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Self Worth a commencé à prendre forme au printemps de l’année dernière. À l’époque, les choses n’allaient pas très bien.  » Nous étions dans un très mauvais moment ; la dynamique de groupe ne fonctionnait plus avec Antonio. Nous n’avions pas l’impression de pouvoir écrire un disque avec lui. Ça ne marchait pas. Donc, à la fin, il est parti », se souvient Jazz. « Je pense que son départ était quelque chose qui devait arriver. Nous ne nous comprenions plus. Et c’est arrivé à un point où ce n’était pas confortable, que ce soit en tournée ou en répétition. Ce fut donc un changement très positif. Il nous a apporté la tranquillité d’esprit dont nous avions besoin », ajoute Carla. En mai, une fois libérés des « mauvaises vibrations », Jazz et Carla se sont réfugiés pendant près d’une semaine dans une petite maison à la montagne, près des Pyrénées en France, pour commencer à projeter leur prochain album. Pas de téléphone, pas d’internet. Juste ce dont ils avaient besoin pour écrire et enregistrer des démos. De nouvelles mélodies, paroles et parties de guitare sont apparues, et avec ces premières chansons, ils sont retournés en Catalogne, où Leia Rodríguez – bassiste et sœur de Jazz – et Víctor Pelusa – le nouveau batteur – les attendaient. « Nous l’avons terminé tous les quatre ensemble, à la fin de cet été », raconte Carla. Jazz : « Nous avons pu profiter du processus d’écriture d’un album pendant tout l’été. Dans le passé, cela ne pouvait se produire que sous pression. »

La reconfiguration du groupe a porté ses fruits. « Nous avons travaillé davantage en équipe. Nous avons plus communiqué. Chacun a donné quelque chose dans la composition d’une manière beaucoup plus naturelle. Même avec Víctor – avec qui nous n’avions pas beaucoup joué – a fini par ajouter des éléments et un air différent aux chansons », a déclaré Jazz. Carla a reconnu que c’était l’environnement idéal pour aller plus loin : « Je pense que nous n’étions pas seulement nous-mêmes avant. Maintenant, nous nous sommes lâchés. Nous avons enfin poussé les choses qui devaient sortir – les choses que nous voulions dire et jouer. » Ces obstacles avaient beaucoup à voir avec leur ancien batteur et leurs désaccords. Jazz : « Nous ne partagions plus tout à fait les mêmes idéaux et les mêmes façons de penser. Je soupçonne que certains textes de cet album ne lui auraient pas paru justes, et cela aurait signifié une bataille. Je sauve le fait d’être nous-mêmes avec ces chansons, sans que personne ne nous juge. Pour moi, cela a fini par être le meilleur album que nous ayons fait, parce que nous l’avons vécu beaucoup plus intensément, avec plus de liberté et de bien-être. »

Le chant – entre le mélodique et l’effusif, avec ce courage émotionnel, imposant et vital – devient un acte magique, chimique, définitivement magnétique. La musique comme déchaînement fait partie de la nature de MOURN. Jazz explique : « J’utilise les chansons pour capturer mes émotions. Ainsi, lorsque je fais un album, je me sens calme, car je me débarrasse des traumatismes, des angoisses et des sentiments qui me submergent. J’ai besoin de me débarrasser de toutes ces choses. Et cela devient une bonne vibration : les chansons en rayonnent. Avec ce disque, j’ai pu prendre quelque chose qui fait mal et le transformer en quelque chose qui fait du bien. »

Les deux chanteuses écrivent des textes. Parfois, l’une d’elles souligne ce qui lui plaît dans le cahier de l’autre. Elles finissent par entrecroiser leur écriture, définir des thèmes et superposer leur langage. Jazz : « Carla et moi venons de familles différentes, mais nous partageons des conflits similaires. Nous avons des sentiments qui se rejoignent et que nous avons besoin d’exprimer de la manière la plus libre et la plus directe qui soit.  » Cette ligne directrice – pour tout dire – est le résultat de leur réalisation en tant que groupe. Ce n’est qu’ensuite, après s’être réarmés et émancipés, qu’ils ont pu réaliser un album comme Self Worth. Jazz le définit comme  » un album d’émancipation « , et Carla est d’accord : « Dans le passé, les choses n’étaient pas aussi claires pour nous. Nous avons grandi. Nous avons lu sur le féminisme. Alors maintenant, nous nous sentons plus à l’aise pour parler de ces sujets. »

« Men » est la preuve lyriquement patente de cette croissance, et de leur conscience accrue en tant que femmes. Une chanson révélatrice, nécessaire et délibérément inconfortable. Une belle mélodie de guerre contre le patriarcat ; le sauvetage impulsif de la riot grrrl. Jazz raconte : « Nous parlons des difficultés que nous rencontrons ; de ce à quoi nous sommes exposées dans le métro ou dans la rue lorsque nous croisons des hommes qui nous disent des choses ou nous regardent d’une certaine façon. C’est notre refus de nous sentir retenues. C’est une chanson libératrice. J’aime générer ce malaise, soit parce qu’il y a quelqu’un qui se sent identifié, soit parce qu’il y a un homme qui se sent bouleversé. En fait, je veux bouleverser : c’est comme ça qu’on vit et qu’on le ressent. »

« Peu importe ce que j’ai dit/ Je suis la forme que tu ne respectes pas » – extrait de « Stay There »- colle à cet esprit d’émancipation. Sa fureur ne fait pas de l’ombre aux arrangements vocaux. Jazz semble satisfait : « À ce stade, nous savons déjà ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Nous avons trouvé ici notre style, notre personnalité. Nous avons aussi pris plaisir à essayer des combinaisons – l’un chante la mélodie et l’autre récite par-dessus. » L’une de ces paroles fait surface au début de « Apathy », alors que la basse de Leia prend les rênes et accorde un cessez-le-feu aux guitares. Carla dit qu’il n’a pas été facile d’arrêter de jouer, « La guitare est notre instrument. Et pour nous, elle a la même importance que la voix ». Rien à craindre : MOURN reste un groupe de rock à guitares qui a le cœur dans les années 90 (de PJ Harvey à Sleater-Kinney). Jazz est d’accord : « La guitare est mon bouclier, ce qui me protège. C’est la corde à laquelle je m’accroche pour ne pas m’envoler ». Self Worth valide cette fascination pour la guitare, non seulement dans ses chevauchées imparables, mais aussi dans des moments plus épars (le havre de vibrato de « The Tree », l’intro de « Gather, Really »).

Le monde des relations traverse tout l’album. Certains besoins ressortent : laisser derrière soi des liens abusifs, extérioriser le bruit intérieur. Jazz :  » On a beaucoup parlé de se sortir de situations toxiques – de ne pas se résigner à ça, de ne plus endurer ça. Les chansons sont comme des drapeaux pour se lever et dire : ‘on en a fini' ». Tout comme « Stay There » dessine une limite et « Apathy » vous crache la vérité au visage, « Call You Back » semble peindre cette instance dans laquelle l’amour paralyse : « Je préfère mourir/ Un millier de fois/ Avant de te faire savoir/ Ce que je ressens pour toi ». Les chansons font fi des structures : peu importe le couplet et le refrain, tout fonctionne de la même manière. « I’m In Trouble » confirme l’élan du nouveau batteur Pelusa et transforme les voix exaspérées en mitrailleuses. Un assaut punk avec un message clair : le corps parle quand l’esprit ne va pas bien.

Contrairement à ses prédécesseurs, Self Worth élargit les règles et utilise une méthode différente : accomplir ce que chaque chanson exige. Jazz :  » Dans nos premiers albums, nous n’avons enregistré que ce que nous allions jouer en live. Nous nous sommes dit : ‘les sons ici seront égaux à ceux du concert’. Deux voix, deux guitares, une basse et une batterie. Et c’est tout. Au contraire, cette fois-ci, le plan était différent : ‘si cette chanson a besoin d’un refrain époustouflant, faisons-le – puis nous verrons en répétition comment nous parviendrons à le faire en live’. » Carla : « Nous nous sommes donnés à ce dont la chanson a besoin. Et nous nous sommes plus amusés. Nous avons laissé certaines chansons sans voix avant d’aller au studio d’enregistrement – l’idée était de tenter notre chance et de chanter par-dessus ce qui sortait à ce moment-là. Cela nous a donné plus de liberté ; nous avons adapté les mélodies sans nous limiter, parce que nous ne pensions pas à jouer. »

Toute l’incertitude suggérée dans « This Feeling Is Disgusting » – l’ouverture de l’album – se dissipe avec le dévouement de MOURN. Deux accords et une petite mélodie apprivoisent l’auditeur avant que la tempête n’éclate : l’avenir est incertain, mais ils veulent que ça marche. Parfois, ils se sentent comme un champignon caché dans la mousse (« Worthy Mushroom »). Parfois, ils sont frustrés à l’idée de tout perdre (« The Family’s Broke »). MOURN est une enclave de post-adolescents confrontés aux dilemmes de la vie adulte. Un abîme de questions et de décisions. « Quand on a commencé, on jouait beaucoup. Mais soudain, cela a changé, et la musique a cessé de nous apporter une stabilité économique. En ces temps de Covid, nous cherchons constamment quoi faire. Il est difficile de trouver un emploi. Qui va vous engager en sachant que vous serez absent à chaque fois que vous aurez un spectacle ? Pour le monde du « travail », nous avons très peu d’expérience : Je peux mettre tous les disques que j’ai faits sur mon CV, mais ça ne veut pas dire que je vais être embauché dans une boulangerie. Certains amis ont un travail et un groupe, mais ils ne jouent pas beaucoup. Alors ce groupe devient un plan B. Au final, c’est tout ou rien. C’est difficile. Surtout ici en Espagne, où ce que nous faisons est davantage considéré comme un hobby que comme une profession », explique Carla. Jazz se résout en combattant l’échec : « Devrons-nous chercher des emplois qui n’ont rien à voir avec ce que nous aimons juste pour survivre, alors que nous mourons d’envie de jouer ? Parce que le groupe est notre travail, c’est notre vocation. Cet album nous a donné ce dont nous avions besoin : l’estime de soi, l’envie d’aller de l’avant, de nous aimer, avec tout, avec le bon et le mauvais. Cet album nous donne du pouvoir. »