En una galería vacía y oscura en las profundidades del Victoria and Albert Museum de Londres, una sucesión de mujeres con estilo se turnan para sentarse en un taburete alto y hablar a la cámara. Una periodista, una modelo, una experta en belleza y una clienta, todas ellas del epicentro de la revolución de la moda de los años 60, están grabando cortos para la sensacional retrospectiva del V&A dedicada a la diseñadora Mary Quant. El cuarteto está unido por sus recuerdos del icono pelirrojo que popularizó los pantalones y las mallas de mujer, inventó el suéter ceñido y el vestido de saco, y elevó los dobladillos a alturas audaces.

Escuchar estos recuerdos efervescentes, divertidos y a menudo conmovedores es como viajar en una máquina del tiempo de Google Earth, acercándose a la década en la que Bazaar, la pequeña tienda de Quant en el corazón de la bohemia King’s Road, formaba el nexo del «Swinging Chelsea» de Londres.

Aquí está la distinguida escritora Brigid Keenan, una de las primeras defensoras de los diseños de Quant. Aquí está Jill Kennington, una de las mejores modelos de su época, que, toda piernas y pelo despeinado, saltó a una pasarela de los años 60 con una banda sonora pop ante un público que la aclamaba. A continuación, Joy Debenham-Burton, que en su día se encargó de la pionera gama de cosméticos de Quant, que venían envasados en PVC brillante e impresos con el característico logotipo de la margarita de la diseñadora, recordando una época en la que «los Beatles aportaban el sonido y Mary el aspecto».

Por último, Tereska Pepé, una de las primeras clientas comprometidas que ha donado dos piezas muy queridas a la exposición, describe cómo aparecía con sus trajes favoritos de Quant tan a menudo que «se me deshacían incluso mientras los llevaba».

Mary Quant se graduó en Goldsmiths con 19 años, el año de la Coronación de la Reina, en una Gran Bretaña todavía sometida al racionamiento de la guerra. Tras un breve aprendizaje en el principal sombrerero de Mayfair, Erik of Brook Street, donde personalizaba sombreros con la aguja incisiva curva de su hermano, aprendiz de dentista, Quant comenzó a confeccionar sus propias prendas prácticas, a menudo sin cintura y andróginas, en tweed, guinga, franela gris y estampado Liberty, tejidos tradicionalmente asociados a los hombres o a la infancia. Se enamoró (y más tarde se casó) de su compañero de estudios en Goldsmiths Alexander Plunket Greene, un extravagante y encantador portador de seda, y la pareja se convirtió rápidamente en el eje en torno al cual giraba el «Chelsea Set», un núcleo fresco de energía creativa.

En 1955, junto con su amigo, el abogado y fotógrafo Archie McNair, la pareja abrió su tienda tipo club, que vendía una mezcla bizarra y de bazar de los propios diseños de Quant (autodidacta) y una variada colección de joyas y accesorios encargados a sus amigos estudiantes de arte. Las bebidas para los clientes aumentaban la diversión de la navegación, mientras las duquesas se codeaban con las mecanógrafas y el estruendo de los jazzs salía de la puerta abierta de Bazaar hacia la acera.

Los transeúntes se detenían a mirar los excéntricos escaparates, en los que las modelos adoptaban poses extravagantes y las motos servían de atrezzo. De repente, ir de compras se había convertido en algo tan sofisticado como sexy. En el sótano, un restaurante, Alexander’s, era el lugar de encuentro de la gente de moda: la princesa Margarita y su marido, el fotógrafo Tony Snowdon; los directores de cine, los artistas, los escritores, los Rolling Stones, la aristocracia, las modelos, los fotógrafos; y, más tarde, el príncipe Rainiero de Mónaco y Grace Kelly.

La serendipia sincronización de un nombre compartido por la tienda y Harper’s Bazaar surgió justo antes de la apertura de Quant’s Bazaar. En su número de septiembre de 1955, esta revista se convirtió en la primera publicación en presentar un editorial de Quant, imprimiendo una fotografía de una túnica diurna sin mangas llevada sobre unos pantalones culotte, con el título «grandes lunares en un elegante pijama color canela, 4 guineas, de Bazaar, una nueva boutique». Aunque Quant describió su pijama de lunares como una «locura», Bazaar, con su dedo singularmente ágil en el pulso social, estaba atento a su potencial.

Casi no pasaba un número sin que su ropa apareciera en la revista y, en julio de 1957, Bazaar publicó el primer perfil de la diseñadora. Fue fotografiada en «tonos extravagantes de violeta y azul, con crema, negro y cuerda», poco antes de que pidiera a Vidal Sassoon que le diera forma a su pelo hasta los hombros, de color concha, en su distintivo corte recto de cinco puntas. El estilo tan personal de Quant, que se refleja en su inusual nombre y en su «singularidad», la convirtió en la figura de su propia marca, incluso cuando, paradójicamente, su punto de vista inconformista era, por su propia naturaleza, «antimarca».

La historia de cómo la influencia de Quant se hizo global es la base de la exposición V&A, que abarca dos décadas, de 1955 a 1975, e incluye más de 120 prendas originales, junto con fotografías y objetos personales. Aunque la propia diseñadora ha dicho que no era consciente «de que lo que estábamos creando era pionero», su logro fue poner patas arriba las anquilosadas convenciones de la austeridad de la posguerra, cuando los jóvenes se vestían como los mayores, transformándolas en una celebración de la juventud, la diversión, la accesibilidad y la posibilidad infinita. En Mary Quant (30 libras, V&A), el libro a todo color que acompaña a la exposición, la comisaria principal Jenny Lister describe la rapidez con la que Quant fue señalada como típica del estado de ánimo de los años sesenta.

En 1957, su segunda tienda abrió en Knightsbridge; en 1962 acordó un acuerdo con la cadena de tiendas americana JC Penney; en 1963 lanzó su línea de venta al por mayor más barata el Grupo Ginger; y en 1966, su maquillaje divinamente empaquetado, joyas y medias de colores llegaron a las tiendas. Pero fue la llegada de su minifalda en 1965 – «tan corta», decía ella, «que podías moverte, correr, coger un autobús, bailar»- la que aseguró la posición de Quant como la marca más buscada por todas las mujeres de moda.

En ese año, yo era una niña de 10 años que vivía en King’s Road. Iba de camino a la mercería Peter Jones y, mirando con anhelo los escaparates «lejanos», imploraba a mi madre que me llevara a la tienda. Pero ella no se sentía ni joven, ni rica, ni a la moda, ni lo suficientemente valiente como para entrar, y me llevaba hacia su propia red de seguridad de cintas con nombre y respetabilidad. La juventud marcaba el ritmo, y a finales de la década miles de mujeres jóvenes de todo el mundo se habían cuantificado.

La moda no era el único indicador del «terremoto de la juventud» de los años sesenta, tal y como identificó desde el otro lado del Atlántico la legendaria Diana Vreeland. El foco brillante de la empresa se había alejado repentinamente de los Estados Unidos, de Elvis, los Cadillacs y los blue jeans, iluminando en cambio Liverpool, Londres y específicamente Chelsea. En 1961, la píldora anticonceptiva pasó a estar disponible en la Sanidad Nacional (pero sólo se suministraba a las mujeres casadas, de ahí la aparición de los anillos de latón de las cortinas en muchas manos izquierdas).

El mismo año vio el lanzamiento de Private Eye, justo cuando un culto a la sátira recorría
los clubes, la televisión y la prensa, desafiando las viejas certezas políticas, sociales y sexuales. En su autobiografía de 1966, Quant subrayaba que la ropa de mujer debía ser «una herramienta para competir en la vida fuera de casa», recordando a sus lectores que este estimulante torbellino se veía socavado por una intención profundamente seria y emancipadora. «El joven intelectual tiene que aprender que la moda no es frívola; es parte de estar vivo hoy», escribió.

El V&A tiene un número considerable de diseños icónicos de Quant en su propia colección, incluyendo vestidos destacados donados por las hermanas Carola Zogolovitch y Nicky Hessenberg. El todavía codiciado vestido de tweed gris de Zogolovitch fue un regalo de 21 años de su padre, el arquitecto Hugh Casson -un hombre con un oído creativo-, mientras que la madre de Hessenberg convenció a su reticente hija para que asistiera a las estiradas fiestas de debutantes con el soborno de un vestido de cóctel de cintura caída en seda tailandesa morada.

«Sólo un vestido de Bazaar podía servir», recuerda Hessenberg. El año pasado, para preparar la exposición de Quant, Jenny Lister y su co-comisaria Stephanie Wood hicieron un llamamiento a todo el país para llenar los huecos que faltaban en su archivo, invitando a las mujeres que habían llevado las creaciones radicales de la diseñadora a revisar «áticos, armarios y álbumes de fotos familiares». Recibieron un aluvión de ofertas de prendas de Quant que habían llegado a representar hitos biográficos.

Mis propias mallas con estampado de margaritas, mackintosh de PVC negro y, por utilizar el término de un ejecutivo de la BBC de 1958, falda «muy abreviada» -todos ellos regalos de duodécimo cumpleaños- se sintieron tan transformadores como la música de mi pequeño tocadiscos. Mientras entonaba «Satisfaction» en el micrófono de mi cepillo de pelo y me untaba los párpados con sombra de ojos de color ciruela de mi caja de pinturas Quant, la combinación de los Stones y Quant facilitó mi transición a un mundo adulto muy diferente del de mi madre.

Para mí y para innumerables personas, el legado de la diseñadora sigue siendo una parte fundamental de la historia del siglo XX sobre la emancipación de la mujer y la democratización de la moda. Este excepcional espectáculo, que celebra la novena década de Mary Quant, hace justicia al papel fundamental que ha desempeñado en nuestra historia compartida.

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