En 2019, solo hubo un «pero» que rompió internet y fue de Kendall Roy.

El quid de la segunda temporada de «Succession» giró en torno a una sola palabra, pronunciada por Jeremy Strong en el final, durante un discurso pronunciado en una rueda de prensa en la que Logan Roy (Brian Cox), patriarca de la familia Roy y jefe del imperio Waystar Royco, fue arrojado limpiamente bajo el autobús por su (segundo) hijo mayor.

La escena -en la que Kendall tiene que pronunciar un discurso preescrito actuando como chivo expiatorio de las fechorías de toda una corporación, sólo para darle la vuelta al guión en el último momento- es electrizante y se encuentra entre los mejores momentos que la serie ha producido hasta ahora. Y en él, Strong brilla, esencialmente monologando a una sala llena de periodistas y, sin embargo, como suele ser el caso de Kendall, completamente solo.

En una reciente entrevista con IndieWire, Strong nos explicó su proceso, desde que conoce el arco argumental de una temporada hasta que ve el producto final en la pantalla, todo ello mientras persigue ese subidón interpretativo de ofrecer un momento perfecto para tu personaje.

Nuestra conversación ligeramente editada con el actor está a continuación.

IndieWire: ¿Dónde y cómo empieza el proceso para ti? ¿Es cuando te encuentras por primera vez con un guión?

Strong: Bueno, yo diría que empieza antes de que haya un guión. Comienza con el conocimiento del arco general de la temporada.

Así que sé que es la nota final con la que se cierran los diferentes movimientos de la temporada. Y luego se trata de enterrar ese conocimiento y desbloquear la escena para mí de una manera que se siente inevitable y también una sorpresa para el público.

Pero ciertamente esta serie ha hecho una especie de truco de magia en el final de ambas temporadas, donde hay un punto de inflexión realmente importante; un momento de camino a Damasco donde hay un cambio profundo y dramático de carácter. Esos momentos son lo mejor que se le puede dar a un actor, y también lo más difícil, creo, de realizar plenamente, porque tienen que ocurrir en el momento, de repente, y al mismo tiempo. Tienes que enhebrar esa aguja con tanta precisión, y asegurarte de que todas las estaciones del Vía Crucis han sido realmente marcadas en el camino para llegar allí.

En la lectura de la mesa, recuerdo que pensé: «Oh, esta escena será cuestión de una o dos tomas y simplemente estará en el bolsillo porque la escritura se encargará de mí». Construimos todo este andamiaje para llegar a este momento y todo lo que tengo que hacer es entrar en la sala y dar la rueda de prensa. Y luego resultó ser mucho más difícil que eso ese día.

Supongo que lo que realmente quiero decir es que el 95 por ciento del trabajo de esa escena consiste en preparar el terreno para ella en el transcurso de la temporada que la precede, de modo que cuando entré por esa puerta, lo sentí como un hecho consumado para mí.

Graeme Hunter / HBO

Recordando la escena antes de esta entrevista, juega a favor de lo que sentí la primera vez que la vi. Originalmente, miré a Kendall y parecía, a todos los efectos, como si estuviera caminando hacia la horca. Al volver a ver la escena, incluso sabiendo lo que va a pasar, sigue habiendo una sensación de ambigüedad. En ese momento, ¿cómo encuentras el equilibrio entre lo que tú, Jeremy, sabes, lo que Kendall sabe, y lo que el público sabe?

Lo que me encanta de tu pregunta es que habla en muchos sentidos de los misterios de la actuación. Existe la idea de que, como actor, debes tener una claridad y una comprensión perfectas, algo que se nos niega en nuestras propias vidas. Creo que a menudo en nuestras vidas esa ambigüedad existe en los momentos de mayor resolución. Así que creo que permití que una cierta cantidad de ella permaneciera opaca para mí. Creo que en el momento en que bajé del avión y bajé por esa pasarela, caminaba con la singularidad de la misión y la puntería de un francotirador. Eso se sintió muy claro.

Al mismo tiempo, la temporada comienza conmigo diciéndole a Shiv: «No seré yo». Y en ese momento, lo digo totalmente en serio y no puedo ver un mundo en el que haya dado la vuelta a la tortilla contra mi padre al final. Sólo puedo ver un mundo donde voy a la horca en penitencia, para pagar por mis crímenes. En cierto sentido, he renunciado a mí mismo y a la lucha. Vuelvo a encontrar la lucha en la escena con mi padre en el yate, cuando me dice: «No eres un asesino», y cuando dice: «No hay ninguna persona real involucrada», y entiendo que el dial gira en términos de comprensión de la cruel inhumanidad y brutalidad de mi padre. Es así de revelador.

He dicho esto antes, pero no es noticia para mí que un monstruo. No es nuevo para mí que es una persona despiadada. Pero en ese momento en el que dice «No hay ninguna persona real involucrada» con tanta ligereza, percibo algo en él que no creo haber visto antes, que es un abismo. Hay algo irremediablemente malvado en eso. En ese momento, hay una especie de momento Houdini para mí, en el que he estado encadenado y he estado bajo el agua y he sido todas las cosas que se han utilizado para describir al personaje, que para mí, simplemente se sentía como un hombre muerto caminando a través de toda la temporada.

De repente, me libero de todo eso y veo con una claridad preternatural lo que voy a hacer. Pero hasta ese momento estaba ciertamente dispuesto a ir y hacer un sacrificio de mí mismo porque sentía que lo merecía. Así que cuando dice que todavía ve ambigüedad, supongo que todavía hay momentos, a pesar de su determinación, en los que siente una sensación de: «Tal vez debería hacer esto. Tal vez debería pagar por mis crímenes. Tal vez voy a leer esta carta que han preparado para mí».

Graeme Hunter/HBO

Cierto.

En un momento dado, como actor, decidí que iba a decidir en medio de la escena y quizá veríamos el cambio de opinión del personaje en ese momento de la rueda de prensa. Nunca decidí cómo iba a interpretar la escena. Algo en lo que realmente creo es en no proscribir ninguna respuesta. Si te has cargado con la suficiente comprensión de la lucha, la necesidad y el dilema del personaje, entonces tu trabajo consiste en resolver el nudo de ese dilema en tiempo real, ante la cámara, frente al público.

Existe el mito de que los actores tienen que tomar decisiones. Creo que siento que las decisiones las toman tus instintos en el momento. Esa escena terminó siendo muy difícil para mí porque pensé que iba a ser muy directa y fácil. En cambio, no fluyó y no sé por qué. Soy uno de esos actores en los que la interpretación no es un monolito, son miles y miles y miles de horas de intentos imperfectos en una escena y cada toma es una búsqueda.

Creo que a veces se te abre algo dentro de una toma y sigues esa línea de intuición y a veces se te cierran todas las puertas. Matthew McConaughey acaba de escribir un libro llamado «Greenlights» y estaba pensando en esa idea. A veces esperas que una toma sea un montón de luces verdes y que las cosas encajen y que te den una especie de ola. Recuerdo que aquel día entré en la primera toma; no me gusta ensayar y me gusta crear la dinámica del entorno en la medida de lo posible. Así que habían llenado la sala con la prensa y entré, me senté y empecé la toma y los micrófonos no eran en directo. Eran micrófonos de utilería. Y realmente, realmente me desconcertó de una manera para la que no estaba preparado. Supuse que el entorno sería real.

Intentamos arreglar eso unas cuantas veces y hubo algunas dificultades para averiguar cómo arreglarlo y luego había un solo altavoz en la parte trasera de la sala y no sonaba como si estuviera hablando por un micrófono a la sala. De todos modos, fui consciente de que no quieres que tu mente esté nunca despierta de esa manera. Tienes que ponerla en modo avión. Y me tomó un tiempo volver de eso. Recuerdo haber leído a Dustin Hoffman hablar de una escena de «Rain Man» en la que su propia frustración consigo mismo, su sensación de impotencia como actor, se convirtió en la escena. Creo que mi frustración con esos temas agudizó algo en mí y me puso un poco de fuego en la barriga. Al mismo tiempo, sabía que tenía que volver a empezar con la humildad de no saber qué debía pasar en la siguiente toma. Creo que fue alrededor de la toma nueve o diez que fue una de esas tomas con luz verde.

Parte de ello fue, en la escritura, que no había tijera. La palabra «pero», está en medio del discurso y es el punto de inflexión y en términos de la forma en que fue escrito, era sólo una gran frase atropellada. No había ninguna pausa antes o después de esa palabra. De alguna manera, sintiéndome obligado a ello, no lo encontraba. Hubo una toma en la que algo en mí se detuvo antes de decir esa palabra y luego el giro se produjo por sí mismo. Eso me llevó al final y rompí el papel en esa toma, lo que no estaba en el guión y no había sucedido hasta ese momento.

Seguro.

Fue una de esas veces en las que las cosas surgieron de forma espontánea después de luchar y buscar imperfectamente la escena. Y entonces se me concedió esta toma que me pareció correcta. Luego pudimos construir a partir de ahí y los micrófonos en ese momento estaban funcionando. Es una cosa tan pequeña, pero en términos de, para mí, todo se basa en creer totalmente en la realidad de las circunstancias.

Y luego Jesse dijo: «Quiero que la prensa empiece a hacerte preguntas», así que hicimos algunas tomas en las que me lanzaban preguntas y yo las respondía sobre la marcha. Exploramos un montón de maneras diferentes en que la escena podría terminar.

A veces es una guerra de desgaste contra una escena que tienes que ir picando antes de que se te revele.

Se siente como una escena que, como dijiste, necesita esa tensión.

Otro desafío es siempre, cuando tienes un montón de artistas de fondo que están destinados a escuchar las cosas por primera vez. Se nota cuando la tensión ha desaparecido de la sala y hay que enturbiar un poco las aguas para que, de repente, vuelvan a escuchar y no sepan cuál es la siguiente palabra que puede salir de tu boca, aunque la hayan escuchado antes.

Así que dar vida a eso es un reto. Mantenerlos atentos, así como a ti mismo, mantenerte en el hielo de alguna manera, para que no parezca que estás representando una escena, especialmente en un momento como ese, ese acto de desafío. Hay un poema de Wallace Stevens en el que dice: «Después del no final viene un sí. Y de ese sí depende el mundo futuro». Sentí que esa escena tenía el peso de esa línea. Era como si todo se apoyara en este punto de apoyo, pero el punto de apoyo no podía ser sólo hablado, tenía que ser experimentado.

Cierto. Supongo que eso es difícil en escenas como ésta, en las que casi estás canalizando la energía de un público en directo, que en realidad ha estado sentado en esas tomas contigo.

La magia de que siempre sea por primera vez. Un amigo mío trabajó en «Milk» con Sean Penn y hay una escena increíble en la que da un discurso fuera del Ayuntamiento. Creo que fueron como 12 horas del mismo discurso, pero encontrándolo cada vez de nuevo, y ese es realmente el reto y también la alegría. Hay, para mí, una energía inagotable en la búsqueda. El perfeccionismo es el enemigo, pero creo que uno sabe cuándo no ha encontrado algo todavía. Así que hay una búsqueda tenaz e implacable para que las cosas se unan de una manera que se sienta verdadera.

¿Hay escenas de las que te alejas y dices: «Sí, eso estuvo cerca»?

Es raro. Diría que en el final de la primera temporada, la forma en que se desarrolló esa escena en el día me absorbió por completo. Fue increíblemente catártico y también traumático. Esa experiencia fue real e inesperada y no sé de dónde salió. De vez en cuando, creo que sientes que tocas algo en lo que entiendes lo que puede ser la actuación. Es raro, pero son esos momentos los que te hacen seguir adelante.

Tengo que imaginar que es un poco más fácil llegar a ellos cuando no hay tantas partes en movimiento. Cuando no estás lidiando con micrófonos y artistas de fondo, así que por muy difícil que sea la escena final de la primera temporada, tiene sentido que quizás te sientas más sincronizado con sus ritmos.

Creo que es posible. Además, esa escena dramáticamente, en cuanto al intercambio entre mi padre y yo, estás respondiendo sobre todo a algo que te está pasando. Creo que si haces bien tu trabajo y te pones en el problema en el que está metido el personaje, lleno de la necesidad de salir de alguna manera de ese problema, entonces puedes entrar en la escena y luchar por lo que el personaje está luchando.

Al contrario que la escena de la rueda de prensa.

Esta escena fue sorprendente porque le faltó tracción. Simplemente, en cierto sentido, estoy dando un discurso. No hay compañero de escena. Así que el compañero de escena, en cierto modo, es toda la historia de Kendall dentro de sí mismo. La confusión interna, la voz de su padre, que ha interiorizado, que le ha mantenido abajo y le ha quitado el poder durante toda su vida. Así que encontrar su propio poder, que en cierto sentido es también sobre usted como el actor encontrar su poder.

Creo que Kendall a menudo se siente bajo el agua. Por supuesto, tiene sentido para mí que la escena que se supone que es esta carrera de cien yardas por un campo abierto y claro hacia la zona de anotación, no se desarrolla de esa manera. En lugar de eso, hay un millón de cosas que intentan hacerme tropezar y placar y derribarme. Supongo que lo que quiero decir es que mi experiencia de esa escena es lo que termina siendo la experiencia de Kendall de esa escena.

Cuando me quedé en esa palabra, «pero», sentí como si… recuerdas en «Backdraft», hay un momento increíble cuando el humo es aspirado de vuelta a la casa, fue como si en esa respiración, en esa pausa, algo más de repente llenara mis pulmones y se llenara por dentro que no había estado previamente allí. Así fue con mi poder, con el poder del personaje, se apodera de él en ese momento, lo alcanza y lo agarra.

Hay un momento en «Crimen y castigo» en el que Raskolnikov está pensando en matar a esta mujer y finalmente llega a un punto en el que lo hace porque se da cuenta de que se trata de atreverse a hacer algo, atreverse a apoderarse de algo. Así que es transgresor y peligroso, pero se trata de apoderarse de algo en ese momento. Obviamente no es un asesinato, pero simbólicamente, lo es. Es finalmente ese sentido de: «Mata a tus ídolos».

No creo que la cámara me esté enfocando en ese momento, pero recuerdo haber mirado a los ojos de la cámara de televisión que me estaba filmando. Estaba hablando directamente con mi padre durante toda esa escena, pero precisamente en ese momento, y en cierto modo, clavando el cuchillo. Y al mismo tiempo abrazándolo, porque es un acto de desafío y despiadado que él ha tratado de engendrar en mí durante toda mi vida. Todavía hay una sensación de: «Mírame, papá. ¿No estás orgulloso de mí? ¿Me quieres ahora?» porque este tipo de violencia y abuso es la forma en que nos conectamos.

«Succession» se transmite ahora en HBO Max.