Mein neuestes YouTube-Video ist ein weiteres Video über „realistisches“ Handeln. In diesem Video sage ich, dass ich vier einfache Tipps zusammengestellt habe, die uns helfen, auf der Leinwand so realistisch wie möglich zu handeln. Allerdings gibt es noch viel mehr Tipps als diese. Wenn ich von „realistischem“ Handeln spreche, meine ich damit, dass man sich so verhält, wie ein natürlicher Mensch im echten Leben handeln würde. Wie ich bereits in einem früheren Blogbeitrag geschrieben (und in einem früheren Video erwähnt) habe, ist realistisches Handeln ein ziemlicher Widerspruch, denn Handeln ist überhaupt nicht realistisch. Man kann jedoch auf realistische oder naturalistische Weise handeln, aber ich schweife ab. Im Grunde genommen wissen wir alle, was wir unter realistischem Handeln verstehen.

Schichten

Der erste Tipp, den ich aus verschiedenen Schauspielkursen und aus Erfahrung gelernt habe, sind die kontrastierenden Schichten. Diese müssen in deinem Auftritt vorhanden sein, wenn du überzeugend spielen willst. Ich habe in Workshops gelernt, dass Casting-Direktoren kontrastierende Schichten in einem Schauspieler WOLLEN (etwas zum Nachdenken!). Menschen sind komplex und mehrdimensional, sie denken normalerweise viele verschiedene Dinge auf einmal. Um realistisch zu schauspielern, müssen wir also berücksichtigen, dass Menschen im wirklichen Leben eine Mischung aus kontrastierenden (oder sogar widersprüchlichen) Schichten, Gedanken oder Emotionen sind, die man in den Augen sehen kann. Wir können diese Komplexität in unserem Schauspiel durch Schichten darstellen.

Schichten ist die Idee, dass das, was man denkt oder fühlt und das, was man sagt oder tut, gegensätzliche (oder sogar widersprüchliche) Dinge sein können. Das ist auch nützlich, wenn du zu einem bestimmten Gedanken keinen Zugang findest: vielleicht bricht deine Figur das Gesetz und du kannst diesen Gedanken nicht stark genug zum Ausdruck bringen, weil du dich nicht mit den Handlungen deiner Figur identifizieren kannst. Als Schauspieler können Sie in diesem Fall unausgesprochene Schuldgefühle einbauen (dies ist nur ein Beispiel). Diese unausgesprochenen Schuldgefühle fügen der ungesetzlichen Figur eine widersprüchliche Ebene hinzu, die sie dreidimensionaler und für das Publikum vielleicht sogar nachvollziehbarer macht. Wenn Sie realistisch schauspielern wollen, werden Sie unweigerlich ein wenig „Sie“ in Ihrer Darstellung jeder Figur haben, die Sie spielen. Wenn Sie zum Beispiel einen Detektiv spielen, der in einem Mordfall ermittelt und glaubt, den Täter zu kennen, könnten Sie bei der Befragung des Verdächtigen ruhig und gleichgültig sprechen und handeln (denn das ist die Aufgabe eines Detektivs), aber gleichzeitig könnten Sie Hass oder Abscheu gegenüber dem Verdächtigen empfinden. Diese inneren Gedanken werden sich allein in Ihren Augen offenbaren. Und diese inneren Gedanken stehen im Gegensatz zu Ihrem Äußeren (oder der Fassade, die Sie aufsetzen). Sie können etwas einfaches sagen, das alles Mögliche bedeuten könnte, wie z. B. „Und Sie heißen?“ Aber wenn Sie diesen Satz mit dem Gedanken an Hass und Abscheu sagen, fügen Sie diesem Satz einen Subtext hinzu. Es geht dann weniger darum, nach dem Namen einer Person zu fragen, sondern eher darum, dem Publikum mitzuteilen, dass Ihre Figur diesen „Jemand“ nicht mag. Wenn Ihre Figur Mitleid mit dem Mordverdächtigen hat und nicht glaubt, dass er es getan hat, dann könnte sie die Frage mit Mitleid stellen. Dies steht im Gegensatz zum äußeren Erscheinungsbild des Detektivs, das dem Publikum auch mehr darüber verrät, wie Ihre Figur die Situation empfindet.

Das ist natürlich nur ein einfaches Beispiel für die Schichtung. Es geht auch komplexer: Man kann mehrere Gefühle übereinander legen, und sie können hinter den Augen miteinander kämpfen. Im wirklichen Leben sind die Menschen selten offen und ehrlich, und deshalb müssen wir als Schauspieler, wenn wir eine Figur realistisch darstellen wollen, über all diese widersprüchlichen Schichten nachdenken, die einen Menschen ausmachen. Es gibt oft nicht nur ein inneres Gefühl in einer Person: Menschen sind unsicher in Bezug auf Situationen, sie mögen vielleicht Aspekte eines Szenarios, mögen andere Aspekte einen Sekundenbruchteil später nicht mehr, schämen sich für sich selbst, sind stolz auf sich selbst, denken darüber nach, was sie tun müssen, wenn sie den Raum, in dem sie sich befinden, verlassen, denken darüber nach, woher sie gerade gekommen sind, vielleicht haben sie Hunger und fragen sich, was sie später essen sollen.

Die Menschen sind selten achtsam und leben im Augenblick, und sie beurteilen ständig ihre Umgebung, andere Menschen und sich selbst. Innere Gedanken oder Gefühle sind reichlich vorhanden und oft widersprüchlich zu sich selbst. Darüber hinaus stehen diese widersprüchlichen Gedanken und Gefühle im Gegensatz zur äußeren Fassade einer Person, d. h. zu dem, wie sie sich anderen gegenüber darstellt. Es gibt immer eine Diskrepanz zwischen dem Inneren und dem Äußeren einer Person, und das Äußere ändert sich in verschiedenen Kontexten/unter verschiedenen äußeren Umständen (und ich nehme an, damit ändert sich auch das Innere). Zum Beispiel präsentiert man sich in einem Vorstellungsgespräch auf eine bestimmte Art und Weise, die sich von der Art und Weise unterscheidet, wie man sich bei einer ersten Verabredung präsentiert (vielleicht… Sie verstehen schon).

Beim Layering geht es darum, den Dialog (oder Monolog) Ihrer Figur mit Subtext zu versehen. Subtext verleiht der Darstellung eines Charakters immer mehr Tiefe. Diese Tiefe hat mehr mit dem zu tun, was du denkst, und sie ist in den Augen zu sehen. Diese Überlagerung von Kontrasten und Subtext macht eine Figur unvorhersehbar: Wir wissen nicht wirklich, was sie über eine Situation oder eine Figur denkt oder fühlt, und können daher nicht wirklich vorhersagen, was sie als Nächstes in einer Szene tun wird (auch wenn wir spekulieren können). Schlechtes zweidimensionales Schauspiel ist langweilig, weil wir wissen, was passiert ist, bevor die Szene zu Ende ist. Komplexe Charaktere mit widersprüchlichen Schichten und Subtext sind viel unterhaltsamer zu beobachten als Schauspieler, die Gedanken und Handlungen aufeinander abstimmen und alles ernsthaft spielen.

Tue das Gegenteil

Meinen nächsten Tipp habe ich in einer Schauspielschule gelernt, und zwar, in Momenten intensiver Emotionen das Gegenteil zu tun. Mit intensiven Gefühlen meine ich alles, wo die Dinge etwas dramatischer werden, wie Weinen, Schreien/Streiten, Lachen, Freude, Schrecken, Herzschmerz. Wenn man darüber nachdenkt, schwelgen angehende (Anfänger-)Schauspieler in solchen Momenten darin, sie geben sich der Emotion hin, die sie glauben, darstellen zu müssen, obwohl sie nicht realistisch ist. Es sieht auch nicht realistisch aus: Es sieht aus, als würden sie schauspielern. In Momenten solch intensiver Emotionen ist es jedoch realistischer, sie zu verdrängen, d. h. das Gegenteil zu spielen. Das erhöht die emotionale Intensität der Szene und macht die Sache für das Publikum unterhaltsamer. Wenn Sie zum Beispiel Angst spielen wollen, spielen Sie nicht „ängstlich“, sondern „mutig“ in einer gruseligen Situation. Wenn Sie eine Figur spielen wollen, die lacht, lachen Sie nicht einfach, sondern spielen Sie „bitte nicht lachen“. Wenn du eine Figur spielen willst, die weint, dann weinst du nicht einfach, sondern du spielst „halte die Tränen zurück“. Jemand, der weint, lässt normalerweise nicht alles raus, er hält die Tränen zurück, Weinen ist ein letzter Ausweg. Es besteht eine Spannung zwischen Weinen und Nicht-Weinen-Wollen. Das soll natürlich nicht heißen, dass man beim Schauspielen nicht lacht oder weint. Man muss nur auf eine bestimmte Weise über diese Bewegungen nachdenken, wenn man realistisch wirken will. Dinge wie Tränen und Lachen sind Ausstöße überschüssiger Energie und sollten immer ein Nebenprodukt sein, kein Ziel. Wenn man diese Nebenprodukte zum Ziel macht, gehen die intensiven Gefühle, die mit diesen Nebenprodukten einhergehen, verloren, weil sie einfach nicht berücksichtigt werden. Alles, was bleibt, sind die leeren Nebenprodukte, und es sieht so aus, als würden Sie nur so tun, als ob. Die Menschen lassen ihre inneren Emotionen nur selten erkennen, vor allem, wenn es sich um intensive Gefühle handelt. Man hält die Tränen zurück, tut tapfer, wenn man Angst hat. Wenn Menschen traurig sind, versuchen sie, dies zu verbergen. Wenn Menschen betrunken sind, versuchen sie, nüchtern zu erscheinen.

Reagiere auf Veränderungen

Der dritte Tipp betrifft die Reaktion auf Veränderungen. Das ist etwas, was ich im Schauspielunterricht gelehrt bekommen habe und in Meisterkursen mit Casting-Direktoren gelernt habe. Oft passiert etwas „Neues“ in einer Szene: Es gibt eine Veränderung. Dabei kann es sich um eine sachliche oder emotionale Veränderung handeln. Zum Beispiel könnte Ihre Figur etwas Neues über eine andere Figur in der Szene erfahren, vielleicht betritt eine andere Figur den Raum, oder vielleicht gibt es eine Statusverschiebung zwischen Ihrer Figur und einer anderen Figur. Solche Veränderungen beeinflussen den Subtext in einer Szene, den Status der Figuren in der Szene, die Körpersprache, die Ziele deiner Figur und wie sie sie erreichen will; eine Figur könnte etwas Neues erfahren, das für sie ein Hindernis darstellen könnte, oder vielleicht betritt jemand anderes die Szene und hilft deiner Figur, ihr Ziel zu erreichen. Das sind nur Beispiele.

Der Subtext kann auch beeinflusst werden, wenn es während einer Szene zu einer Veränderung kommt: Wenn du zum Beispiel zu einem neuen Bekannten „Hallo, schön, dich kennenzulernen“ sagst, wird das extrem überladen klingen, wenn deine Figur kurz vorher gemerkt hat, dass dieser neue Bekannte eine Affäre mit der Lebensgefährtin deiner Figur hat.

Der Status kann sich ändern, wenn eine Figur etwas weiß, was die andere nicht weiß: Derjenige, der mehr weiß, hat normalerweise einen höheren Status. Stell dir vor, in einer Geiselszene sieht die gefangene Person einen Polizisten ankommen, aber der Geiselnehmer nicht. Es gibt eine deutliche Veränderung in der Körpersprache, wenn das gefangene Opfer Hoffnung schöpft und weiß, dass es jetzt die Oberhand hat. Der Entführer verändert sich nicht, aber im Vergleich zum Opfer gibt es eine visuelle Veränderung des Status. Dieses Szenario wird in Dramen und Filmen überstrapaziert, so dass ihr zweifellos alle wisst, was ich meine.

So wird die Körpersprache durch Veränderungen während einer Szene beeinflusst, egal ob deine Figur an Status gewinnt oder eine plötzliche Abneigung gegen eine andere Figur entwickelt, deine Körpersprache wird sich verändern. Veränderungen während einer Szene können sich auf das Ziel der Figur auswirken, auf die Art und Weise, wie sie dieses Ziel erreichen will, und auf den Status oder den Einsatz in der Szene (mein Schauspiellehrer sagt immer, dass „Ziele“ und „Hindernisse“ das „Stanislawski-Einmaleins“ sind, also werde ich das hier einfach durchgehen lassen).

Unterschätzen Sie nicht kleine Momente, wie z.B. eine andere Figur, die während einer Szene den Raum betritt: Dies stellt eine Veränderung dar, die sich auf mehrere Merkmale auswirken kann (Körpersprache, Subtext, Status). Jemand, der den Raum betritt, ist immer bemerkenswert, so wie es auch im wirklichen Leben ist. Greifen Sie einer Veränderung in der Szene auch nicht vor (spielen Sie die Veränderung nicht, bevor es einen Grund dafür gibt). Denken Sie daran: Ihre Figur weiß nicht, was als nächstes passieren wird, auch wenn Sie (der Schauspieler) es wissen. Angehende Nachwuchsschauspieler vergessen oft, auf Veränderungen zu reagieren, weil sie natürlich schon wissen, was in der Szene passieren wird: Sie lassen ihre Figur entweder verfrüht auf etwas reagieren, das gleich passieren wird, oder sie merken nicht, dass sich für ihre Figur etwas geändert hat und die Dinge anders angegangen werden müssen. Es gibt eine Menge zu beachten, wenn es darum geht, auf Veränderungen in einer Szene zu reagieren, daher fasse ich das im Folgenden zusammen:

• Hören Sie zu (nein, hören Sie wirklich zu)
• Reagieren Sie auf den anderen Schauspieler
• Schauspielen ist mehr als Reden
• Reagieren Sie, wenn Ihre Figur nicht redet

Kennen Sie IHR Ziel und auch das Ihrer Figur

Mein vierter Tipp ist, IHR Ziel zu kennen, nicht nur das Ihrer Figur. Dieser Tipp ist mir durch viel Nachdenken, Lesen und Schauspielerei klar geworden. Nur weil man nicht realistisch spielt, heißt das nicht, dass man schlecht schauspielert. Die Definition von „realistisch“ in der Kunst hat sich im Laufe der Zeit ohnehin geändert. Tatsächlich wird der Begriff „realistisch“ nicht einmal verwendet, wenn man über diese Art von Dingen spricht: Die Leute neigen dazu, den Begriff „Realismus“ zu verwenden, der ebenfalls bekanntermaßen schwer zu definieren ist. Ich verwende den Begriff „realistisch“ hier nur, weil „wie man sich realistisch verhält“ ein beliebter Suchbegriff ist. Jeder will die Antwort auf diese Frage wissen, so scheint es.

Der Theatermacher Bertolt Brecht behauptete, dass sein Theaterstil (voller Widersprüche und Verfremdungen und kontrastreicher Gesten) die Realität des 20. Jahrhunderts besser abbilde, weil er eine Vielzahl von Perspektiven biete und die Zuschauer zwinge, über das, was sie sehen, nachzudenken, anstatt sich in eine Handlung zu vertiefen und zu vergessen, dass sie gerade ein Stück sehen. Aber wir würden das Brechtsche Schauspiel nicht als „realistisches“ Schauspiel bezeichnen. Oder etwa doch? Es ist eine andere Art des Schauspiels als das System von Stanislavski.

Ich denke, es gibt einen Unterschied zwischen etwas realistisch spielen und etwas aufrichtig spielen. Man kann zum Beispiel etwas aufrichtig spielen, wenn man glaubt, dass die Figur in dieser Szene in diesem Moment existiert, aber es ist trotzdem nicht realistisch. Genauso kann man etwas „realistisch“ spielen, aber die Figur ist unaufrichtig. Man weiß, dass sie lügt – sie widerspricht sich selbst. Es ist schwierig, sie zu durchschauen. Aber so verhalten sich die Menschen im wirklichen Leben, und es wirkt realistisch, obwohl der Schauspieler trotz dieser genauen Darstellung schauspielert und das Ganze sowieso nicht real ist!

Worauf ich hinaus will, ist, dass man wissen muss, was man mit seiner Darstellung erreichen will. Wenn es echt wirken soll und so, als würde man gar nicht schauspielern, dann muss man wissen, wie Menschen im echten Leben agieren: sie beobachten, sich selbst beobachten. Neue Schauspieler tun immer etwas Unrealistisches, etwas, das nicht normal ist. Aber einige von ihnen tun es aufrichtig, was kein schlechtes Schauspiel ist, es ist nur kein „realistisches“ Schauspiel. Wenn du so schauspielern willst, wie du es im wirklichen Leben tun würdest, dann lerne, wie du im wirklichen Leben bist.

Dee Cannon schreibt in In-depth Acting:

‚wenn du ein Schauspieler sein willst, der große Tiefe in seinen Charakteren zeigt, dann kann ich nicht genug betonen, wie entscheidend es ist, die emotionale Tiefe in dir selbst zu finden. Je reicher du als Person wirst, desto reicher wirst du sein und als Schauspieler wachsen.‘

Dee Cannon, in In-depth Acting, S. 19

Ich denke, zu wissen, wie du dich selbst von Natur aus verhältst, ist entscheidend, wenn du realistisch schauspielern willst, oder besser gesagt, wenn du so wirken willst, als würdest du überhaupt nicht schauspielern.

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