Mapas definem as relações espaciais entre lugares e objectos. Eles guiam as nossas viagens e dirigem o nosso curso. Eles traçam pontos de referência à medida que nos centramos, traçando as nossas rotas e destinos, e sem eles estaríamos perdidos e sem direção. No entanto, para aqueles que sofrem com a doença de Alzheimer, o acesso à memória torna-se um desafio devastador à medida que os mapas cognitivos do cérebro se tornam comprometidos. No entanto, para alguns doentes, as imagens fotográficas podem tornar-se catalisadores visuais para redescobrir memórias perdidas.

Examinar o trabalho da falecida artista Emma Amos (Março 1937 – Maio, 2020) através do seu uso de fotografias de família revela o importante papel que a memória desempenha no seu trabalho. Quando Amos faleceu em maio devido a complicações relacionadas ao Alzheimer, sua filha Índia compartilhou um fio de memórias sobre sua mãe no Twitter, incluindo histórias sobre sua prática, influências e seu senso de humor perverso. Emma Amos também catalogou meticulosamente suas fotos de família e herdou o catálogo de imagens de George Shivery, um fotógrafo que documentou a vida negra no sul americano nas décadas de 1930 e 1940. Muitas destas fotografias vintage encontrariam o seu caminho no trabalho da artista de formas surpreendentes.

No auto-retrato “Will You Forget Me?” (© Emma Amos; Cortesia do espólio da artista e RYAN LEE
Gallery, New York)

No auto-retrato “Will You Forget Me? (1991), Amos se apresenta caindo pelo céu enquanto se agarra a uma grande imagem emoldurada de sua mãe acima de sua cabeça. A imagem isolada foi cortada de uma foto de grupo de uma festa de chá que foi tirada quando a mãe dela tinha 16 anos. Quando Amós desce no quadro, o seu olhar não é de choque ou medo, é resoluto e é dirigido directamente ao espectador. Por mais que a peça dê uma descida para a perdição, o olhar do sujeito puxa o espectador para dentro do quadro e, alternativamente, faz uma pergunta importante: De quem se vai lembrar?

O uso da preservação fotográfica de Amós sugere sua importante função como dispositivo mnemônico, e revisitar sua obra na esteira de sua recente passagem é um presságio para sua própria perda de memória. Em uma entrevista de 1995 com os ganchos de sinos para o livro Art on My Mind, Amos postula que a fotografia pode ser usada para acionar e manipular a memória. Como a artista explicou aos ganchos, “Uma fotografia pode dizer que você estava na praia com sua mãe e seu irmão em 1947″. A pintura dá ao artista uma chance de manipular o fundo, carregar as cores, adicionar textura. Combinar fotografias com pintura está me fazendo usar um sentido que eu nem sei bem como articular. É manipular a memória que é real, porque é pintado, é fotografado”.

Combinando esse processo de manipulação com a sensação metafórica de queda também sugere que a maleabilidade da nossa memória é influenciada pelo tempo. “Não há nada que seja estacionário”, diz Amos, “Isto é uma coisa de fluxo”. Este tema também influencia a forma como as pinturas são interpretadas. Ao representar figuras em movimento, o contexto torna-se dinâmico, o que abre o trabalho para evoluir com o tempo.

Nos anos 80, Amos começou a examinar criticamente a evolução da sua carreira. O seu auto-retrato de 1981 intitulado “Preparing for a Face Lift” é uma exploração espirituosa do mundo da arte de Nova Iorque, feita através do humor de auto-retrato de uma caneta de um cirurgião plástico. Por baixo deste véu cômico, Amos mapeia sua vida como uma jovem mulher que cresceu exposta à intelligentsia Negra na Geórgia, estudou em Londres e mais tarde se mudou para Nova York para se ver rapidamente marginalizada como uma mulher Negra do Sul. Como a mais jovem e única mulher membro do Spiral Collective de Nova Iorque, Amos foi muitas vezes obrigada a sentir-se afastada pelos seus pares masculinos e pelas suas percepções redutoras da sua idade e género. do espólio da artista e RYAN LEE Gallery, New York)

A peça acompanhava um ensaio escrito por Amos no periódico feminista Heresias, em 1982. O ensaio, intitulado “Some Do’s and Don’ts for Black Women Artists”, é uma crítica satírica mas saliente do ecossistema artístico de Nova Iorque, expressa com a apluma de uma veterana do sistema: “Não se queixe de ser uma artista de mulheres negras nos anos 80. Muitas pessoas, tanto negras como brancas, pensam que você foi feito para encaixar o slot em um estilo de viragem – um mero bebê simbólico”.

Estas revelações influenciaram significativamente o seu trabalho, levando-a a desviar-se das expectativas dela como artista de uma mulher negra. Neste ponto, ela já havia se afastado de seu trabalho mais conhecido, colorido, figurativo e combinado pintura, fotografia e têxteis auto-fabricados em declarações sobre o poder da Negritude, das mulheres e da agência.

Uma de suas antigas assistentes de estúdio, jc lenochan, me diz: “Ela era enfática em proteger o corpo negro e a preservação cultural da negritude como uma história e um movimento pela equidade. Ela abraçou a próxima geração de mulheres nas artes e ansiava pelo seu sucesso”

Para Amos e muitas artistas negras que criaram trabalhos entre os anos 60 e 80, o roteiro para o sucesso, tal como definido através da estética hegemónica, era elusivo. Ela tinha uma enorme preocupação por onde seu trabalho deveria estar e onde estava antes de sua doença”, continua lenochan via e-mail, “muitas vezes compartilhando a decepção de que ela tinha todas essas realizações, mas o que realmente importava para ela era o reconhecimento em grandes coleções de museus, sobre o inventário dos estúdios”, “

Lenochan também notou a colaboração entre curadores e sua atual galeria, RYAN LEE, foi um importante catalisador para aumentar a bolsa de estudos de seu trabalho que foi destacado em exposições como Soul of a Nation: Arte na Era do Poder Negro e Nós Queríamos uma Revolução: Black Radical Women, 1965-85. Além das exposições individuais da Galeria RYAN LEE, em 2021 o Museu de Arte da Geórgia, na Universidade da Geórgia, também receberá uma retrospectiva da carreira de Amos que abrange 60 anos de sua carreira.

Talvez o mapa mais forte que Amós nos deixou foi uma série de 48 retratos em aquarela de amigos íntimos e colaboradores artísticos intitulada “The Gift” (1990-1994). Esta colecção de trabalhos foi originalmente concebida como um presente das amigas íntimas da artista para a sua filha Índia. Os retratos são homenagens às poderosas mulheres que sustentaram a criatividade Negra nos anos 70 e 80 através de colectivos como “Where We At” e a altamente influente Just Above Midtown Gallery (JAM), fundada por Linda Goode Bryant.

“O Presente” é uma importante afirmação de força e uma invocação de gratidão para as mulheres Negras como poderosos pilares de apoio à comunidade.

Este gesto de gratidão é ecoado no último conselho que Amós deu às artistas negras no ensaio Heresias: “Agradeçam e gritem ‘Aleluia!’ por: Comerciantes, agentes e amigos que trabalham para a JAM. Amantes, maridos, filhos, patronos e amigos… A lista ‘faça elogios’ continua.”