Avant de donner le coup d’envoi de son entretien sur scène avec Francis Ford Coppola après la première du film phare de Coppola, « Apocalypse Now », au Festival du film de Tribeca : Final Cut » de Coppola, le réalisateur Steven Soderbergh a pris un moment pour saluer l’un des principaux collaborateurs du film, assis dans le public du Beacon Theater, qui affichait complet. « Son générique à l’écran ne décrit pas vraiment toute son influence ou ses capacités », a déclaré Soderbergh à la foule. « C’est un cinéaste à part entière, un auteur, c’est aussi, pour beaucoup de gens de ma génération et de la vôtre , un gourou du son et de l’image : Walter Murch. »

Comme il se doit, juste un soir plus tard, le premier documentaire sur la conception du son à Hollywood, « Making Waves », a également été présenté en avant-première à Tribeca, dans lequel les collègues de Murch défendent à gorge déployée l’idée qu’il est le parrain du son du cinéma moderne. Comme ses plus proches collaborateurs, Coppola et George Lucas, Murch a eu la distinction inhabituelle d’être non seulement quelqu’un qui a brisé les règles de la façon dont les films étaient faits, mais qui a également été capable de les réécrire, car son travail révolutionnaire dans les années 1970 a jeté les bases de la façon dont le son est monté et mixé encore aujourd’hui.

Pendant la Q&A d’après-film, Murch a parlé de ce à quoi ressemblait Hollywood quand il a obtenu son diplôme de l’USC. « Lorsque nous sommes sortis dans cette atmosphère légèrement glaçante d’Hollywood à la fin des années 60, au début des années 70, tout était coupé et sec : « Voici comment vous devez faire, vous utilisez ces effets sonores et vous devez les obtenir pour telle et telle date », a déclaré Murch. « Tout était fait au niveau commercial et nous détestions ça. Donc l’une des façons d’éviter cela était simplement de sortir d’Hollywood, dans un environnement où il n’y avait pas ce genre de restriction. »

Walter Murch

Pour Murch, l’une des clés de sa carrière a été de parcourir 400 miles vers le nord, à San Francisco, avec Lucas, qu’il avait rencontré à l’USC, et Coppola, avec qui il avait travaillé sur « Rain People », pour former American Zoetrope. L’un des objectifs de Zoetrope était de faire tomber les barrières entre le montage de l’image, le montage du son et le mixage du son. « Il y avait un problème spécifique au son hollywoodien dans la division très stricte entre le montage du son et le réenregistrement du son », explique Murch. « L’analogie avec l’image serait, si le directeur de l’éclairage était dans une organisation entièrement séparée de l’opérateur de caméra, et qu’ils avaient des critères complètement indépendants. »

À San Francisco, il n’y avait pas une telle division du travail, c’était plutôt comme retourner à l’école de cinéma. Murch faisait partie de l’ensemble du processus créatif avec Lucas et Coppola sur leurs films, et il était libre de s’impliquer dans l’enregistrement du son de production, le montage sonore et le mixage. Le processus créatif fluide sur « THX 1138 », un scénario que Murch a écrit avec Lucas, signifiait que Lucas coupait l’image pendant la journée, tandis que Murch faisait le son la nuit – ils étaient sur deux voies parallèles.

Sur « THX 1138 », Murch continuerait à jouer avec des sons inhabituels de fabrication, qui correspondent à l’ambiance expérimentale du film de science-fiction révolutionnaire. Une percée s’est produite pour Murch sur « Le Parrain » de Coppola, grâce à la scène charnière dans laquelle Michael (Al Pacino) tue Sollozzo (Al Lettieri). Alors que Michael réfléchit et se prépare au meurtre qui mettra fin à son rêve de rompre avec l’entreprise familiale, Murch a intégré à la bande-son des bruits de trains de métro surélevés et peu motivés qui témoignent de l’état mental de Michael : C’est le son de « ses neurones qui s’entrechoquent ».

« C’était une grande leçon pour moi, parce que les films sur lesquels j’avais travaillé auparavant – ‘THX’, ‘Rain People’ – c’étaient des petits films et voici ce grand film hollywoodien, vous pouvez faire le même genre de choses et faire en sorte que ça marche », a déclaré Murch. « La règle générale est de pousser beaucoup plus fort que ce que vous pensez pouvoir pousser. Et souvent, le film dit : « Oui, donnez-moi plus de ça ». S’il se retourne contre vous, vous le saurez et vous pourrez reculer un peu, mais soyez toujours audacieux quant à ce que vous regardez et ce que vous entendez. »

Murch pense que le public est beaucoup plus ouvert à ce type d’abstraction dans le son que dans l’image. Lorsque les sons ne reflètent pas ce qui est réellement à l’écran, le public sait instinctivement qu’il doit chercher un sens. « Le public, sans le savoir, est avide de métaphores », a déclaré Murch. « Cette séparation dit au public : ‘Nous avons besoin que vous le complétiez. Nous vous présentons une bifurcation ici, ces choses ne s’additionnent pas tout à fait, donc nous avons besoin de vous, le public, pour, à votre manière individuelle, assembler ces choses' »

C’est toutefois le travail de Murch sur « Apocalypse Now » de Coppola qui a changé à jamais la façon dont le son était monté et mixé pour le cinéma. Dès la séquence d’ouverture, Murch a construit un paysage sonore qui a forcé le public à vivre le film à travers le point de vue psychologique déformé du capitaine Willard, qui se méfie de la guerre.

Au milieu des années 70, les cinémas commençaient tout juste à passer du son mono au son stéréo, mais Coppola voulait que son film sur la guerre du Vietnam pousse les cinémas et Hollywood en général vers un système surround à six haut-parleurs. Personne n’avait jamais mixé le son d’un film pour le faire voyager dans une salle de cinéma. Non seulement Murch a été le pionnier de ce processus, qui est encore aujourd’hui la base de la plupart des mixages sonores, mais il l’a fait artistiquement mieux que quiconque l’a fait depuis.

« ‘Apocalypse’ a pris la pensée de théoriser, ‘Quelle est vraiment l’étape suivante, c’est juste accepter la technologie donnée ?' » a déclaré le concepteur sonore de « Star Wars » Ben Burtt lors de la discussion post-projection « Making Waves ». « Nous nous conformions vraiment à ce qui avait été fait, certains des films stéréo des années 50, le procédé CinemaScope, ses avantages et ses inconvénients, mais Apocalypse, en dehors de son esthétique, était très réfléchi. L’idée de ce que nous pouvons présenter dans un cinéma peut être portée à un niveau beaucoup plus élevé en termes de spatialité, l’idée des quatre coins de la salle. »