私の最新のYouTube動画は、「リアルに」演技することについての別のビデオだ。 このビデオでは、スクリーン上でできるだけリアルに演技するのに役立つ4つの簡単なヒントをまとめたと言います。 とはいえ、これ以外にもヒントはたくさんあります。 また、私が「リアルに」演じるというのは、現実の人間が自然にふるまうような演技のことです。 以前のブログ記事でも書きましたが（以前のビデオでも触れましたが）、リアルに演じるというのは、演技が全くリアルでないため、少し矛盾しています。 しかし、現実主義的に行動することも、自然主義的に行動することもできるのですが、話がそれますね。

Layers

私がさまざまな演技レッスンや経験から学んだ最初のヒントは、対照的な層についてです。 説得力のある演技をするためには、これらが演技の中に存在していなければなりません。 私はワークショップで、キャスティングディレクターは俳優の中にある対照的な層を好むということを学びました（何か考えさせられるものがありますね！）。 人は複雑で多面的であり、通常は一度にたくさんの異なることを考えます。 だから、リアルに演じるためには、現実の人間がいかに対照的な（あるいは矛盾した）レイヤー、つまり思考や感情のメランジュであり、それが目に見えるかを考えなければなりません。

レイヤーは、あなたが考えたり感じたりすることと、あなたが言ったりやったりすることが、対照的な（あるいは矛盾した）ものになり得るという考えです。 これは、特定の思考にアクセスできない場合にも有用です。たとえば、あなたのキャラクターが法律を破っていて、あなたのキャラクターの行動に共感できないため、この思考に強くアクセスできないのです。 さて、俳優として、このような場合、暗黙の罪を組み込むことを選択することができます（これは単なる例です）。 この言葉にならない罪悪感は、非合法なキャラクターに矛盾したレイヤーを追加し、より立体的に、そして観客に親近感を与えることができるかもしれません。 リアルに演じようと思えば、とにかくどんなキャラクターを演じても、どうしても「あなた」の部分が少しは出てきてしまいます。 例えば、殺人事件を捜査している刑事役で、犯人を知っていると思い、容疑者にインタビューしているとき、（これが刑事の仕事だから）冷静で無関心な言動をしているかもしれませんが、同時に、容疑者に対して憎しみや嫌悪感を抱いているかもしれません。 このような内心は、あなたの目だけに現れるでしょう。 そして、その内なる思いは、あなたの外面（あるいはあなたがまとっている正面）とは対照的なものとなります。 でも、もしあなたが憎しみや嫌悪を感じながらこのセリフを言ったとしたら、このセリフにサブテキストが追加されることになります。 それは誰かの名前を聞くことではなく、あなたのキャラクターがこの「誰か」を好きではないことを観客に知らせることになるのです。 同様に、もしあなたのキャラクターが殺人の容疑者に同情していて、彼らがやったとは思っていないのであれば、哀れみを込めてこの質問をするかもしれません。 これは、探偵の外見とは対照的で、あなたのキャラクターが状況についてどのように感じているかを観客に詳しく伝えます。 レイヤリングはもっと複雑になり、複数の感情を重ね合わせることができ、それらが目の前でバトルを繰り広げることができるのです。 現実の人間はオープンで正直であることは少ないので、俳優として人物をリアルに描くには、人間を人間たらしめる矛盾したレイヤーをすべて考えなければならないのです。 人は状況に対して自信がなく、シナリオのある部分は好きでも、一瞬のうちに別の部分は嫌いになったり、自分を恥じたり誇りに思ったり、今いる部屋を出てから何をしなければならないか考えたり、今どこから来たか考えたり、もしかしたらお腹が空いていて後で何を食べようかと考えたりするものなのです。

人はマインドフルにその瞬間を生きることはほとんどなく、常に周囲や他人、そして自分自身を判断しているのです。 内なる考えや感情は豊富で、自分自身と矛盾していることが多い。 さらに、これらの矛盾した考えや感情は、キャラクターの外見的なファサード、つまり他者に自分をどのように見せているかと対照的です。 人の内面と外面の間には常に矛盾があり、外面は異なる文脈／外的状況下で変化する（そして、関連して内面も変化するのだろう）。 たとえば、就職の面接ではある方法で自分を見せますが、これは最初のデートで自分を見せる方法とは異なるでしょう（たぶん…おわかりですね）。

レイヤリングには、キャラクターのダイアログ（またはモノローグ）にサブテキストを埋め込むことが含まれています。 サブテキストは必ず、キャラクターの描写に深みを与えます。 この深みとは、何を考えているかということであり、それは目に見えるものです。 このように対比とサブテキストを重ねることで、キャラクターに予測不可能性が加わります。状況やキャラクターについて、彼らが何を考え、何を感じているのかがよく分からないので、（推測はできても）あるシーンで彼らが次に何をするのかが予測できないのです。 下手な二次元の演技は、シーンが終わる前に何が起こったかわかってしまうので、つまらないのです。 矛盾した層や裏の顔を持つ複雑なキャラクターは、思考と行動を一致させ、すべてを誠実に演じる俳優よりも、見ていてずっと楽しいものです。

Do the Opposite

私は演技のレッスンで次のコツを学びましたが、それは、激しい感情の瞬間には反対のことをすることです。 激しい感情というのは、泣く、叫ぶ／議論する、笑う、高揚感、恐怖、失恋など、物事が少しドラマチックになるようなことを意味します。 考えてみれば、俳優志望者（ビギナー）は、そのような瞬間に、現実的ではないにもかかわらず、自分が描くべきと思う感情に身をゆだねてしまうのです。 同様に、演技をしているように見える。 しかし、そのような激しい感情の瞬間には、その感情から逃げる、つまり逆の演技をする方がよりリアルなのです。 そうすることで、その場での感情の高まりが増し、観客を楽しませることができます。 例えば、怖がる演技をしたいのであれば、「怖がる演技」ではなく、怖い状況下で「勇敢な演技」をするのです。 キャラクターが笑っている演技をしたいのであれば、ただ笑うのではなく『笑わないでください』という演技をする。 泣いているキャラクターを演じたいなら、ただ泣くのではなく、「涙をこらえる」演技をする。 泣いている人は、普通は全てを吐き出さず、涙をこらえる。泣くのは最後の手段なんです。 泣くことと、泣きたくないことの間に緊張感があるんです。 もちろん、演技をするときに笑ったり泣いたりしないわけではありません。 ただ、リアルに見せようと思ったら、その動作はそれなりに考えなければならない。 涙や笑いは余分なエネルギーの発散であり、目的ではなく副産物であるべきなのです。 副産物をゴールにしてしまうと、副産物に付随する強烈な感動が計算外になってしまうからです。 副産物として残るのは空っぽのものだけで、まるで自分が偽っているように見えてしまうでしょう。 人は自分の内なる感情を表に出すことはほとんどなく、特に激しい感情が伴う場合はそうです。 涙をこらえ、恐怖を感じているときには勇敢に振る舞います。 悲しいことがあると、それを隠そうとします。

React to Changes

3つ目のヒントは、変化への対応についてです。 これは、私が演技指導で教わり、キャスティングディレクターとのマスタークラスで学んだことです。 しばしば、シーンの中で何か「新しい」ことが起こります：変化があるのです。 それは事実的な変化かもしれないし、感情的な変化かもしれません。 例えば、あなたのキャラクターがそのシーンに登場する他のキャラクターについて何か新しいことを知るかもしれませんし、他のキャラクターが部屋に入ってくるかもしれませんし、あなたのキャラクターと他のキャラクターの間で地位の移動があるかもしれません。 このような変化は、シーンのサブテキスト、シーン内のキャラクターのステータス、ボディランゲージ、キャラクターの目的とそれを得るための方法、キャラクターが障害となる新しいことを学ぶかもしれませんし、誰かがシーンに入ってきて、キャラクターが目的を達成するのに役立つかもしれません。 これらは単なる例です。

サブテキストは、シーン中に変更があった場合にも影響します。たとえば、新しい知人に「こんにちは、はじめまして」と言った場合、この新しい知人があなたのキャラクターの重要な他の人と浮気していることにキャラクターが直前に気付いた場合、非常に負荷の高い音になるでしょう。 考えてみてください：人質のシーンで、囚われた人は外に警官が到着するのを見ますが、捕獲者は見ません。 捕らわれた側が希望を持ち、自分が優位に立つとわかると、ボディランゲージに顕著な変化や変化が現れます。 捕らわれた側は変わらないのですが、相対的に、被害者と比べて、視覚的なステータスの変化があるのです。

このように、ボディランゲージはシーン中の変化に影響され、自分のキャラクターがよりステータスを得ようと、他のキャラクターを急に嫌いになろうと、ボディランゲージは変化するものなのです。 シーン中の変化は、あなたのキャラクターの目的、その目的を得るための方法、シーンのステータスや利害関係に影響を与えるかもしれません（私の演技の先生は、「目的」と「障害」は「スタニスラフスキー101」だと言い続けているので、ここではそれを紹介します）。

シーン中に別の人物が部屋に入ってくるといった小さな瞬間を軽視しないでください。 誰かが部屋に入ってくることは、実生活でもそうであるように、常に注目されることでしょう。 同様に、シーンの変化を先取りしないようにしましょう（理由がある前に変化を演じ始めないようにしましょう）。 覚えておいてください：あなた（俳優）は知っていても、あなたのキャラクターは次に何が起こるかわからないのです。 これから始めようとする役者は、もちろんそのシーンで何が起こるかわかっているので、変化に反応することを忘れてしまいがちです。自分のキャラクターが、これから起こることに早々に反応してしまうか、自分のキャラクターに変化があったことに気づかず、違うアプローチが必要になってしまうかのどちらかでしょう。 シーンの変化に対応するために、忘れてはいけないことがたくさんありますから、とりあえず次のようにまとめておきます。

• 聞く（いや、本当に聞く）
• 相手の演技に反応する
• 演技は話すだけではない
• 自分のキャラクターが話していないときに反応する

キャラクターだけでなく、自分の目的を知る

4番目のアドバイスは、自分のキャラクターの目的だけではなく、自分の目的を知るというものです。 私は、多くのことを考え、読み、演じることから、このヒントに気づきました。 リアルな演技をしていないからと言って、演技が下手だということにはなりません。 芸術における「リアル」の定義は、時代とともに変化しています。 実際、この手の話題では「リアル」という言葉は使われません。「リアリズム」という言葉が使われることが多いのですが、これも定義が難しいことで有名です。 私がここで「現実的」という言葉を使ったのは、「現実的に行動する方法」という言葉がよく検索されるからです。

演劇人のベルトルト・ブレヒトは、自分の演劇スタイル（矛盾や疎外感、対照的な身振りで満ちている）が20世紀の現実を描くのに優れていると主張した。それは、さまざまな視点を提供し、ストーリーラインに没頭して演劇を見ていることを忘れるのではなく、見ているものについて考えなければならないからである。 しかし、ブレヒトの演技を「リアルな」演技とは呼ばないだろう。 そうだろうか？

リアルに演じることと、真摯に演じることは違うと思うんです。 たとえば、そのキャラクターがその場面、その瞬間に存在すると信じて、何かを誠実に演じることはできますが、それはまだ現実的ではありません。 同様に、何かを「リアルに」演じることはできますが、そのキャラクターは不誠実です。 ウソをついているのがわかるんです。 矛盾しているのです。 しかし、これは実際の生活で人々がどのように行動しているかであり、現実的に見えます。たとえ、そのように正確に表現されていても、俳優は演技をしているのであり、全体としてはとにかく現実的ではないのです！

ここで私が言いたいのは、自分のパフォーマンスで何をしたいのか知らなければならないということです。 もし、リアルで、まったく演技をしていないように見せたいのであれば、実際の生活で人々がどのように行動しているのかを知る必要があります。 新人俳優はいつも非現実的なこと、普通ではないことをやっています。 しかし、中にはそれを真摯に行う人もいます。それは悪い演技ではなく、「リアルな」演技ではないだけなのです。

Dee Cannonは「In-depth Acting」の中で次のように書いています。「もしあなたが自分のキャラクターに大きな深みを見せる俳優になりたいのなら、自分の中に感情の深みを見つけることがいかに重要であるか、いくら強調してもしきれません」。 人間として豊かになればなるほど、俳優としても豊かになり、成長できる」

ディー・キャノン『In-depth Acting』19頁

リアルな演技、いや、まったく演技をしていないように見せるには、自分自身が自然にどう振る舞うかを知ることが重要だと思います。

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