Si has pasado algún tiempo buscando tutoriales de mezclas en YouTube, es probable que hayas encontrado el trabajo de Matthew Weiss.

Además de ser un mezclador nominado al Grammy y ganador del premio Spellemann, Matthew es un eminente líder de opinión sobre el proceso de creación de discos modernos. Ha escrito más de 200 artículos que desmitifican una gran variedad de temas, desde la compresión de las voces hasta el recorte de los golpes. Sus tutoriales de mezclas de primera calidad se encuentran entre los mejores disponibles.

Nos sentamos recientemente para hablar del oficio y el negocio que hay detrás de la mezcla de discos.

Tú creciste en Filadelfia. ¿Influyó eso en el sonido de tus discos? ¿Cómo suena un disco de Matthew Weiss?

Philly es una ciudad de jazz. Cuando estás involucrado en esa escena a cualquier nivel, empiezas a escuchar la música como una conversación entre músicos, en lugar de notas en una página o letras con un ritmo. Pienso en la música de forma conversacional. Lo atribuyo a mi educación.

En cuanto a mi sonido, me inclino por lo que pide la canción. A veces es grande y brillante. Otras veces es sucio y extraño, y la batería se desplaza hacia un altavoz. Realmente depende.

Algunos mezcladores, como Chris Lord-Alge, son conocidos por tener una huella sónica característica. Otros se enorgullecen de ser camaleónicos. Parece que tú te inclinas por lo segundo.

Yo estoy en el medio. Creo que tengo un sonido característico, pero es difícil de expresar con palabras. El sonido de Chris es un poco más fácil de definir, porque es un mezclador muy indulgente. Se pone sus anteojeras visuales y sus anteojeras auditivas por completo. Le da mil vueltas a los mandos. Más poder para él – es una manera impresionante de mezclar. Pero él es un poco más fácil de poner un dedo en. Creo que alguien podría elegir mi mezcla de una alineación, pero no creo que sea fácil decir lo que la delató.

Escucho mucha saturación sutil y distorsión en tus mezclas. ¿Cómo te enfrentas a la adición de carácter?

Cuando me estaba acercando como asistente y pasante, pasé mucho tiempo mezclando en una consola API. Esa cosa tenía tono. Cuanto más subías un fader, más cambiaba el rango medio. Si se pulsa un ecualizador, el rango medio inferior cambia y el extremo superior cambia. Ni siquiera tenías que hacer ninguna ecualización.

Hoy mezclo en la caja con una configuración híbrida, y la distorsión no está ahí. Así que he empezado a experimentar en esa línea. He descubierto que añadir algo de saturación sutil puede dar vida a un sonido. Le da tono o carácter a las cosas, de forma similar a como lo haría una consola de forma natural. Excepto que ahora tengo mucho más control sobre lo que es exactamente ese sonido.

¿Tienes algún consejo para usar la saturación en una mezcla?

Intenta añadirla primero en la cadena, antes de tu EQ. La saturación va a crear un cambio tonal, no importa lo que hagas. A veces ese cambio es sutil, por lo que no necesariamente se percibe de inmediato. Por ejemplo, digamos que añades un poco de saturación de estilo FET a una voz. Puede que veas que empieza a aparecer un cierto brillo alrededor de los 800 Hz. Si añades la saturación al final de la cadena, la voz podría elevarse hacia delante de una forma poco agradable. Pero si la añades primero, puedes eliminar ese cambio tonal extra. Entonces se obtiene una voz bien equilibrada, con un poco de jugo armónico añadido.

Eso tiene mucho sentido.

Sí. Además, mucha gente ya no hace el seguimiento con compresión o ecualización. Lo hacen todo en la mezcla. Así que estas etapas de saturación que normalmente existirían antes de su EQ ya no están allí. Pero hasta hace unos 5 años, no era así. Como la música ha existido de otra manera durante décadas, creo que nos hemos acostumbrado a ese sonido.

Mencionas que se deja mucho más a la mezcla. ¿Te encuentras utilizando más procesamiento hoy que hace 5 o 10 años?

Se dan dos cosas. Por un lado, los instrumentos acústicos y las fuentes reciben menos tratamiento en la parte delantera y, en general, hay que esculpirlos más en la mezcla. Pero también, una mayor parte de la instrumentación se está creando con sintetizadores suaves y muestras cuidadosamente diseñadas por el productor. Así que mientras los elementos acústicos requieren más trabajo y más diseño de sonido, los elementos programados requieren menos.

Acabo de trabajar en esta mezcla pop. La voz tiene seis instancias de procesamiento – EQ, compresión, reverberación… ni siquiera recuerdo qué más. Y luego tienes los sintetizadores, donde literalmente no hay ningún procesamiento. Es interesante ver que sucede.

Hablemos de tus mentores. Le das mucho crédito a Mark Marshall, Bobby Eli y Denise Barbarita. ¿Cuáles son algunas de las cosas que aprendiste de ellos? Para alguien que empieza hoy en día, ¿sigue siendo relevante la tutoría?

La tutoría es más relevante hoy que nunca. No creo que haya ninguna forma real de aprender este negocio sin orientación. Si lo haces por tu cuenta, ni siquiera sabes lo que es importante aprender. Y entonces todavía tienes que aprenderlo.

Mark es un productor increíble, y en realidad es sordo de un oído. Sólo escucha la interpretación y el arreglo. Las interpretaciones que recibe, las cosas que elige para destacar de esas interpretaciones y la forma en que coloca las cosas a nivel en sus arreglos son todas perfectas. Gran parte de mi sensibilidad a la hora de abordar la canción proviene de Mark.

Como ingenieros de mezcla, es importante recordar que el sonido es realmente secundario. Nuestro verdadero trabajo es tomar una actuación, ya sea programada o en vivo, y hacer que se traduzca a través de los altavoces de la forma en que se pretendía. Para ello, tenemos que estar en contacto con la propia canción.

Creo que es muy importante recordarlo. Como ingenieros, a menudo estamos tan atrapados en el aspecto técnico de las cosas que nos olvidamos de lo que realmente estamos haciendo.

No son sólo los ingenieros. Los artistas, los A&R, los productores… también se ven atrapados en ello. Estamos todos tan obsesionados con lograr este sonido perfecto. Nos olvidamos de que la propia música es un organismo vivo único.

¿Cuál es el mayor reto de mezclar un disco hoy en día?

A veces aparece una mezcla en bruto y tu cliente se enamora de ella. Se obsesionan tanto con ella que sólo puedes llegar a ella si tus propios gustos naturales coinciden con el borrador. Lo cual no va a ocurrir muy a menudo.

Es curioso… esto me ocurrió la semana pasada.

Porque las decisiones que había que tomar no se comprometieron antes de que te llegara la pista. Así que las decisiones, que son subjetivas, acaban en tu terreno. Y se convierte en una cuestión de lo que quieres. Y eso no siempre va a coincidir con lo que quiere el artista.

Si lo haces así, acabas teniendo que contratar a un mezclador diferente para cada canción. De lo contrario, nunca vas a tener la mejor versión del bruto que estás buscando.

A menos que empieces a comprometerte con cosas por adelantado. Eso es lo que los productores y los artistas tienen que empezar a hacer.

Cuando escuchas el borrador, ¿qué pasa por tu cabeza?

Me pregunto: ¿cuál es el objetivo de este disco? ¿Qué se supone que debe hacer el oyente? Trato de determinar el sentimiento y la emoción.

Entonces puedo empezar a sintonizar con cosas como el ajuste de los niveles. Eso podría decirme cuál es el instrumento principal, o qué ambiente están pensando. O puede que no. Todo el mundo tiene diferentes conceptos de lo que es una mezcla en bruto. Puede ser que alguien la haya hecho sin tener ni idea de qué hacer con ella. A veces les encanta lo áspero. Puede ser cualquiera de las dos cosas.

Me interesa más lo que el artista intenta comunicar que cómo suena la mezcla en bruto. Intento comprender cuáles son los sentimientos y las intenciones del disco. Luego puedo formular mis propias opiniones sobre cómo traducirlas mejor a través de la mezcla.

Así que te guías más por la emoción y la intención del bruto que por cualquier elección específica que se haya hecho.

Exactamente. Las personas que toman esas decisiones probablemente no son ingenieros de mezcla. ¿Por qué casarse con una mezcla hecha por alguien que no mezcla? A veces tomo una mezcla en una dirección que termina siendo diferente de lo que el cliente quiere. Entonces acabas haciendo tantos cambios en el proceso de revisión que pierde su alma.

Oh hombre, odio eso. Lo llamo «muerte por revisiones». Realmente puedes perder la esencia del disco.

La clave es hacer un trabajo de detective de antemano. Averiguar, escuchando el bruto y comunicándose con el cliente, hasta qué punto es exacto. ¿Cuánto tenemos que ceñirnos a él? ¿En qué medida podemos ceñirnos a él? ¿Podemos hacer que suene bien? Tal vez no podamos. Quizá ni siquiera merezca la pena intentarlo. Tal vez no somos la mezcla adecuada para el trabajo.

Hay ciertos lugares en los que trazo la línea y digo – si eso es lo que quieres, conozco a muchos tipos que lo hacen bien, y estaré encantado de ponerte en contacto con ellos.

¿Predicarías el mismo consejo a alguien que acaba de empezar?

No. Cuando estás empezando, necesitas experiencia. Eso incluye las malas experiencias. No dejes pasar el trabajo cuando estás empezando. Averigua las expectativas del cliente y cúmplelas. Punto.

Cuando haces eso, te da las herramientas que necesitas para avanzar. Te permite afrontar los retos de trabajar con clientes más duros en situaciones de mayor presión. También te hace más versátil, porque te obliga a hacer cosas que no estarías inclinado a hacer de forma natural.

Quiero cambiar de marcha un segundo. He aprendido mucho de tus artículos y vídeos sobre mezclas. Me he dado cuenta de que a menudo te centras más en tu proceso de pensamiento que en las decisiones concretas que tomas. ¿Por qué?

Empecé a ser activo en línea alrededor de 2008, cuando la mayor parte del discurso en línea en el audio era «aquí es cómo se mezcla una patada … aquí es cómo se mezcla una trampa». Esto no era porque los ingenieros que lo explicaban no eran excepcionales. Simplemente eran terribles para explicar las cosas. Porque nunca tuvieron que hacerlo. No eran profesores.

Así que cuando empecé a escribir, pensé más en la línea de – así que podemos hacer todas estas cosas, pero ¿por qué? Por ejemplo, ¿por qué añadir sub a una patada? Tal vez estamos tratando de hacer que el oyente sienta la patada físicamente. Tal vez ese movimiento físico… ese impacto que sienten les haga moverse en respuesta. Tal vez sea así como funciona el baile. O quizá sea la conexión entre los instrumentos lo que les haga bailar. Quizá no tenga nada que ver con la patada. Ser capaz de identificar eso y darle sentido es muy importante.

Si escuchas discos de los 70, no necesitabas mucho bombo. La conversación entre el bajo y las guitarras y el bolsillo de la batería era lo que hacía bailar a la gente. No se procesaba el bombo de la misma manera que en una pista de EDM hoy en día, porque no era el corazón de la canción. Y fue entonces cuando me di cuenta de que no hay una forma correcta de procesar un bombo. Sólo hay contextos en los que vive un bombo. Es más importante hablar de estos contextos y de cómo influyen en las decisiones que tomamos. Si podemos empezar a mirar las cosas a través de esta lente, podemos hacer discos más exitosos.

Cuando empecé a escribir, esto no fue algo en lo que me centré conscientemente. Era más bien una reacción inconsciente a lo que no me gustaba. Más adelante, empecé a darme cuenta de que, en realidad, hay algo que enseñar aquí. El cómo y el por qué, a diferencia del qué, es mucho más importante. Y ahora, en 2016, se ha convertido en la norma para explicar el proceso de pensamiento. Lo cual me parece fantástico.

¿Qué consejo le darías a alguien que espera hacer carrera en la grabación?

El mundo de la música es un negocio de personas. Tienes que conocer a gente. Si sólo creas cosas por ti mismo, te estás perdiendo algo. Te vas a quedar atrás. Tu material no será tan bueno como podría ser para los demás. Sólo será bueno para ti.

Encuentra a la gente que trabaja, que hace las cosas. Sellos discográficos, representantes de A&R, supervisores musicales de cadenas de televisión y películas… ni siquiera necesitas conocer personalmente al editor musical. Sólo tienes que averiguar quién es su asistente.

Tienes que salir y conocer a la gente. Tienes que hacerlo. De lo contrario, sólo harás música, la compartirás con tus 300 amigos en Facebook y volverás a tu trabajo diario.

Te vas a mudar a Los Ángeles en septiembre. ¿Dónde crees que te llevará esta transición?

Hay mucha gente que se muda a Los Ángeles y luego se va como una planta rodadora rodando en el viento. No quiero que eso me pase a mí. Quiero dejar huella. Creo que eso se hace formando alianzas. No creo que se haga en el sentido de la vieja escuela, en la que se compite por los conciertos y la gente se hace la rabona. Eso es lo que hizo caer a toda la industria discográfica, más que la piratería. Es un mal negocio. Quiero establecer conexiones positivas y amistades genuinas que ayuden a todos. Toda mi carrera se ha basado en la idea de que si te rodeas de éxito, te vuelves exitoso.

En términos de lo que necesita suceder tangiblemente, necesito encontrar un espacio comercial. Quiero estar en un lugar donde haya otras personas. No quiero seguir haciendo esto solo. Quiero encontrar un ingeniero junior y un asistente. Quiero estar rodeado de gente que me haga a mí y a lo que hago más grande y mejor. Quiero que sea un negocio. Quiero que sea un equipo.

Es refrescante escuchar eso. Pasé cinco años en Nueva York, y a menudo tenía la sensación de que todo el mundo iba por libre. No he experimentado eso desde que me mudé a Los Ángeles.

Por eso Nueva York ha tenido tantos problemas. Muchos estudios han cerrado, y muchos ingenieros se han ido.

Soy muy competitivo. Quiero ganar cada concierto en el que me la juego. Pero no quiero ganar por política, ni porque conozca a la hermana de fulano. Nada de eso. Quiero ganar porque he hecho un trabajo mejor que la otra persona. Si la otra persona gana, y es la que se lleva el resto del palmarés, quiero que sea porque ha trabajado para ello y lo ha conseguido. En ese proceso, aunque todos juguemos un poco a la ruleta de los conciertos, el campo general se vuelve mejor. Se convierte en un entorno mejor para nosotros. ¿Significa que a veces me toca una parte más pequeña del pastel? Tal vez.

¿Pero un pastel más grande? Eso es algo que todos buscamos.

Para saber más sobre Matthew Weiss, visita su página web, consulta sus artículos en The Pro Audio Files, o pide uno de sus tutoriales de mezcla premium.