Si vous avez passé un tant soit peu de temps à parcourir YouTube à la recherche de tutoriels de mixage, vous avez probablement rencontré le travail de Matthew Weiss.

En plus d’être un mixeur nommé aux Grammy et récompensé par le prix Spellemann, Matthew est un éminent leader d’opinion sur le processus d’enregistrement moderne. Il a écrit plus de 200 articles qui démystifient un éventail remarquablement diversifié de sujets – de la compression des voix à l’écrêtage des kicks. Ses tutoriels de mixage haut de gamme sont parmi les meilleurs disponibles.

Nous nous sommes assis récemment pour discuter de l’artisanat et du business derrière le mixage de disques.

Vous avez grandi à Philadelphie. Cela a-t-il influencé le son de vos disques ? A quoi ressemble un disque de Matthew Weiss ?

Philly est une ville de jazz. Quand on est impliqué dans cette scène à quelque niveau que ce soit, on commence à entendre la musique comme une conversation entre les joueurs, par opposition aux notes sur une page ou aux paroles avec un rythme. Je vois la musique comme une conversation. Je l’attribue à mon éducation.

Pour ce qui est de mon son, je gravite vers ce que la chanson appelle. Parfois c’est gros et brillant. D’autres fois, c’est sale et bizarre, et la batterie est décalée vers une seule enceinte. Ça dépend vraiment.

Certains mixeurs, comme Chris Lord-Alge, sont connus pour avoir une empreinte sonore caractéristique. D’autres se targuent d’être des caméléons. On dirait que vous gravitez vers ces derniers.

Je suis entre les deux. Je pense que j’ai un son distinct – c’est juste difficile à mettre en mots. Le son de Chris est un peu plus facile à définir, parce que c’est un mixeur tellement indulgent. Il met ses œillères visuelles et ses œillères auditives. Il fait tourner ces boutons à la manivelle. Bravo à lui, c’est une façon géniale de mixer. Mais il est un peu plus facile de mettre le doigt dessus. Je pense que quelqu’un pourrait choisir mon mixage parmi un lineup, mais je ne pense pas qu’il serait facile de dire ce qui le trahit.

J’entends beaucoup de saturation et de distorsion subtiles dans vos mixages. Comment abordez-vous le fait d’ajouter du caractère ?

Lorsque je montais en tant qu’assistant et stagiaire, je passais beaucoup de temps à mixer sur une console API. Cette chose avait du tonus. Plus vous poussiez un fader vers le haut, plus le milieu de gamme changeait. Si vous activiez un égaliseur, les bas médiums changeaient et les hauts médiums changeaient. Vous n’aviez même pas besoin de faire d’égalisation.

Aujourd’hui, je mixe dans la boîte avec une configuration hybride, et la distorsion n’est pas là. J’ai donc commencé à faire des expériences dans ce sens. J’ai découvert que l’ajout d’une certaine saturation subtile peut vraiment donner vie à un son. Cela donne du ton ou du caractère aux choses, de la même manière qu’une console le ferait naturellement. Sauf que maintenant, j’ai beaucoup plus de contrôle sur ce qu’est exactement ce son.

Avez-vous des conseils pour utiliser la saturation dans un mixage ?

Essayez de l’ajouter en premier dans la chaîne, avant votre égaliseur. La saturation va créer un changement de tonalité, peu importe ce que vous faites. Parfois, ce changement est subtil, donc vous ne le remarquez pas forcément tout de suite. Par exemple, disons que vous ajoutez une saturation de type FET à une voix. Vous pouvez constater qu’une certaine brillance commence à apparaître autour de 800 Hz. Si vous ajoutez la saturation à la fin de votre chaîne, la voix peut se soulever vers l’avant d’une manière moins agréable. Mais si vous l’ajoutez en premier, vous pouvez éliminer ce petit décalage de tonalité supplémentaire. Vous obtenez alors une voix bien équilibrée, avec un peu de jus harmonique supplémentaire.

Cela a beaucoup de sens.

Ouais. Aussi, beaucoup de gens ne font plus de suivi avec la compression ou l’égalisation. Ils font tout ça dans le mixage. Donc ces étapes de saturation qui existeraient normalement avant votre égalisation ne sont plus là. Mais jusqu’à il y a environ 5 ans, ce n’était pas le cas. Comme la musique a existé dans l’autre sens pendant des décennies, je pense que nous nous sommes habitués à ce son.

Vous mentionnez que l’on laisse beaucoup plus de choses au mixage. Trouvez-vous que vous utilisez plus de traitement aujourd’hui qu’il y a 5 ou 10 ans ?

Deux choses se produisent. D’une part, les instruments et les sources acoustiques sont moins traités en amont, et doivent généralement être davantage sculptés dans le mixage. Mais d’autre part, une plus grande partie de l’instrumentation est créée avec des synthés doux et des échantillons qui sont soigneusement conçus par le producteur. Donc, alors que les éléments acoustiques demandent plus de travail et de conception sonore, les éléments programmés en demandent moins.

Je travaillais justement sur ce mixage pop. La voix a six instances de traitement – égalisation, compression, réverbération… je ne me souviens même plus quoi d’autre. Et puis vous avez les synthés, où il n’y a littéralement aucun traitement du tout. C’est intéressant de voir cela se produire.

Parlons de vos mentors. Vous donnez beaucoup de crédit à Mark Marshall, Bobby Eli, et Denise Barbarita. Quelles sont certaines des choses que vous avez apprises d’eux ? Pour quelqu’un qui débute aujourd’hui, le mentorat est-il toujours pertinent ?

Le mentorat est plus pertinent aujourd’hui qu’il ne l’a jamais été. Je ne crois pas qu’il y ait de véritable moyen d’apprendre ce métier sans encadrement. Si vous vous débrouillez seul, vous ne savez même pas ce qu’il est important d’apprendre. Et puis vous devez quand même l’apprendre.

Mark est un producteur incroyable, et il est en fait sourd d’une oreille. Il n’écoute que la performance et l’arrangement. Les performances qu’il obtient, les choses qu’il choisit de mettre en valeur à partir de ces performances, et la façon dont il place les choses au niveau dans ses arrangements sont toutes parfaites. Une grande partie de ma sensibilité à aborder la chanson est venue de Mark.

En tant qu’ingénieurs de mixage, il est important de se rappeler que les sons sont en fait secondaires. Notre véritable travail consiste à prendre une performance, qu’elle soit programmée ou en direct, et à faire en sorte qu’elle se traduise sur les haut-parleurs de la façon dont elle était prévue. Pour ce faire, nous devons entrer en contact avec la chanson elle-même.

Je pense que c’est très important de s’en souvenir. En tant qu’ingénieurs, nous sommes souvent tellement pris par le côté technique des choses que nous oublions ce que nous faisons vraiment.

Il n’y a pas que les ingénieurs. Les artistes, les A&R, les producteurs… ils se laissent prendre aussi. Nous sommes tous tellement obsédés par l’obtention de ce son parfait. On oublie que la musique elle-même est un organisme vivant unique.

Quel est le plus grand défi du mixage d’un disque aujourd’hui ?

Parfois, un mixage brut arrive et votre client en tombe amoureux. Il en devient tellement obsédé que vous ne pouvez y arriver que si vos propres goûts naturels s’alignent par coïncidence avec le rough. Ce qui ne va pas arriver si souvent.

C’est drôle…ça m’est arrivé la semaine dernière.

Parce que les décisions qui devaient être prises n’ont pas été engagées avant que la piste ne vous parvienne. Donc les décisions, qui sont subjectives, se retrouvent dans votre ballpark. Et cela devient une question de ce que vous voulez. Et cela ne va pas toujours correspondre à ce que l’artiste veut.

Si vous procédez de cette façon, vous finissez par devoir engager un mixeur différent pour chaque chanson. Sinon, vous n’aurez jamais la meilleure version du rough que vous recherchez.

À moins que vous ne commenciez à vous engager sur des choses dès le départ. C’est ce que les producteurs et les artistes doivent vraiment commencer à faire.

Lorsque vous écoutez le rough, que vous passe-t-il par la tête ?

Je me demande – quel est le but de ce disque ? Qu’est-ce qu’il est censé faire faire à l’auditeur ? J’essaie de déterminer le sentiment et l’émotion.

Puis je pourrais commencer à m’accorder sur des choses comme où les niveaux sont réglés. Cela pourrait me dire quel est l’instrument principal, ou quelle ambiance ils pensent. Ou peut-être pas. Tout le monde a une conception différente de ce qu’est un mixage brut. Ça peut avoir été fait à la va-vite par quelqu’un qui ne savait pas quoi en faire. Parfois, ils aiment le brut. Ça peut être l’un ou l’autre.

Je suis plus intéressé par ce que l’artiste essaie de communiquer que par ce à quoi ressemble le rough mix. J’essaie de comprendre quels sont les sentiments et les intentions du disque. Ensuite, je peux formuler mes propres opinions sur la meilleure façon de les traduire à travers le mixage.

Donc, vous êtes plus guidé par l’émotion et l’intention du rough que par les choix spécifiques qui ont été faits.

Exactement. Les personnes qui font ces choix ne sont probablement pas des ingénieurs de mixage. Pourquoi se marier à un mixage qui a été fait par quelqu’un qui ne mixe pas ?

J’ai du mal avec ça. Parfois, je vais prendre un mixage dans une direction qui finit par être différente de ce que le client veut. Puis vous finissez par faire tellement de changements dans le processus de révision qu’il perd son âme.

Oh mec, je déteste ça. J’appelle ça « la mort par révisions ». Vous pouvez vraiment perdre l’essence du disque.

La clé est de faire un travail de détective à l’avance. Déterminer en écoutant le brouillon et en communiquant avec le client – à quel point c’est précis ? Dans quelle mesure devons-nous nous y tenir ? Dans quelle mesure pouvons-nous nous y tenir ? Pouvons-nous faire en sorte que ça ressemble à ça d’une bonne manière ? Peut-être que nous ne pouvons pas. Peut-être que ce n’est même pas la peine d’essayer. Peut-être que nous ne sommes pas le bon mixeur pour ce travail.

Il y a certains endroits où je trace la ligne et où je dis – si c’est ce que vous voulez, je connais beaucoup de gars qui font ça bien, et je serais heureux de vous mettre en contact avec eux.

Prêcheriez-vous le même conseil à quelqu’un qui débute ?

Non. Quand vous débutez, vous avez besoin d’expérience. Cela inclut les mauvaises expériences. Ne refusez pas de travailler lorsque vous débutez. Déterminez les attentes du client et répondez-y. Point.

Quand vous faites cela, cela vous donne les outils dont vous avez besoin pour aller de l’avant. Cela vous permet de relever les défis de travailler avec des clients plus difficiles dans des situations de pression plus élevées. Cela vous rend également plus polyvalent, car cela vous oblige à faire des choses que vous ne seriez pas naturellement enclin à faire.

Je veux changer de vitesse pendant une seconde. J’ai tellement appris de vos articles et vidéos sur le mixage. J’ai remarqué que vous vous concentrez souvent plus sur votre processus de réflexion que sur les décisions spécifiques que vous prenez. Pourquoi ?

J’ai commencé à devenir actif en ligne vers 2008, lorsque la plupart des discours en ligne en matière d’audio étaient « voici comment vous mixez un kick… voici comment vous mixez une caisse claire ». Ce n’était pas parce que les ingénieurs qui l’expliquaient n’étaient pas exceptionnels. Ils étaient juste terribles pour expliquer les choses. Parce qu’ils n’ont jamais eu à le faire. Ils n’étaient pas des enseignants.

Alors, quand j’ai commencé à écrire, j’ai plutôt pensé à la manière suivante : – donc on peut faire toutes ces choses, mais pourquoi ? Par exemple, pourquoi ajouter le sub à un coup de pied ? Peut-être que nous essayons de faire en sorte que l’auditeur ressente physiquement le kick. Peut-être que ce mouvement physique… cet impact qu’il ressent l’incitera à bouger en réponse. C’est peut-être comme ça que la danse fonctionne. Ou peut-être que c’est en fait la connexion entre les instruments qui les fera danser. Peut-être que ça n’a rien à voir avec le coup de pied. Être capable d’identifier cela et de lui donner un sens est très important.

Si vous écoutez les disques des années 70, vous n’aviez pas vraiment besoin d’une grosse caisse. La conversation entre la basse et les guitares et la pochette de la batterie était ce qui faisait danser les gens. On ne traitait pas la grosse caisse comme on le ferait aujourd’hui dans un morceau EDM, parce qu’elle n’était pas le cœur du morceau. Et c’est là que j’ai compris qu’il n’y avait pas qu’une seule bonne façon de traiter une grosse caisse. Il n’y a que des contextes dans lesquels une grosse caisse vit. Il est plus important de parler de ces contextes et de la façon dont ils influencent les choix que nous faisons. Si nous pouvons commencer à regarder les choses à travers cette lentille, nous pouvons faire des disques plus réussis.

Lorsque j’ai commencé à écrire, ce n’était pas quelque chose sur lequel je me concentrais consciemment. C’était plutôt une réaction inconsciente à ce que je n’aimais pas. En bas de la ligne, j’ai commencé à réaliser, attendez une minute … il y a effectivement quelque chose à enseigner ici. Le comment et le pourquoi, par opposition au quoi, sont beaucoup plus importants. Et maintenant, en 2016, c’est devenu beaucoup plus la norme d’expliquer le processus de pensée. Ce que je trouve fantastique.

Quel conseil donneriez-vous à quelqu’un qui espère faire carrière dans l’enregistrement ?

Le monde de la musique est une affaire de personnes. Vous avez besoin de rencontrer des gens. Si tu ne fais que créer des trucs tout seul, tu rates quelque chose. Tu vas être en retard sur ton temps. Ton travail ne sera pas aussi bon qu’il pourrait l’être pour tout le monde. Il sera juste bon pour toi.

Trouve les gens qui travaillent, qui font avancer les choses. Les labels, les représentants A&R, les superviseurs musicaux des chaînes de télévision et des films…vous n’avez même pas besoin de connaître personnellement l’éditeur musical. Trouvez juste qui est son assistant.

Vous devez sortir et rencontrer des gens. Vous devez le faire. Sinon, vous allez juste faire de la musique, la partager avec vos 300 amis sur Facebook, et retourner à votre travail de jour.

Vous déménagez à Los Angeles en septembre. Où voyez-vous cette transition vous mener ?

Il y a beaucoup de gens qui déménagent à Los Angeles et qui partent ensuite comme un fétu de paille roulant au vent. Je ne veux pas que cela m’arrive. Je veux faire une impression. Je pense que cela se fait en formant des alliances. Je ne pense pas que cela se fasse dans le sens de la vieille école, où il y a une compétition pour les concerts et où les gens sont sournois et louches. C’est ce qui a fait chuter toute l’industrie du disque au départ – plus que le piratage. C’est juste du mauvais business. Je veux créer des liens positifs et de véritables amitiés qui aident tout le monde. Toute ma carrière a été fondée sur l’idée que si vous vous entourez de succès, vous devenez prospère.

En termes de ce qui doit tangiblement se passer, je dois trouver un espace commercial. Je veux être quelque part où il y a d’autres personnes. Je ne veux plus faire ça tout seul. Je veux trouver un ingénieur junior et un assistant. Je veux être entouré de personnes qui me font progresser et qui améliorent ce que je fais. Je veux que ce soit une entreprise. Je veux que ce soit une équipe.

C’est rafraîchissant à entendre. J’ai passé cinq ans à New York, et j’avais souvent l’impression que tout le monde ne pensait qu’à soi. Je n’ai pas connu ça depuis que j’ai déménagé à Los Angeles.

C’est pourquoi New York a eu tant de problèmes. Beaucoup de studios ont fermé, et beaucoup d’ingénieurs sont partis.

Je suis très compétitif. Je veux gagner tous les concerts auxquels je participe. Mais je ne veux pas gagner à cause de la politique, ou parce que je connais la sœur d’untel ou d’untel. Rien de tout ça. Je veux gagner parce que j’ai fait un meilleur travail que l’autre personne. Si l’autre personne gagne, et que c’est elle qui obtient le reste du disque, je veux que ce soit parce qu’elle a travaillé pour y arriver et qu’elle y est parvenue. Dans ce processus, même si nous jouons tous un peu à la roulette, l’ensemble du terrain devient meilleur. Cela devient un meilleur environnement dans lequel nous pouvons exister. Est-ce que ça veut dire que je pourrais avoir une plus petite part du gâteau parfois ? Peut-être.

Mais une plus grande part du gâteau ? C’est quelque chose après lequel nous courons tous.

Pour en savoir plus sur Matthew Weiss, visitez son site Web, consultez ses articles sur The Pro Audio Files, ou commandez l’un de ses tutoriels de mixage premium.

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