Notre suggestion ? Regardez les deux en une seule séance pour un rollercoaster émotionnel d’un double-bill.

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L’homme qui n’était pas là

Après avoir écrit et réalisé une série de films qui ont été soit des cultes, soit des succès au box-office (et parfois les deux), L’homme qui n’était pas là pourrait être considéré comme le premier film vraiment sous-estimé des frères Coen. Peut-être que le public n’était pas prêt pour un drame aussi sombre et austère après des films relativement réussis et bizarrement drôles comme The Big Lebowski et O Brother, Where Art Thou ?

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Billy Bob Thornton est remarquable dans le rôle d’Ed, un barbier maussade qui vit dans une petite ville de Californie, tente de faire chanter 10 000 dollars à un homme d’affaires local appelé Big Dave (James Gandolfini), mais tout cela tourne terriblement mal. Il découvre alors que sa femme alcoolique (Frances McDormand) avait une liaison avec lui. Et puis sa femme est arrêtée pour le meurtre de Big Dave. À partir de là, les choses ne font qu’empirer pour Ed.

Les frères Coen sont particulièrement bons pour mettre en scène ces drames rôdés et noirâtres, comme leur premier Blood Simple ou l’hybride western No Country For Old Men de 2007, où les décisions insensées ont des conséquences lointaines et mortelles. Roger Deakins, qui a filmé plus tard No Country For Old Men, capture parfaitement le décor des années 40 et, en tandem avec la performance de Thornton, crée une atmosphère de tristesse et de regret palpables.

Ce ton sombre fait de The Man Who Wasn’t There l’un des films les moins accessibles des Coen, mais c’est sans doute l’un de leurs plus matures et puissants.

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Das Experiment

Thriller allemand inspiré de l’expérience pénitentiaire de Stanford, Das Experiment voit une prison se construire au milieu d’un laboratoire de recherche. Ladite prison est convaincante, jusqu’aux barreaux aux fenêtres et aux caméras surveillant chaque mouvement. Et puis 20 personnes sont recrutées pour jouer les prisonniers et les gardiens.

La configuration voit les gardiens recevoir la consigne de garder tout le monde en ligne sans recourir à la violence, tandis que les prisonniers reçoivent un ensemble de règles qu’ils doivent suivre. Si vous démissionnez, vous n’êtes pas payé, mais tous les participants peuvent partir quand ils le souhaitent.

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Nous ne chercherions pas d’ordinaire à vous en dire autant sur la configuration dans une de ces descriptions, mais cela semble important ici, car c’est cette configuration qui nous a convaincus de louer le DVD il y a plusieurs lunes, et le film d’Olivier Hirschbiegel en tire très largement parti. Nous ne vous dirons rien d’autre à ce sujet si c’est tout de même, si ce n’est que Hirschbiegel ferait également Downfall de 2004, et est donc un contributeur clé à cinq pour cent de toutes les vidéos sur YouTube.

Joy Ride

La mort tragique de Paul Walker a conduit certains à rechercher ses travaux antérieurs qu’ils avaient peut-être manqués. Nous avons beaucoup parlé du travail du réalisateur John Dahl au cours de cette série de retours en arrière, et Joy Ride (sorti sous le titre Roadkill au Royaume-Uni) est peut-être le dernier de sa série d’excellents thrillers sous-estimés (si vous cherchez notre fiche Red Rock West, désormais presque hebdomadaire, considérez que cette case est cochée).

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Avec un clin d’œil à Duel (de la même manière que Jeepers Creepers lui a également fait un clin d’œil), Joy Ride voit un trio en voyage sur la route, parler à un chauffeur de camion sur leur radio CB. Il s’avère que c’est le mauvais camionneur à qui parler, et lorsqu’il se retrouve du mauvais côté, une poursuite parfois brillante se met en place.

Walker est l’un des leaders de la jeune distribution ici, avec Steve Zahn, et John Dahl s’avère habile à serrer la vis, apportant un niveau de tension à ce qui aurait pu n’être qu’un autre thriller pédestre et jetable. La première moitié est bien meilleure que la seconde, mais l’ensemble du film est bien meilleur que ce que la couverture du coffret et le titre anonyme pourraient laisser croire. C’est un bijou dans le back catalogue de Paul Walker.

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Buffalo Soldiers

Buffalo Soldiers a été présenté en première mondiale au Festival international du film de Toronto le 9 septembre 2001. Les événements horribles qui se sont déroulés en Amérique deux jours plus tard ont réduit à néant toute chance de sortie large du film. Même lorsqu’il a bénéficié d’une sortie limitée en Amérique au début de 2003, il a suscité une certaine hostilité. Le film de Gregor Jordan a toujours été un projet risqué. Satire très drôle centrée sur le personnel militaire américain en Allemagne de l’Ouest dans les années 1980, le régiment en question est au centre de nombreuses comédies, dont certaines sont assez sombres. Même aujourd’hui, nous choisissons nos mots avec précaution : Miramax était tellement inquiet au sujet de la sortie du film aux États-Unis que la date de déploiement a été repoussée cinq fois avant que le film ne soit finalement diffusé.

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Mais le film est à la fois important et très, très bon. Ed Harris y est excellent, à la tête d’une distribution qui comprend également Joaquin Phoenix et Anna Paquin. C’est une comédie très noire par moments, et c’est à peu près aussi éloigné d’un film de recrutement de l’armée que vous pouvez trouver. Il est bien plus intéressant pour cela cependant et mérite d’être vu.

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Lantana

Dans son Australie natale, Lantana a été richement récompensé. Il a remporté un grand nombre de prix AFI et a également fait un bon box-office. Il a gagné une petite sortie aux États-Unis, mais la plupart d’entre nous, ailleurs sur la planète, ont dû importer le DVD de notre détaillant australien de choix.

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Cela en valait la peine cependant. Appréciant le fait que toute description d’un film comme une collection de personnages disparates étant liés par un événement central invoque immédiatement le meilleur travail de Robert Altman, Lantana est néanmoins un drame riche, profond, mais accessible. Vous trouverez Geoffrey Rush et Kerry Armstrong dans le film, mais le réalisateur Ray Lawrence prend soin de donner à chacun de ses personnages suffisamment de temps de présence pour faire passer leur partie du puzzle proverbial.

C’est du cinéma absorbant, resserré à un peu moins de deux heures de durée. Au moment où il est fait, il a exploré une multitude de thèmes, étoffé beaucoup de personnages intéressants, et si vous êtes un peu comme nous, vous a laissé espérer que Ray Lawrence ferait plus de films.

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Hedwig and the Angry Inch

Fatigué des comédies musicales anodines, et souhaitant que quelqu’un lance une fusée au milieu de toutes ? Bien avant que The Book of Mormon ne trouve le chemin de la scène, Hedwig and the Angry Inch a débarqué dans quelques théâtres, et il s’est construit depuis un petit nombre de fans, mais tout à fait correct. Le film est basé sur une comédie musicale, adaptée et réalisée par John Cameron Mitchell, qui tient également le rôle principal. Ce rôle principal le voit dans le rôle d’un chanteur de rock est-allemand transgenre, dont l’opération de changement de sexe tourne mal, laissant Hedwig avec le  » pouce en colère  » du titre.

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Le film a un cœur très humain, mais aussi une collection de chansons hors normes et des tournures narratives qui le marquent comme un long métrage qui ne manque pas d’identité. C’est aussi, sans doute, le genre de film que l’on regarde une fois, et que l’on a immédiatement envie de revoir une dizaine de fois par la suite. Pas pour tous les goûts ? Très certainement. Mais la comédie musicale la plus intéressante, subversive et émouvante de la décennie ? Elle mérite certainement d’être citée.

No Man’s Land

Nous sommes toujours partagés sur la question de savoir s’il faut inclure dans ces listes les films qui ont remporté un Oscar, et c’est ce qu’a fait No Man’s Land. Il a remporté le prix du meilleur film en langue étrangère et à juste titre. Pourtant, et ce n’est pas la première fois, nous nous demandons : qui en parle encore ? Nous avons conclu que la réponse à cette question était « pas assez de gens », et c’est pour cela qu’il a fait son chemin jusqu’ici. No Man’s Land est un drame de guerre bosniaque, qui se déroule avec un trio de soldats blessés dans les tranchées pendant la guerre de Bosnie. Ils ne sont pas dans l’endroit le plus sûr, mais on découvre que l’un d’entre eux est couché sur une mine enterrée. S’il bouge, la mine explose.

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Nous suivons ensuite les efforts pour sauver le trio et désamorcer la bombe, mais les tensions et les horreurs ne sont jamais loin. Avec un grand nombre d’acteurs et une durée inférieure à 100 minutes, No Man’s Land explore les êtres humains et la situation dans laquelle ils se trouvent, et s’impose comme l’un des meilleurs films de guerre de la décennie. Il ne mérite pas seulement l’Oscar qu’il a remporté. Il mérite que plus de gens le recherchent. C’est pourquoi il est ici.

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A.I.. Artificial Intelligence

Bien que les recettes à l’étranger aient finalement permis à A.I. de faire des profits, les 78 millions de dollars de recettes du film aux États-Unis ont été quelque peu décevants, surtout compte tenu du pedigree du film et de son budget de 100 millions de dollars. Adapté d’une nouvelle de l’auteur britannique Brian Aldiss, A.I. était célèbre pour être un projet d’abord entrepris par Stanley Kubrick, avant que Spielberg ne prenne le relais après la mort de Kubrick en 1999.

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Les critiques d’A.I. ont parfois utilisé son histoire comme un bâton pour le battre, le décrivant comme une collision maladroite entre l’intellect froid de Kubrick et la sentimentalité popcorn de Spielberg. C’est pourtant cette collision qui rend le film si intéressant ; Haley Joel Osment est le jeune protagoniste aux yeux étoilés et béatifiés typique d’un film de Spielberg, mais l’odyssée qu’il entreprend est d’une noirceur presque implacable. Le David d’Osment est un robot dont la mission, semblable à celle de Pinocchio (ou Roy Batty), est de devenir un vrai garçon. Il est abandonné par ses parents et apprend peu à peu à quel point le monde est cruel et dur. Même la conclusion d’A.I., considérée par certains comme une coda sirupeuse de trop, pourrait également faire l’objet d’une interprétation beaucoup plus sombre, comme l’a souligné Roger Ebert lorsqu’il a revu le film et écrit une nouvelle critique plus sympathique peu après sa sortie. Plein de beaux designs et de moments obsédants, A.I. est riche en idées et en notions inquiétantes.

Non seulement il pose des questions familières de science-fiction sur la nature de la conscience et notre responsabilité envers nos créations, mais il ose aussi suggérer que si nous devions fabriquer des machines artificiellement intelligentes, elles finiraient probablement par être considérablement plus douces et humaines que nous.

Ghost World

A peine distribué dans les cinémas américains, Ghost World de Terry Zwigoff a dû se contenter d’un public culte croissant à la place. Avec Thora Birch et Scarlett Johansson, c’est un récit ironique et extrêmement drôle sur la douleur de grandir, surtout si vous ne faites pas partie des enfants cool de l’école.

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Thora Birch et Scarlett Johansson sont toutes deux parfaites dans le rôle des deux protagonistes du film, Enid et Becky, tandis que Steve Buscemi est dans une forme typiquement excentrique dans le rôle de Seymour, un célibataire solitaire qui se lie d’amitié avec les premières suite à un appel téléphonique farceur. Le réalisateur Terry Zwigoff, qui a coécrit cette adaptation de la bande dessinée de Daniel Clowes, est passé maître dans l’art de capturer des personnages décalés et marginaux, depuis ses documentaires Louie Bluie et Crumb jusqu’à l’anarchie comique de Bad Santa, son plus grand succès. Ghost World ne fait pas exception et, grâce à son charme et à son esprit, il est facilement le meilleur film pour adolescents de l’époque.

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Le professeur de piano

Bien qu’il s’agisse d’un drame plutôt que d’un film d’horreur, il y a une honnêteté et une brutalité dans Le professeur de piano de Michael Haneke qui le rend presque douloureux à regarder. Isabelle Huppert joue le rôle d’Erika, une pianiste professionnelle d’âge moyen qui s’éprend d’un de ses élèves adolescents.

Lire la suite : Les films sous-estimés de 1985

Adapté du roman éponyme d’Elfriede Jelinek, le film de Haneke ronronne de tension et de malaise, et il a certains éléments en commun avec Black Swan, de Darren Aronofsky, plus opératique et fantasmatique : tous deux mettent en scène des femmes solitaires dominées par leur mère et dont les façades boutonnées cachent un sombre réservoir de désir violent.

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Shaolin Soccer

On pourrait dire qu’un film de Hong Kong qui a fait 42 millions de dollars aux États-Unis est trop réussi pour être sous-estimé, mais ce chiffre est une goutte d’eau dans l’océan comparé aux 213 millions de dollars réalisés par Tigre et Dragon cachés un an plus tôt. D’ailleurs le réalisateur, scénariste et star Stephen Chow a rapidement éclipsé son propre succès international avec le encore plus gros Kung Fu Hustle en 2004, même si pour nous, Shaolin Soccer est le plus drôle des deux.

Lire la suite : Les films sous-estimés de 1984

Chow joue le rôle d’un maître de kung-fu qui marie ses compétences en arts martiaux avec le football européen, et monte une équipe pour participer à un tournoi à Hong Kong. Comme une bande dessinée qui prendrait vie de façon démente, Shaolin Soccer est rempli de personnages plus grands que nature et d’exploits physiques improbables, et il faut dire que le rythme et le charme du film de Chow sont contagieux. Tactiques douteuses, tacles brutaux et ballons de football frappés assez fort pour faire tomber les adversaires comme des quilles ne sont que quelques-uns des points forts de ce qui est sûrement l’une des comédies sportives les plus drôles jamais réalisées.

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Le Gage

Le troisième film de Sean Penn en tant que réalisateur dispose d’une distribution étonnante avec Jack Nicholson dans le rôle principal et Aaron Eckhart, Helen Mirren, Vanessa Redgrave et Mickey Rourke parmi les acteurs secondaires. Nicholson joue le rôle d’un détective retraité et fatigué qui est entraîné dans un nouveau mystère lorsqu’une jeune fille est découverte dans la campagne enneigée des environs. Malgré son meilleur jugement, l’ancien détective cède aux demandes larmoyantes de la mère de la jeune fille morte, et s’engage à traquer le tueur.

Lire la suite : Les films sous-estimés de 1983

A mesure que le détective fouille les indices entourant l’affaire, il devient de plus en plus obsédé par l’identité du meurtrier, et s’abaisse à des méthodes extrêmement amorales et dérangeantes pour tenter de l’attraper. La performance de Nicholson est ici remarquable, pleine de doute et de désespoir – et le film n’est pas tant un thriller conventionnel de tueur en série, qu’une étude de caractère sur un homme vieillissant prêt à tout pour trouver ce qu’il cherche.

My Sassy Girl

Cela. C’est exactement le genre de film pour lequel vous espérez lire des listes comme celle-ci : pour trouver un joyau non découvert qui entre dans la course comme l’un de vos films préférés de tous les temps. Parlons d’abord du remake : évitez-le comme s’il était empoisonné par l’élixir de Brett Ratner. Ce n’est pas qu’il soit affreux, mais il est beaucoup, beaucoup moins intéressant que le film dont il s’inspire. Car My Sassy Girl, le cru sud-coréen de 2001, est superbe. La genèse du film réside dans une série de récits que Ho-sik Kim a postés sur Internet, qu’il a ensuite transformés en roman, puis adaptés au cinéma. Il y est question de sa rencontre avec une fille mystérieuse et pas particulièrement amicale, et de la relation compliquée entre eux.

Il y a une bonne dose d’ambiguïté sous-jacente, et le personnage de la fille elle-même (nous n’apprenons jamais son nom, mais c’est tout ce que nous allons vraiment vous dire sur elle) est stratifié, intéressant, tridimensionnel, et tout à fait, tout à fait une personne à encourager. Et cela est compliqué en soi : rares sont ceux qui ont pu prendre un personnage aussi antipathique que Jun Ji-hyun et le transformer en quelqu’un de tout à fait opposé. L’écriture y contribue grandement, bien sûr, mais le couple formé par Cha Tae-hyun et Ji-hyun est exemplaire.

Si vous deviez classer le film dans un genre, alors peut-être que la comédie romantique est la plus proche. Mais ces deux mots pourraient bien dissuader tout un tas de personnes à la chasse d’un film émouvant et imprévisible sur deux personnages arrondis. Si ce site était le Den of Geek Korea, nous n’aurions pas besoin de placer My Sassy Girl en tête de liste. Il s’agit de l’un des films les plus vendus de tous les temps dans son pays d’origine, et d’un succès massif dans une grande partie de l’Asie de l’Est. Au Royaume-Uni ? Il a quelques défenseurs, mais pas assez.

Ignorez le titre, et ignorez le genre. Regardez-le simplement. My Sassy Girl pourrait bien devenir l’un de vos films préférés aussi.

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