YouTube でミキシングのチュートリアルに時間をかけたことがあるなら、おそらく Matthew Weiss の作品に出会ったことがあるはずです。

私たちは最近、レコードのミキシングの裏にある技術やビジネスについて話し合うために座りました。 それはあなたのレコードの音に影響を与えましたか？

フィリーはジャズの町です。 そのシーンに少しでも関わっていると、ページ上の音符やビートの効いた歌詞とは対照的に、プレイヤー同士の会話として音楽を聴くようになるんだ。 私は音楽を会話的に考えています。

サウンドに関しては、曲が要求するものなら何でもやるというスタンスです。 時には、大きくて艶のある音。 また、あるときは、ダーティで奇妙で、ドラムが片方のスピーカーにパンされることもある。 7066>

Chris Lord-Algeのようなミキサーの中には、特徴的なサウンドを持つことで知られている人もいます。 また、カメレオンであることを誇りにしている人もいます。

私はその中間です。 自分には明確なサウンドがあると思うのですが、言葉にするのは難しいですね。 クリスのサウンドは、もう少し定義しやすいと思います。 彼は視覚的な目隠しをし、聴覚的な目隠しを完全に外しているんだ。 彼はノブを回しまくるんだ。 それはミキシングとしては素晴らしいことだ。 でも、彼はもう少し簡単なんだ。

あなたのミックスには微妙なサチュレーションとディストーションが多く聴こえますが、これはなぜですか？

私がアシスタントやインターンとして育ってきたとき、APIコンソールで多くの時間を費やしてミキシングしました。 あれにはトーンがあります。 フェーダーを上げれば上げるほど、中域が変化していくんです。 EQを入れれば、中低域が変化し、トップエンドも変化します。

今日、私はハイブリッドセットアップで箱の中でミキシングしていますが、歪みはありません。 だから、その線で実験し始めたんです。 微妙なサチュレーションを加えることで、サウンドに生命を吹き込むことができることを発見したんだ。 コンソールが自然にそうなるのと同じように、音色にキャラクターを与えることができるんだ。

ミックスでサチュレーションを使用するためのヒントを教えてください。 サチュレーションは、何をするにしても、音色のシフトを作成します。 その変化は微妙なものであるため、すぐに気がつくとは限りません。 例えば、ボーカルにFETスタイルのサチュレーションを加えたとします。 すると、800 Hzあたりから、ある種の輝きが見え始めるかもしれません。 サチュレーションをチェーンの最後に追加した場合、ボーカルはあまり心地よくない形で前に持ち上がってしまうかもしれません。 しかし、サチュレーションを最初に加えることで、トーンの余分なずれをEQで取り除くことができます。

それは非常に理にかなっていますね。 また、多くの人がコンプレッションやEQを使用してトラッキングを行わなくなりました。 彼らはミックスの中でそれをすべて行っています。 そのため、通常EQの前に存在するような飽和の段階は、もはや存在しないのです。 しかし、5年ほど前までは、そうではありませんでした。

ミックスに委ねられるものが多くなったということですが、その理由は何ですか？

5年前や10年前と比べて、現在ではより多くのプロセッシングを使用しているとお考えでしょうか。 一方では、アコースティック楽器や音源が前面で扱われることが少なくなり、一般的にはミックスの中でより彫刻化される必要があります。 また、インストゥルメントの多くは、プロデューサーが慎重に設計したソフトシンセやサンプルで作成されています。 アコースティックな要素がより多くの作業とサウンド デザインを必要とする一方で、プログラムされた要素はより少なくなっているのです。 ボーカルには、EQ、コンプレッション、リバーブ…その他は覚えていないのですが、6つの加工が施されています。 そしてシンセサイザーには、文字通り全く加工が施されていません。

では、あなたの師匠についてお話ししましょう。 あなたはマーク・マーシャル、ボビー・イーライ、デニス・バーバリタに多くの謝意を表していますね。 彼らから学んだことは何でしょうか？

メンターシップは、以前にも増して重要な意味を持つようになりました。 指導なしでこのビジネスを学ぶ本当の方法があるとは思えません。 自分ひとりでやっていると、何を学ぶことが重要なのかすらわからなくなります。 7066>

マークは素晴らしいプロデューサーですが、実は片耳が聞こえないんです。 彼は演奏とアレンジしか聴かない。 演奏も、その演奏の中から強調したいものを選ぶのも、アレンジの中のレベル的なものの置き方も、すべて的確です。 7066>

ミックスエンジニアとして重要なのは、音は二の次であるということです。 私たちの本当の仕事は、プログラムされたものであれ、ライブであれ、パフォーマンスを取り上げ、それが意図されたとおりにスピーカーに伝達させることです。 そのためには、曲そのものに触れる必要があるのです。 エンジニアとして、技術的な側面にとらわれすぎて、自分たちが本当にやっていることを忘れてしまうことがよくあるのです。 アーティスト、エンジニア、プロデューサー……彼らもそれに巻き込まれます。 完璧な音を出すことに執着してしまうんです。

今日、レコードのミキシングで最も困難なことは何でしょうか。

ときどき、ラフミックスが現れ、クライアントがそれに惚れ込むことがあります。 彼らはそれに夢中になり、自分の自然なテイストが偶然にもラフと一致した場合にのみ、そこに到達することができるのです。

面白いことに…これは先週私に起こったことです。 だから主観的である決定が自分の球場で終わってしまう。 そしてそれは、あなたが何を望むかという問題になるのです。

そのようにすると、結局、曲ごとに異なるミキサーを雇わなければならなくなります。 そうでなければ、求めているラフのより良いバージョンを手に入れることはできません。

前もって何かを約束しない限りはね。

ラフを聴いているとき、あなたの頭の中では何が起こっているのでしょうか。 リスナーに何をさせようとしているのか？

それから、レベルがどこに設定されているかというようなことにチューニングを始めるかもしれません。 そうすれば、リード楽器が何であるか、あるいはどんな雰囲気を考えているかがわかるかもしれません。 あるいは、そうでないかもしれません。 ラフミックスとは何かという概念は人それぞれです。 ラフミックスというのは、何も考えていない人が作ったものかもしれない。 ラフが好きな人もいる。 7066>

私は、ラフミックスがどんな音かよりも、アーティストが何を伝えようとしているかに興味があります。 そのレコードのフィーリングや意図を理解しようとしているのです。

では、特定の選択よりも、ラフの感情や意図に導かれているのですね。 そのような選択をしている人は、おそらくミックスエンジニアではないでしょう。 ミキシングをしない人がやったミックスとなぜ結婚するのか。

私はこれに苦労しています。 時々、私はミックスをクライアントの希望と異なる方向に持っていってしまうことがあります。 そうすると、修正作業で何度も変更することになり、魂が抜けてしまいます。

それは嫌ですね。 私はそれを “修正による死 “と呼んでいます。

重要なのは、事前にいくつかの探偵的な仕事をすることです。 ラフを聴き、クライアントとコミュニケーションをとりながら、「これはどの程度正確なのか？ どこまでこだわる必要があるのか？ どこまでこだわることができるのか？ いい意味で、こういう音にできないか？ できないかもしれない。 もしかしたら、やってみる価値もないのかもしれない。 7066>

私が線引きして、「もしそれがあなたの望むことなら、私はこれをうまくやる人をたくさん知っているので、喜んで彼らに連絡を取ってください」と言う場所があります。 それは悪い経験も含みます。 駆け出しの頃は、仕事をパスしてはいけない。 クライアントの期待値を把握し、それに応える。 7066>

そうすることで、前に進むための道具が手に入る。 よりプレッシャーのかかる状況で、よりタフなクライアントと仕事をするという課題に直面することができるようになります。 また、本来はやりたくないようなこともやらざるを得ないので、より多才になれるのです。 ミキシングに関するあなたの記事やビデオからは、多くのことを学びました。 あなたはしばしば、具体的な決定よりも、あなたの思考プロセスに焦点を当てていることに気づきました。

私がオンラインで活動し始めたのは2008年頃ですが、その頃、オーディオのオンラインディスカッションのほとんどは、「キックのミックスはこうで、スネアのミックスはこうである」というものでした。 これは、それを解説しているエンジニアが優秀でなかったからではありません。 ただ、説明するのが下手だっただけなのです。 なぜなら、彼らは説明する必要がなかったからです。

それで、私が作曲を始めたとき、「こういうことができるのに、なぜなんだろう？ たとえば、なぜキックにサブを加えるのか？ もしかしたら、リスナーにキックを物理的に感じてもらおうとしているのかもしれません。 その物理的な動き……インパクトを感じることで、リスナーもそれに呼応して動くようになるかもしれない。 ダンスはそういうものなのかもしれない。 あるいは、楽器と楽器のつながりが、リスナーを踊らせるのかもしれない。 もしかしたら、キックとは関係ないのかもしれない。 7066>

70 年代のレコードを聴くと、キックドラムはあまり必要ないですね。 ベースとギターの会話とドラムのポケットが、人々を踊らせたのです。 キックは曲の中心ではないので、今のEDMのトラックと同じように処理することはないでしょう。 そのとき、キックドラムの正しい処理方法はひとつではないことに気づきました。 キックが生きている文脈があるだけです。 その文脈と、それがどのように私たちの選択に影響を与えるかについて話すことがより重要なのです。 このレンズを通して物事を見ることができれば、より成功したレコードを作ることができるのです。 どちらかというと、自分が好きではないものに対する無意識の反応でした。 でも、だんだん、ちょっと待てよ、ここには教えるべきことがあるんじゃないかと思えてきたんです。 何を教えるか」ではなく、「どのように、なぜ教えるか」が重要なのです。 そして2016年の今、思考のプロセスを説明することが、より当たり前のことになっています。

これからレコーディングでキャリアを積みたいと考えている人にアドバイスをお願いします

音楽の世界はピープルビジネスです。 人に会わなければなりません。 自分一人で作っているだけでは、物足りない。 時代に遅れをとることになる。 あなたの作品は、他のみんなにとって、それほど良いものにはならないでしょう。

仕事をする人、物事を成し遂げる人を見つけよう。 レーベル、A&Rの担当者、テレビ局や映画の音楽スーパーバイザー…あなたは音楽編集者を個人的に知っている必要はありません。 音楽編集者を個人的に知っている必要はありません。ただ、彼らのアシスタントが誰であるかを把握することです。 そうしなければなりません。 そうでなければ、ただ音楽を作って、Facebookで300人の友人とシェアして、本業に戻るだけになってしまう。

LAに引っ越してから、風に乗って転がる草のように去っていく人がたくさんいます。 私はそうなりたくありません。 印象に残りたいんです。 そのためには、アライアンスを組むことだと思うんです。 昔のように、ライブをめぐって競争したり、卑屈になったり、陰険になったりするようなことはないと思うんです。 そもそも、海賊版よりもレコード業界全体を崩壊させたのはそのせいです。 海賊版よりもね。 私は、みんなのためになるようなポジティブなつながりや真の友好関係を築きたいのです。 私のキャリアはすべて、成功者に囲まれれば成功するという考えに基づいています。

具体的に何が必要かというと、商業的な場所を見つける必要があります。 人がいるところに行きたい。 もう一人ではやりたくない。 ジュニアエンジニアとアシスタントを見つけたい。 私や私の仕事をより大きく、より良くしてくれる人たちに囲まれていたいのです。 ビジネスとして成立させたい。 7066>

それはいいことですね。 ニューヨークで5年間過ごしましたが、誰もが自分のために行動しているように感じることがよくありました。 だからNYは大変だったんですね。 多くのスタジオが閉鎖され、多くのエンジニアが去っていきました。

私はとても競争心が強いんです。 自分の手を動かすギグにはすべて勝ちたいんだ。 でも、政治的な理由や、あの人の妹と知り合いだからという理由で勝ちたいとは思いません。 そういうことは一切ない。 他の人よりも良い仕事をしたから勝ちたいんだ。 もし、相手が勝って、その人が残りのレコードを手に入れることになったとしても、それはその人が努力して達成したものであってほしい。 そうすれば、ギグルーレットで遊んだとしても、全体のフィールドがよくなる。 そうすれば、より良い環境になる。 それは、私が時々小さなパイを得るかもしれないということですか？ そうかもしれません。

しかし、より大きなパイを得ることができますか？

Matthew Weiss の詳細については、彼の Web サイトをご覧ください。また、The Pro Audio Files での彼の記事をチェックしたり、彼のプレミアム ミキシング チュートリアルを注文してください。