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The Man Who Wasn’t There

Nachdem sie eine Reihe von Filmen geschrieben und inszeniert haben, die entweder Kultstatus hatten oder Kassenerfolge waren (und manchmal beides), könnte man The Man Who Wasn’t There als den ersten wirklich unterschätzten Film der Coen-Brüder ansehen. Vielleicht war das Publikum nach relativ erfolgreichen, schrullig-komischen Filmen wie The Big Lebowski und O Brother, Where Art Thou? noch nicht bereit für ein so düsteres und strenges Drama.

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Billy Bob Thornton ist herausragend als Ed, ein mürrischer Friseur, der in einer kalifornischen Kleinstadt lebt und versucht, 10.000 Dollar von einem örtlichen Geschäftsmann namens Big Dave (James Gandolfini) zu erpressen, was jedoch furchtbar schief geht. Dann findet er heraus, dass seine alkoholkranke Frau (Frances McDormand) eine Affäre mit ihm hatte. Und dann wird seine Frau wegen des Mordes an Big Dave verhaftet. Von da an wird es für Ed immer schlimmer.

Die Coen-Brüder sind besonders gut darin, diese umherziehenden Noir-Dramen zu inszenieren, wie ihr Debüt Blood Simple oder der Western-Hybrid No Country For Old Men von 2007, in denen törichte Entscheidungen weitreichende und tödliche Folgen haben. Roger Deakins, der später No Country For Old Men drehte, fängt die Kulisse der 40er Jahre perfekt ein und schafft zusammen mit Thorntons Darstellung eine Atmosphäre von spürbarer Traurigkeit und Bedauern.

Dieser düstere Ton macht The Man Who Wasn’t There zu einem der weniger zugänglichen Filme der Coens, aber er ist wohl einer ihrer reifsten und stärksten.

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Das Experiment

Ein deutscher Thriller, der auf dem Stanford Prison Experiment basiert, sieht Das Experiment, wie ein Gefängnis inmitten eines Forschungslabors errichtet wird. Dieses Gefängnis ist überzeugend, bis hin zu den vergitterten Fenstern und den Kameras, die jede Bewegung überwachen. Dann werden 20 Personen rekrutiert, die die Gefangenen und die Wärter spielen sollen.

Die Wärter sollen die Gefangenen in Schach halten, ohne Gewalt anzuwenden, während die Gefangenen eine Reihe von Regeln erhalten, die sie befolgen müssen. Wer aussteigt, wird nicht bezahlt, aber alle Teilnehmer können gehen, wann immer sie wollen.

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Normalerweise würden wir in einer solchen Beschreibung nicht so viel über den Aufbau erzählen, aber hier ist es wichtig, denn es war dieser Aufbau, der uns vor vielen Monden davon überzeugt hat, die DVD zu mieten, und Olivier Hirschbiegels Film macht das Beste daraus. Wir werden Ihnen nichts weiter darüber erzählen, außer dass Hirschbiegel 2004 auch Downfall gedreht hat und damit zu fünf Prozent aller Videos auf YouTube beiträgt.

Joy Ride

Der tragische Tod von Paul Walker hat einige dazu veranlasst, nach seinen früheren Arbeiten zu suchen, die sie vielleicht verpasst haben. Wir haben in dieser Reihe von Rückblicken viel über die Arbeit des Regisseurs John Dahl gesprochen, und Joy Ride (im Vereinigten Königreich unter dem Titel Roadkill veröffentlicht) ist vielleicht der letzte seiner Reihe von ausgezeichneten, unterschätzten Thrillern (wenn Sie auf der Suche nach unserem jetzt fast wöchentlichen Red Rock West-Plug sind, betrachten Sie dieses Kästchen als abgehakt).

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Mit einer Anspielung auf Duel (so wie auch Jeepers Creepers darauf anspielte), sieht man in Joy Ride ein Trio auf einem Roadtrip, das mit einem LKW-Fahrer über CB-Funk spricht. Es stellt sich heraus, dass er der falsche Trucker ist, mit dem man reden sollte, und als er ihnen auf die Schliche kommt, kommt es zu einer teilweise brillanten Verfolgungsjagd.

Walker ist neben Steve Zahn einer der Hauptdarsteller der jungen Besetzung hier, und John Dahl erweist sich als geschickt darin, die Schraube anzuziehen und Spannung in etwas zu bringen, das nur ein weiterer langweiliger Einweg-Thriller hätte sein können. Die erste Hälfte ist viel besser als die zweite, aber der gesamte Film ist immer noch viel besser, als das zahme Cover und der anonyme Titel vermuten lassen. Es ist ein Juwel in Paul Walkers Backkatalog.

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Buffalo Soldiers

Buffalo Soldiers hatte seine Premiere auf dem Toronto International Film Festival am 9. September 2001. Die schrecklichen Ereignisse, die sich zwei Tage später in Amerika ereigneten, verhinderten, dass der Film jemals in die Kinos kommen konnte. Selbst als er Anfang 2003 in begrenztem Umfang in Amerika gezeigt wurde, stieß er auf Ablehnung. Gregor Jordans Film war immer ein riskantes Projekt. Es handelt sich um eine sehr witzige Satire über amerikanische Militärangehörige in Westdeutschland in den 1980er Jahren, und das betreffende Regiment steht im Mittelpunkt zahlreicher Komödien, von denen einige recht düster sind. Selbst jetzt noch wählen wir unsere Worte mit Bedacht: Miramax war so besorgt um die US-Veröffentlichung des Films, dass der Starttermin fünfmal verschoben wurde, bevor er schließlich lief.

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Aber der Film ist sowohl wichtig als auch sehr, sehr gut. Ed Harris ist hier ausgezeichnet und führt eine Besetzung an, zu der auch Joaquin Phoenix und Anna Paquin gehören. Der Film ist manchmal eine sehr schwarze Komödie und so weit von einem Rekrutierungsfilm entfernt, wie man ihn nur finden kann. Dafür ist er aber viel interessanter und verdient es, gesehen zu werden.

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Lantana

In seiner Heimat Australien wurde Lantana reichlich belohnt. Er gewann eine Reihe von AFI-Preisen und spielte auch an den Kinokassen gut ein. In den USA wurde der Film in geringem Umfang veröffentlicht, aber die meisten von uns mussten die DVD von einem australischen Händler ihrer Wahl importieren.

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Das war es aber wert. Wenn man einen Film als eine Ansammlung von unterschiedlichen Charakteren beschreibt, die durch ein zentrales Ereignis miteinander verbunden sind, denkt man sofort an die besten Werke von Robert Altman, aber Lantana ist dennoch ein reichhaltiges, tiefgründiges und dennoch zugängliches Drama. Geoffrey Rush und Kerry Armstrong sind in dem Film zu sehen, doch Regisseur Ray Lawrence achtet darauf, jeder seiner Figuren genügend Sendezeit zu geben, um ihren Teil des sprichwörtlichen Puzzles zu vermitteln.

Es ist fesselndes Kino, gestrafft auf eine Laufzeit von knapp zwei Stunden. Wenn der Film zu Ende ist, hat er eine Vielzahl von Themen erforscht, eine Menge interessanter Charaktere ausgearbeitet und, wenn man so ist wie wir, den Wunsch geäußert, dass Ray Lawrence mehr Filme machen möge.

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Hedwig and the Angry Inch

Haben Sie genug von langweiligen Musicals und wünschen Sie sich, dass jemand eine Rakete in die Mitte von ihnen allen schießt? Lange bevor The Book of Mormon seinen Weg auf die Bühne fand, landete Hedwig and the Angry Inch in einigen Theatern und hat sich seitdem eine kleine, aber durchaus richtige Fangemeinde aufgebaut. Der Film basiert auf einem Bühnenmusical, das von John Cameron Mitchell, der auch die Hauptrolle spielt, bearbeitet und inszeniert wurde. In dieser Hauptrolle ist er ein transsexueller ostdeutscher Rocksänger, dessen Geschlechtsumwandlungsoperation schief geht und Hedwig mit dem „wütenden Zoll“ des Titels zurücklässt.

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Der Film hat ein sehr menschliches Herz, aber auch eine Reihe von schrägen Liedern und erzählerischen Wendungen, die ihn als einen Film auszeichnen, dem es an Identität nicht mangelt. Es ist wohl auch die Art von Film, die man einmal gesehen hat und danach sofort ein Dutzend Mal wieder sehen möchte. Nicht für alle Geschmäcker? Mit Sicherheit nicht. Aber das interessanteste, subversivste und bewegendste Filmmusical des Jahrzehnts?

No Man’s Land

Wir sind immer unschlüssig, ob wir Filme, die einen Oscar gewonnen haben, in diese Listen aufnehmen sollen, und No Man’s Land hat genau das getan. Er hat den Preis für den besten fremdsprachigen Film gewonnen, und das aus gutem Grund. Doch nicht zum ersten Mal stellen wir uns die Frage: Wer spricht noch darüber? Wir sind zu dem Schluss gekommen, dass die Antwort darauf lautet: nicht genug Leute, und deshalb kommt er hierher. No Man’s Land ist ein bosnisches Kriegsdrama, das seine Zeit mit einem Trio verwundeter Soldaten in den Schützengräben des Bosnienkrieges verbringt. Sie befinden sich ohnehin nicht in der sichersten Lage, aber dann entdecken wir, dass einer von ihnen auf einer vergrabenen Landmine liegt. Wenn er sich bewegt, explodiert die Mine.

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Wir verfolgen dann die Bemühungen, das Trio zu retten und die Bombe zu entschärfen, aber die Spannungen und Schrecken sind nie weit entfernt. Mit einer großen Besetzung und einer Laufzeit von unter 100 Minuten erforscht No Man’s Land die Menschen und die Situation, in der sie sich befinden, und erweist sich als einer der besten Kriegsfilme des Jahrzehnts. Er hat nicht nur den Oscar verdient, den er gewonnen hat. Er verdient es auch, dass mehr Menschen ihn sehen. Deshalb ist er hier.

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A.I. Künstliche Intelligenz

Obwohl die Einspielergebnisse in Übersee A.I. schließlich in die Gewinnzone brachten, waren die 78 Millionen Dollar, die der Film in den USA einspielte, eine ziemliche Enttäuschung, vor allem, wenn man den Stammbaum des Films und das Budget von 100 Millionen Dollar bedenkt. Die Adaption einer Kurzgeschichte des britischen Autors Brian Aldiss war bekanntlich ein Projekt, das zuerst von Stanley Kubrick in Angriff genommen wurde, bevor Spielberg es nach Kubricks Tod 1999 übernahm.

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Die Kritiker von A.I. haben die Geschichte des Films manchmal als Knüppel benutzt, um ihn zu schlagen, und ihn als eine ungeschickte Kollision von Kubricks kaltem Intellekt und Spielbergs Popcorn-Sentimentalität beschrieben. Dabei ist es gerade diese Kollision, die den Film so interessant macht: Haley Joel Osment ist ein typischer junger Protagonist mit den strahlenden Augen eines Spielberg-Films, doch die Odyssee, auf die er sich begibt, ist fast unerbittlich dunkel. Osments David ist ein Roboter auf einer Pinocchio (oder Roy Batty)-ähnlichen Mission, ein echter Junge zu werden. Er wird von seinen Eltern verlassen und lernt nach und nach, wie grausam und hart die Welt wirklich ist. Sogar das Ende von A.I., das von einigen als zu süßliche Coda abgetan wird, könnte auch einer weitaus düstereren Interpretation unterzogen werden, wie Roger Ebert feststellte, als er sich den Film noch einmal ansah und kurz nach seiner Veröffentlichung eine neue, wohlwollendere Kritik schrieb. Voller schöner Designs und eindringlicher Momente ist A.I. reich an Ideen und beunruhigenden Vorstellungen.

Der Film stellt nicht nur vertraute Science-Fiction-Fragen über die Natur des Bewusstseins und unsere Verantwortung gegenüber unseren Schöpfungen, sondern wagt auch die Vermutung, dass, wenn wir künstlich intelligente Maschinen bauen würden, sie am Ende wahrscheinlich wesentlich sanfter und menschlicher wären als wir.

Ghost World

Kaum in die amerikanischen Kinos gekommen, musste sich Terry Zwigoffs Ghost World stattdessen mit einem wachsenden Kultpublikum begnügen. Der Film mit Thora Birch und Scarlett Johansson in den Hauptrollen ist eine scharfsinnig beobachtete und äußerst witzige Geschichte darüber, wie schmerzhaft es ist, erwachsen zu werden, vor allem, wenn man in der Schule nicht zu den coolen Kids gehört.

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Thora Birch und Scarlett Johansson sind beide perfekt in ihren Rollen als Enid und Becky, während Steve Buscemi in typisch schrulliger Form als Seymour auftritt, ein einsamer, alleinstehender Mann, der sich nach einem Telefonstreich mit den beiden anfreundet. Regisseur Terry Zwigoff, der an dieser Adaption von Daniel Clowes‘ eigenem Comicbuch mitgeschrieben hat, ist ein Meister darin, schräge Außenseitercharaktere einzufangen – von seinen Dokumentarfilmen Louie Bluie und Crumb bis hin zur komischen Anarchie von Bad Santa, seinem größten Hit. Ghost World bildet da keine Ausnahme und ist dank seines Charmes und Witzes mit Abstand der beste Teenie-Film dieser Zeit.

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Die Klavierlehrerin

Obwohl es sich eher um ein Drama als um einen Horrorfilm handelt, ist Michael Hanekes Die Klavierlehrerin so ehrlich und brutal, dass es fast schmerzhaft ist, ihn anzusehen. Isabelle Huppert spielt Erika, eine professionelle Pianistin mittleren Alters, die sich in einen ihrer jugendlichen Schüler verliebt.

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Hanekes Film nach Elfriede Jelineks gleichnamigem Roman strotzt vor Spannung und Unbehagen und hat gewisse Elemente mit Darren Aronofskys opernhafterem, fantastischem Black Swan gemeinsam: In beiden geht es um einsame Frauen, die von ihren Müttern beherrscht werden und deren zugeknöpfte Fassade ein dunkles Reservoir gewalttätigen Verlangens verbirgt.

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Shaolin Soccer

Man könnte argumentieren, dass ein Film aus Hongkong, der in den USA 42 Millionen Dollar einspielte, zu erfolgreich ist, um unterschätzt zu werden, aber diese Zahl ist ein Tropfen auf den heißen Stein im Vergleich zu den 213 Millionen Dollar, die Crouching Tiger, Hidden Dragon ein Jahr zuvor einspielte. Außerdem stellte Regisseur, Drehbuchautor und Hauptdarsteller Stephen Chow seinen eigenen internationalen Erfolg mit dem noch größeren Kung Fu Hustle im Jahr 2004 bald in den Schatten, obwohl Shaolin Soccer für uns der lustigere der beiden Filme ist.

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Chow spielt einen Kung-Fu-Meister, der seine Kampfkunst mit europäischem Fußball verbindet und eine Mannschaft für ein Turnier in Hongkong zusammenstellt. Wie ein Comic, der auf verrückte Weise zum Leben erweckt wird, ist Shaolin Soccer voller überlebensgroßer Figuren und unwahrscheinlicher körperlicher Höchstleistungen, und man muss sagen, dass das Tempo und der Charme von Chows Film ansteckend sind. Verdächtige Taktiken, brutale Tacklings und Fußbälle, die so hart getreten werden, dass die Gegner wie Kegel umfallen, sind nur einige der Höhepunkte in einer der lustigsten Sportkomödien, die je gedreht wurden.

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The Pledge

Sean Penns dritter Film als Regisseur bietet eine beeindruckende Besetzung mit Jack Nicholson in der Hauptrolle und Aaron Eckhart, Helen Mirren, Vanessa Redgrave und Mickey Rourke in den Nebenrollen. Nicholson spielt einen pensionierten, müden Detektiv, der in ein neues Geheimnis hineingezogen wird, als ein junges Mädchen in der verschneiten Landschaft in der Nähe entdeckt wird. Trotz seines besseren Urteilsvermögens gibt der ehemalige Detektiv den tränenreichen Bitten der Mutter des toten Mädchens nach und verspricht, den Mörder aufzuspüren.

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Während der Detektiv den Hinweisen auf den Fall nachgeht, wird er immer besessener von der Identität des Mörders und greift zu äußerst amoralischen, verstörenden Methoden, um ihn zu fassen. Nicholsons Leistung ist hier bemerkenswert, voller Zweifel und Verzweiflung – und der Film ist weniger ein konventioneller Serienmörder-Thriller als vielmehr eine Charakterstudie über einen alternden Mann, der bereit ist, alles zu tun, um das zu finden, was er sucht.

My Sassy Girl

Dies. Dies ist genau die Art von Film, für die man hoffentlich Listen wie diese liest: um ein unentdecktes Juwel zu finden, das als einer der Lieblingsfilme aller Zeiten ins Rennen geht. Zunächst zum Remake: Meiden Sie es, als wäre es mit dem Elixier von Brett Ratner vergiftet worden. Nicht, dass er furchtbar wäre, aber er ist viel, viel uninteressanter als der Film, auf dem er basiert. Denn My Sassy Girl, der südkoreanische Jahrgang 2001, ist großartig. Der Ursprung des Films liegt in einer Reihe von Geschichten, die Ho-sik Kim ins Internet gestellt hat, die er dann in einen Roman verwandelte und die anschließend verfilmt wurden. Darin geht es um seine Begegnung mit einem mysteriösen und nicht besonders freundlichen Mädchen und die komplizierte Beziehung zwischen den beiden.

Die Figur des Mädchens selbst (wir erfahren nie ihren Namen, aber mehr werden wir nicht über sie verraten) ist vielschichtig, interessant, dreidimensional und absolut zum Mitfiebern. Und das ist an sich schon kompliziert: Nur wenige könnten aus einer so unsympathischen Figur wie Jun Ji-hyun das genaue Gegenteil machen. Das Drehbuch trägt natürlich einen großen Teil dazu bei, aber das Zusammenspiel von Cha Tae-hyun und Ji-hyun ist beispielhaft.

Wenn man den Film einem Genre zuordnen müsste, käme vielleicht die romantische Komödie am nächsten. Aber diese beiden Worte könnten eine ganze Reihe von Leuten abschrecken, die auf der Suche nach einem bewegenden, unvorhersehbaren Film über zwei runde Charaktere sind. Wäre diese Seite Den of Geek Korea, dann bräuchten wir My Sassy Girl nicht an die Spitze dieser Liste zu setzen. Der Film ist in seinem Heimatland einer der erfolgreichsten Filme aller Zeiten und in weiten Teilen Ostasiens ein Riesenerfolg. Im Vereinigten Königreich? Er hat ein paar Befürworter, aber nicht genug.

Ignorieren Sie den Titel und ignorieren Sie das Genre. Schauen Sie sich den Film einfach an. My Sassy Girl könnte auch einer Ihrer Lieblingsfilme werden.

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