarea de către Amos a conservării fotografice sugerează funcția importantă a acesteia ca dispozitiv mnemotehnic, iar revederea operei sale în urma dispariției sale recente este o presimțire a propriei sale pierderi de memorie. Într-un interviu din 1995 cu scriitoarea bell hooks pentru cartea Art on My Mind, Amos susține că fotografia poate fi folosită pentru a declanșa și manipula memoria. După cum i-a explicat artista lui hooks: „O fotografie îți poate spune că stăteai pe plajă cu mama și fratele tău în 1947. Pictura îi oferă artistului șansa de a manipula fundalul, de a încărca culorile, de a adăuga textură. Combinarea fotografiilor cu pictura mă face să folosesc un simț pe care nici măcar nu știu cum să îl articulez. Este o manipulare a memoriei care este reală, pentru că este pictată, este fotografiată.”

Combinarea acestui proces de manipulare cu senzația metaforică de cădere sugerează, de asemenea, că maleabilitatea memoriei noastre este influențată de timp. „Nu există nimic care să fie staționar”, spune Amos, „Acesta este un lucru despre flux”. Această temă influențează, de asemenea, modul în care sunt interpretate picturile. Prin reprezentarea unor figuri în mișcare, contextul devine dinamic, ceea ce deschide lucrarea pentru a evolua în timp.

În anii 1980, Amos a început să examineze în mod critic evoluția carierei sale. Autoportretul ei din 1981, intitulat „Pregătindu-se pentru o operație de lifting”, este o explorare spirituală a lumii artei newyorkeze, redată prin intermediul umorului autoironic al stiloului unui chirurg plastician. Sub acest văl comic, Amos își trasează viața de tânără care a crescut expusă intelectualității negre din Georgia, a studiat la Londra și, mai târziu, s-a mutat la New York pentru a se trezi rapid marginalizată ca femeie de culoare din sud. În calitate de cea mai tânără și singura femeie membră a Spiral Collective din New York, Amos s-a simțit deseori ca fiind marginalizată de colegii ei de sex masculin și de percepțiile reductive ale acestora cu privire la vârsta și sexul ei.

Piesa a însoțit un eseu scris de Amos în periodicul feminist Heresies în 1982. Eseul, intitulat „Some Do’s and Don’ts for Black Women Artists” (Câteva lucruri de făcut și de nefăcut pentru femeile artiste de culoare), este o critică satirică, dar pertinentă, a ecosistemului artistic din New York, exprimată cu aplombul unui veteran al sistemului: „Nu vă plângeți că sunteți o femeie artist de culoare în anii ’80. Mulți oameni, atât negri, cât și albi, cred că ai fost modelată pentru a te încadra în slotul unui turnstyle – un simplu copil simbolic.”

Aceste dezvăluiri i-au influențat semnificativ munca, determinând-o să se îndepărteze de așteptările față de ea ca artistă de culoare. În acest moment, ea se îndepărtase deja de lucrările sale cele mai cunoscute, colorate și figurative, și a combinat pictura, fotografia și textilele realizate de ea însăși în declarații despre puterea negrului, a femeilor și a agenției.

Unul dintre foștii ei asistenți de atelier, jc lenochan, îmi spune: „Era foarte insistentă în ceea ce privește protejarea corpului negru și conservarea culturală a negrului ca istorie și mișcare pentru echitate. Ea a îmbrățișat următoarea generație de femei din domeniul artelor și și-a dorit mult succesul lor.”

Pentru Amos și pentru multe artiste de culoare care au creat lucrări între anii 1960 și 1980, foaia de parcurs către succes, așa cum este definită prin estetica hegemonică, a fost evazivă. „Avea o preocupare uriașă pentru locul în care ar trebui să se afle opera ei și unde se afla înainte de boala ei”, continuă lenochan prin e-mail, „împărtășind adesea dezamăgirea că avea toate aceste realizări, dar ceea ce conta cu adevărat pentru ea era recunoașterea în colecțiile muzeelor importante, mai presus de inventarul studiourilor.”

Lenochan a remarcat, de asemenea, că colaborarea dintre curatori și actuala ei galerie, RYAN LEE, a fost un catalizator important pentru o mai mare erudiție a operei sale, care a fost evidențiată în expoziții precum Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power și We Wanted a Revolution: Black Radical Women, 1965-85. Pe lângă expozițiile personale de la galeria RYAN LEE, în 2021, Georgia Museum of Art de la Universitatea din Georgia va găzdui, de asemenea, o retrospectivă a carierei lui Amos, care acoperă 60 de ani din cariera sa.

Poate cea mai puternică hartă pe care Amos ne-a lăsat-o a fost o serie de 48 de portrete în acuarelă ale unor prieteni apropiați și colaboratori artistici intitulată „The Gift” (1990-1994). Această colecție de lucrări a fost concepută inițial ca un cadou al prietenelor apropiate ale artistei pentru fiica sa India. Portretele sunt un omagiu adus femeilor puternice care au susținut creativitatea negrilor în anii 1970 și 1980 prin intermediul unor colective precum „Where We At” și a foarte influentei Just Above Midtown Gallery (JAM), fondată de Linda Goode Bryant.

„The Gift” este o afirmare importantă a puterii și o invocare a recunoștinței pentru femeile de culoare ca piloni puternici de susținere a comunității.

Acest gest de recunoștință este reluat în ultimul sfat pe care Amos l-a dat femeilor de culoare artiste în eseul său Heresies: „FIȚI recunoscători și strigați „Aleluia!” pentru: Dealerii, agenții și amicii care lucrează pentru JAM. Iubiți, soți, copii, patroni și prieteni… Lista „fă laude” continuă.”

.