Uudemman YouTubevideoni aiheena on jälleen yksi video siitä, miten näytellä ”realistisesti”. Tässä videossa kerron, että olen koonnut neljä yksinkertaista vinkkiä, jotka auttavat meitä näyttelemään mahdollisimman realistisesti valkokankaalla. Sanottuani tämän, vinkkejä on paljon enemmän kuin nämä. Lisäksi, kun puhun ’realistisesta’ näyttelemisestä, tarkoitan sitä, että käyttäydyn niin kuin luonnollinen ihminen oikeassa elämässä toimisi. Kuten olen kirjoittanut aiemmassa blogikirjoituksessa (ja maininnut aiemmassa videossa), realistinen näytteleminen on hieman ristiriitaista, koska näytteleminen ei ole lainkaan realistista. Voit kuitenkin toimia realistisesti tai naturalistisesti, mutta poikkean aiheesta. Periaatteessa: me kaikki tiedämme, mitä tarkoitamme realistisella näyttelemisellä.

Kerrokset

Ensimmäinen vinkki, jonka olen oppinut erilaisilta näyttelemisen oppitunneilta ja kokemuksesta, koskee vastakkaisia kerroksia. Näiden on oltava läsnä esityksessäsi, jos haluat näytellä vakuuttavasti. Olen oppinut työpajoista, että casting-johtajat PITÄVÄT näyttelijässä vastakkaisia kerroksia (jotain ajateltavaa!). Ihmiset ovat monimutkaisia ja moniulotteisia, he ajattelevat yleensä monia eri asioita yhtä aikaa. Jotta voimme näytellä realistisesti, meidän on siis otettava huomioon, miten ihmiset tosielämässä ovat sekoitus vastakkaisia (tai jopa ristiriitaisia) kerroksia, ajatuksia tai tunteita, jotka näkyvät silmissä. Tällaista monimutkaisuutta voimme esittää näyttelemisessä kerroksellisuuden avulla.

Kerroksellisuus on ajatus siitä, että se, mitä ajattelet tai tunnet, ja se, mitä sanot tai teet, voivat olla vastakkaisia (tai jopa ristiriitaisia) asioita. Tämä on hyödyllistä myös silloin, jos et pääse käsiksi johonkin tiettyyn ajatukseen: ehkä hahmosi rikkoo lakia, etkä vain pääse käsiksi tähän ajatukseen tarpeeksi voimakkaasti, koska et voi samaistua hahmosi toimintaan. No, näyttelijänä voit halutessasi sisällyttää sanattoman syyllisyyden tässä tapauksessa (tämä on vain esimerkki). Tämä sanaton syyllisyys lisää lainvastaiseen hahmoon ristiriitaisen kerroksen, joka tekee hänestä kolmiulotteisemman ja ehkä jopa helpommin samaistuttavan yleisölle. Jos haluat näytellä realistisesti, sinulla on väistämättä hieman ”itseäsi” minkä tahansa esittämäsi hahmon kuvauksessa joka tapauksessa. Saatat esimerkiksi esittää etsivää, joka tutkii murhaa ja luulee tietävänsä, kuka sen teki, ja kun haastattelet epäiltyäsi, saatat puhua ja käyttäytyä rauhallisesti ja välinpitämättömästi (koska tämä on etsivän työtä), mutta samaan aikaan saatat tuntea vihaa tai inhoa epäiltyäsi kohtaan. Nämä sisäiset ajatukset paljastuvat pelkästään silmistäsi. Ja nämä sisäiset ajatukset ovat ristiriidassa ulkoisen olemuksesi (tai julkisivusi) kanssa. Saatat sanoa jotain yksinkertaista, joka voi tarkoittaa mitä tahansa, kuten ”ja nimesi on?” Mutta jos sanot tämän repliikin ajatellen vihaa ja inhoa, lisäät repliikkiin alatekstiä. Siitä tulee vähemmän jonkun nimen kysymistä ja enemmän sen antamista yleisölle tietää, että hahmosi ei pidä tästä ’jostakusta’. Vastaavasti, jos hahmosi tuntee sääliä murhasta epäiltyä kohtaan eikä usko hänen tehneen sitä, hän saattaa kysyä kysymyksen säälien. Tämä on ristiriidassa ulkoisen etsivän ulkokuoren kanssa, joka myös kertoo yleisölle enemmän siitä, miten hahmosi suhtautuu tilanteeseen.

Tämä on tietysti yksinkertainen esimerkki kerrostamisesta. Kerrostaminen voi muuttua monimutkaisemmaksi: voit kerrostaa useita tunteita päällekkäin ja ne voivat taistella toisistaan silmien takana. Ihmiset tosielämässä ovat harvoin avoimia ja rehellisiä, joten näyttelijöinä, jos haluamme esittää hahmon realistisesti, meidän on mietittävä kaikkia niitä ristiriitaisia kerroksia, jotka tekevät ihmisestä ihmisen. Ihmisessä ei useinkaan ole aina vain yhtä sisäistä tunnetta: ihmiset ovat epävarmoja tilanteista, he saattavat pitää skenaarion tietyistä puolista ja inhota toisia puolia sekunnin murto-osaa myöhemmin, he häpeävät itseään, ovat ylpeitä itsestään, miettivät, mitä heidän on tehtävä, kun he lähtevät huoneesta, jossa ovat, miettivät, mistä ovat juuri tulleet, ehkä heillä on nälkä ja he miettivät, mitä syödä myöhemmin.

Ihmiset ovat harvoin tarkkaavaisia ja elävät hetkessä, ja he arvostelevat jatkuvasti ympäristöään, muita ihmisiä ja itseään. Sisäisiä ajatuksia tai tunteita on runsaasti ja usein ristiriidassa itsensä kanssa. Lisäksi nämä ristiriitaiset ajatukset ja tunteet ovat ristiriidassa hahmon ulkoisen julkisivun kanssa: sen, miten hän esittää itsensä muille. Henkilön sisäisen ja ulkoisen välillä on aina ristiriita, ja ulkoinen muuttuu eri yhteyksissä/ulkoisissa olosuhteissa (ja oletan, että sen myötä myös sisäinen muuttuu). Esimerkiksi työhaastattelussa esität itsesi tietyllä tavalla, ja tämä olisi erilaista kuin se, miten esität itsesi ensitreffeillä (ehkä… ymmärrät ajatuksen).

Layering tarkoittaa hahmosi dialogin (tai monologin) varustamista subtekstillä. Alateksti lisää poikkeuksetta syvyyttä hahmon kuvaukseen. Tämä syvyys kertoo enemmän siitä, mitä ajattelet, ja se näkyy silmissä. Tämä kontrastien ja alatekstin kerrostaminen lisää hahmoon arvaamattomuutta: emme oikeastaan tiedä, mitä hän ajattelee tai tuntee jostakin tilanteesta tai hahmosta, emmekä näin ollen voi oikeastaan ennustaa, mitä hän saattaa tehdä kohtauksessa seuraavaksi (vaikka voimmekin spekuloida). Huono kaksiulotteinen näytteleminen on tylsää, koska tiedämme, mitä on tapahtunut ennen kuin kohtaus on päättynyt. Monimutkaisia hahmoja, joilla on ristiriitaisia kerroksia ja pohjatekstejä, on paljon viihdyttävämpää katsella kuin näyttelijöitä, jotka sovittavat ajatuksen ja toiminnan yhteen ja esittävät kaiken vilpittömästi.

Tee päinvastoin

Opin seuraavan vinkkini näyttelemisen oppitunnilta, ja se on tehdä päinvastoin voimakkaiden tunteiden hetkillä. Voimakkaalla tunteella tarkoitan kaikkea, missä asiat muuttuvat hieman dramaattisemmiksi, kuten itkua, huutoa/väittelyä, naurua, riemua, kauhua, sydänsurua. Jos ajattelee asiaa, niin tällaisina hetkinä aloittelevat (aloittelevat) näyttelijät uinuvat siinä, he antautuvat tunteelle, jota heidän mielestään pitäisi esittää, vaikka se ei olekaan realistista. Samoin se ei näytä realistiselta: se näyttää siltä, että he näyttelevät. Tällaisten voimakkaiden tunteiden hetkinä on kuitenkin realistisempaa näytellä poispäin: toisin sanoen näytellä niiden vastakohtaa. Tämä lisää kohtauksen tunneintensiteettiä ja tekee siitä yleisön kannalta viihdyttävämpää. Jos esimerkiksi haluat näytellä pelokasta, et ”näyttele pelokasta” vaan ”näyttelet rohkeaa” pelottavassa tilanteessa. Jos haluat esittää, että hahmo nauraa, et vain naura, vaan esität ’älä naura’. Jos haluat näytellä itkevää hahmoa, et vain itke, vaan leikit ’pidättele kyyneleitä’. Jos joku itkee, hän ei yleensä päästä kaikkea ulos, vaan pidättelee kyyneleitä, itku on viimeinen keino. Itkemisen ja itkemättömyyden välillä on jännite. Tämä ei tietenkään tarkoita sitä, etteikö näyttelemisessä naurettaisi tai itkettäisi. Näitä liikkeitä on vain ajateltava tietyllä tavalla, jos haluaa vaikuttaa realistiselta. Asiat, kuten kyyneleet ja nauru, ovat ylimääräisen energian purkautumista, ja niiden pitäisi aina olla sivutuote, ei tavoite. Jos näistä sivutuotteista tehdään tavoite, niihin liittyvät voimakkaat tunteet häviävät, koska niitä ei yksinkertaisesti oteta huomioon. Jäljelle jäävät vain tyhjät sivutuotteet, ja se näyttää siltä, että teeskentelet. Ihmiset harvoin antavat sisäisten tunteidensa näkyä, varsinkin kun kyse on voimakkaista tunteista. Ihmiset pidättelevät kyyneleitä, näyttelevät rohkeaa, vaikka ovat kauhuissaan. Kun ihmiset ovat surullisia, he yrittävät piilottaa sen. Kun ihmiset ovat humalassa, he yrittävät näyttää selvin päin.

Reagoi muutoksiin

Kolmas vinkki koskee muutoksiin reagoimista. Tämä on asia, jota minulle on opetettu näyttelemistunneilla ja jonka olen oppinut mestarikursseilla casting-ohjaajien kanssa. Usein kohtauksessa tapahtuu jotain ”uutta”: tapahtuu muutos. Se voi olla asiallinen muutos tai tunnepohjainen muutos. Hahmosi saattaa esimerkiksi oppia jotain uutta kohtauksen toisesta hahmosta, toinen hahmo astuu huoneeseen tai hahmosi ja toisen hahmon asema muuttuu. Tällaiset muutokset vaikuttavat kohtauksen alatekstiin, kohtauksen hahmojen asemaan, kehonkieleen, hahmosi tavoitteisiin ja siihen, miten he pyrkivät saavuttamaan ne; hahmo saattaa oppia jotakin uutta, joka voi muodostua esteeksi hahmolle, tai kenties joku toinen henkilö astuu kohtaukseen, ja tämä auttaa hahmoa saavuttamaan tavoitteensa. Nämä ovat vain esimerkkejä.

Subtekstiin voi vaikuttaa myös se, että kohtauksen aikana tapahtuu muutos: esimerkiksi sanomalla ”hei, hauska tavata” uudelle tuttavalle kuulostaa erittäin latautuneelta, jos hahmosi tajuaa hetkeä aiemmin, että tällä uudella tuttavalla on suhde hahmosi tärkeän kumppanin kanssa.

Status voi muuttua, jos toinen hahmo tietää jotain, mitä toinen ei tiedä: se, joka tietää enemmän, on yleensä korkeammassa asemassa. Ajattele: panttivankikohtauksen aikana vangittuna oleva henkilö näkee poliisin saapuvan ulos, mutta vangitsija ei. Kehonkielessä tapahtuu huomattava muutos, kun vangittuna oleva uhri saa toivoa ja tietää, että hänellä on nyt yliote. Vangitsija ei muutu, mutta suhteessa uhriin nähden hänen asemansa muuttuu visuaalisesti. Tätä skenaariota käytetään liikaa draamoissa ja elokuvissa, joten epäilemättä te kaikki tiedätte mitä tarkoitan.

Kohtauksen aikana tapahtuvat muutokset vaikuttavat ruumiinkieleen, olipa kyseessä sitten se, että hahmosi saa lisää statusta tai yhtäkkinen vastenmielisyys toista hahmoa kohtaan, ruumiinkieli muuttuu. Kohtauksen aikana tapahtuvat muutokset voivat vaikuttaa hahmosi tavoitteeseen, tapaan, jolla he pyrkivät saavuttamaan tavoitteensa, ja kohtauksen statukseen tai panoksiin (näyttelijäntyön opettajani sanoo jatkuvasti, että ”tavoitteet” ja ”esteet” ovat ”Stanislavskin perusasioita”, joten lisään sen tähän).

Ei kannata aliarvioida pieniä hetkiä, kuten esimerkiksi toisen hahmon kävelemistä huoneeseen kohtauksen aikana: tämä merkitsee muutosta, joka voi vaikuttaa useisiin ominaisuuksiin (kehonkieleen, alateksteihin, statukseen). Jonkun astuminen huoneeseen on aina huomionarvoista, kuten tosielämässäkin. Samoin älä ennakoi muutosta kohtauksessa (älä ala näyttelemään muutoksia ennen kuin siihen on syytä). Muista: hahmosi ei tiedä, mitä seuraavaksi tapahtuu, vaikka sinä (näyttelijä) tiedätkin. Aloittelevat näyttelijät unohtavat usein reagoida muutoksiin, koska he tietysti tietävät jo, mitä kohtauksessa tulee tapahtumaan: hahmonsa joko reagoi ennenaikaisesti johonkin tapahtumaan tulevaan, tai he eivät ehkä tajua, että hahmossa on tapahtunut muutos ja asioita pitäisi lähestyä eri tavalla. On paljon asioita, jotka on muistettava ottaa huomioon, kun on kyse kohtauksen muutoksiin reagoimisesta, joten tiivistän ne toistaiseksi seuraavasti:

• Kuuntele (ei, oikeasti kuuntele)
• Reagoi toiseen näyttelijään
• Näytteleminen on muutakin kuin puhumista
• Reagoi silloin, kun hahmosi ei puhu

Tiedä SINUN tavoitteesi sekä hahmosi tavoite

Neljäs vinkkini on tuntea SINUN tavoitteesi, ei vain hahmosi tavoite. Olen oivaltanut tämän vinkin paljon miettimällä, lukemalla ja näyttelemällä. Se, että et näyttele realistisesti ei tarkoita, että olet huono näyttelemään. ”Realistisen” määritelmä taiteessa on muutenkin muuttunut ajan myötä. Itse asiassa termiä ”realistinen” ei edes käytetä, kun puhutaan tällaisista asioista: ihmiset käyttävät yleensä termiä ”realismi”, jota on myös tunnetusti vaikea määritellä. Käytän termiä ’realistisesti’ tässä vain siksi, että ’miten toimia realistisesti’ on suosittu hakusana. Kaikki haluavat näköjään tietää vastauksen tähän kysymykseen.

Teatterintekijä Bertolt Brecht väitti, että hänen teatterityylinsä (täynnä ristiriitoja ja vieraantuneisuutta ja vastakkaisia eleitä) kuvasi paremmin 1900-luvun todellisuutta, koska se tarjosi erilaisia näkökulmia ja pakotti katsojan miettimään sitä, mitä hän katsoi, sen sijaan, että hän uppoutuisi juonen keskelle ja unohtaisi katsovansa näytelmää. Emme kuitenkaan kutsuisi brechtiläistä näyttelemistä ”realistiseksi” näyttelemiseksi. Vai kutsuisimmeko? Se on kuitenkin erilaista näyttelemistä kuin Stanislavskin systeemi.

Minusta on eroa realistisen näyttelemisen ja vilpittömän näyttelemisen välillä. Voit esimerkiksi näytellä jotain vilpittömästi, jolloin uskot hahmon olevan olemassa kyseisessä kohtauksessa sillä hetkellä, mutta se ei silti ole realistista. Samoin voi esittää jotain ”realistisesti”, mutta hahmo on epärehellinen. Tiedät, että hän valehtelee – hän on ristiriidassa itsensä kanssa. Heitä on vaikea saada kiinni. Mutta näin ihmiset käyttäytyvät tosielämässä ja se vaikuttaa realistiselta, vaikka näin tarkasta esityksestä huolimatta näyttelijä näyttelee ja koko tämä ei kuitenkaan ole todellista!

Pointtini tässä on se, että sinun on tiedettävä, mitä haluat tehdä esityksessäsi. Jos sen on tarkoitus vaikuttaa aidolta ja siltä kuin et näyttelisi ollenkaan, sinun on tiedettävä miten ihmiset toimivat oikeassa elämässä: tarkkaile heitä, tarkkaile itseäsi. Uudet näyttelijät tekevät aina jotain epärealistista, jotain, mikä ei ole normaalia. Mutta jotkut heistä tekevät sitä vilpittömästi, mikä ei ole huonoa näyttelemistä, se ei vain ole ”realistista” näyttelemistä. Jos haluat näytellä niin kuin toimisit tosielämässä, niin tutustu siihen, millainen olet tosielämässä.”

Dee Cannon kirjoittaa In-depth Acting -teoksessa:

”jos haluat olla näyttelijä, joka osoittaa suurta syvyyttä hahmoissasi, niin en voi tarpeeksi korostaa, kuinka ratkaisevaa on löytää emotionaalinen syvyys itsestäsi. mitä rikkaammaksi tulet ihmisenä, sitä rikkaampi olet ja kehityt näyttelijänä.”

Dee Cannon, teoksessa In-depth Acting, s. 19.

Mielestäni sen tietäminen, miten itse käyttäydyt luonnostasi, on ratkaisevan tärkeää, jos haluat näytellä realistisesti tai pikemminkin näyttää siltä, ettet näyttele lainkaan.

Tilaa YouTube-kanavani