Wenn du auch nur ein bisschen Zeit damit verbracht hast, auf YouTube nach Mixing-Tutorials zu suchen, bist du wahrscheinlich auf die Arbeit von Matthew Weiss gestoßen.

Abgesehen davon, dass er ein Grammy-nominierter und mit dem Spellemann Award ausgezeichneter Mixer ist, ist Matthew ein herausragender Vordenker im Bereich der modernen Plattenproduktion. Er hat über 200 Artikel verfasst, die eine bemerkenswert breite Palette von Themen entmystifizieren – von der Komprimierung von Vocals bis zum Clipping von Kicks. Seine erstklassigen Mixing-Tutorials gehören zu den besten, die es gibt.

Wir haben uns kürzlich zusammengesetzt, um über das Handwerk und das Geschäft hinter dem Abmischen von Platten zu sprechen.

Du bist in Philadelphia aufgewachsen. Hat das den Sound deiner Platten beeinflusst? Wie klingt eine Platte von Matthew Weiss?

Philly ist eine Jazz-Stadt. Wenn man auf irgendeiner Ebene in diese Szene involviert ist, fängt man an, Musik als ein Gespräch zwischen Spielern zu hören, im Gegensatz zu Noten auf einem Blatt oder Texten mit einem Beat. Ich betrachte Musik als eine Art Konversation. Ich würde das auf meine Erziehung zurückführen.

Was meinen Sound angeht, so tendiere ich zu dem, was der Song verlangt. Manchmal ist es groß und glänzend. Manchmal ist er schmutzig und schräg, und das Schlagzeug wird auf einen Lautsprecher gelegt. Es kommt wirklich darauf an.

Einige Mixer, wie Chris Lord-Alge, sind dafür bekannt, dass sie einen charakteristischen Sound-Fußabdruck haben. Andere sind stolz darauf, ein Chamäleon zu sein. Es klingt, als würdest du zu Letzterem tendieren.

Ich liege dazwischen. Ich glaube, ich habe einen eigenen Sound – es ist nur schwer in Worte zu fassen. Der Sound von Chris ist ein bisschen leichter zu definieren, weil er so ein nachsichtiger Mixer ist. Er schaltet seine visuellen Scheuklappen ein und seine Ohren komplett aus. Er dreht verdammt noch mal an den Reglern. Mehr Macht für ihn – das ist eine großartige Art zu mixen. Aber bei ihm ist es etwas einfacher, den Finger darauf zu legen. Ich glaube, jemand könnte meinen Mix aus einer Aufstellung heraussuchen, aber ich glaube nicht, dass es einfach wäre zu sagen, was ihn ausmacht.

Ich höre eine Menge subtiler Sättigung und Verzerrung in deinen Mixen. Wie fügst du Charakter hinzu?

Als ich als Assistent und Praktikant anfing, verbrachte ich viel Zeit mit dem Mischen an einer API-Konsole. Das Ding hatte Ton. Je weiter man einen Fader nach oben schob, desto mehr veränderte sich der Mitteltonbereich. Wenn man einen EQ einschaltete, veränderte sich der untere Mitteltonbereich und der obere Bereich. Man musste nicht einmal einen EQ einschalten.

Heute mische ich in der Box mit einem Hybrid-Setup, und die Verzerrung ist nicht da. Also habe ich angefangen, in diese Richtung zu experimentieren. Ich habe festgestellt, dass das Hinzufügen einer subtilen Sättigung einen Sound wirklich zum Leben erwecken kann. Es gibt den Dingen einen Ton oder einen Charakter, ähnlich wie ein Pult es natürlich tun würde. Nur dass ich jetzt viel mehr Kontrolle darüber habe, was genau dieser Sound ist.

Hast du irgendwelche Tipps für den Einsatz von Sättigung in einer Mischung?

Versuch, sie zuerst in der Kette hinzuzufügen, vor deinem EQ. Die Sättigung wird eine Klangverschiebung bewirken, egal was Sie tun. Manchmal ist diese Verschiebung sehr subtil, so dass man sie nicht unbedingt sofort bemerkt. Nehmen wir an, Sie fügen einer Gesangsstimme eine Sättigung im FET-Stil hinzu. Sie werden feststellen, dass sich bei 800 Hz ein gewisses Glühen einstellt. Wenn Sie die Sättigung am Ende der Kette hinzufügen, hebt sich die Stimme möglicherweise auf unangenehme Weise nach vorne. Wenn Sie die Sättigung jedoch zuerst hinzufügen, können Sie diese zusätzliche tonale Verschiebung mit dem EQ ausgleichen. Dann bekommst du eine schön ausgewogene Stimme, mit ein paar zusätzlichen Obertönen.

Das macht sehr viel Sinn.

Ja. Außerdem arbeiten viele Leute nicht mehr mit Kompression oder EQ. Sie machen das alles im Mix. Diese Sättigungsstufen, die es normalerweise vor dem EQ gibt, sind also nicht mehr vorhanden. Aber bis vor etwa 5 Jahren war das noch nicht der Fall. Da die Musik jahrzehntelang anders klang, haben wir uns an diesen Sound gewöhnt.

Du erwähnst, dass viel mehr dem Mix überlassen wird. Haben Sie das Gefühl, dass Sie heute mehr Bearbeitung verwenden als noch vor 5 oder 10 Jahren?

Zwei Dinge passieren. Einerseits werden akustische Instrumente und Quellen weniger im Vordergrund behandelt und müssen im Allgemeinen mehr im Mix bearbeitet werden. Andererseits wird ein Großteil der Instrumentierung mit weichen Synthesizern und Samples erstellt, die vom Produzenten sorgfältig entworfen werden. Während also akustische Elemente mehr Arbeit und mehr Sounddesign erfordern, müssen programmierte Elemente weniger bearbeitet werden.

Ich habe gerade an diesem Pop-Mix gearbeitet. Die Stimme wurde sechsmal bearbeitet – EQ, Kompression, Reverb … ich weiß gar nicht mehr, was noch. Und dann sind da noch die Synthesizer, die buchstäblich überhaupt nicht bearbeitet werden. Es ist interessant zu sehen, wie das passiert.

Lassen Sie uns über Ihre Mentoren sprechen. Du zollst Mark Marshall, Bobby Eli und Denise Barbarita viel Anerkennung. Welche Dinge haben Sie von ihnen gelernt? Ist Mentorschaft für jemanden, der heute anfängt, immer noch wichtig?

Mentorschaft ist heute wichtiger als je zuvor. Ich glaube nicht, dass es eine echte Möglichkeit gibt, dieses Geschäft ohne Anleitung zu erlernen. Wenn man es alleine macht, weiß man gar nicht, was man lernen muss. Und dann muss man es trotzdem lernen.

Mark ist ein erstaunlicher Produzent, und er ist eigentlich auf einem Ohr taub. Er hört nur auf die Performance und das Arrangement. Die Darbietungen, die er bekommt, die Dinge, die er aus diesen Darbietungen hervorhebt, und die Art und Weise, wie er die Dinge in seinen Arrangements anordnet, sind alle genau richtig. Viel von meiner Sensibilität für den Song kam von Mark.

Als Mischtechniker ist es wichtig, sich daran zu erinnern, dass der Klang eigentlich zweitrangig ist. Unsere eigentliche Aufgabe ist es, eine Performance, egal ob programmiert oder live, so über die Lautsprecher zu bringen, wie sie beabsichtigt war. Um das zu erreichen, müssen wir mit dem Song selbst in Berührung kommen.

Ich denke, es ist sehr wichtig, sich daran zu erinnern. Als Techniker sind wir oft so sehr mit der technischen Seite beschäftigt, dass wir vergessen, was wir eigentlich tun.

Es sind nicht nur die Techniker. Künstler, A&Rs, Produzenten … sie verfangen sich auch darin. Wir sind alle so besessen davon, diesen perfekten Sound zu erreichen. Wir vergessen, dass die Musik selbst ein einzigartiger lebender Organismus ist.

Was ist heute die größte Herausforderung beim Abmischen einer Platte?

Manchmal taucht eine Rohmischung auf und dein Kunde verliebt sich in sie. Sie sind dann so besessen davon, dass man nur noch weiterkommt, wenn der eigene Geschmack zufällig mit dem Rough übereinstimmt. Was nicht allzu oft vorkommt.

Witzigerweise ist mir das gerade letzte Woche passiert.

Denn die Entscheidungen, die getroffen werden mussten, wurden nicht getroffen, bevor der Track bei dir ankam. So landen die Entscheidungen, die subjektiv sind, in deinem Ballpark. Es geht dann darum, was Sie wollen. Und das stimmt nicht immer mit den Wünschen des Künstlers überein.

Wenn man so vorgeht, muss man am Ende für jeden Song einen anderen Mischer engagieren. Andernfalls wird man nie die bessere Version des Roughs bekommen, nach der man sucht.

Es sei denn, man legt sich von vornherein auf etwas fest. Das ist es, was Produzenten und Künstler wirklich tun müssen.

Wenn du dir das Rough anhörst, was geht dir dann durch den Kopf?

Ich frage mich – was ist der Zweck dieser Platte? Was soll sie beim Hörer bewirken? Ich versuche, Gefühle und Emotionen herauszufinden.

Dann achte ich zum Beispiel darauf, wie die Pegel eingestellt sind. Das könnte mir verraten, was das Hauptinstrument ist, oder was für ein Ambiente sie denken. Vielleicht aber auch nicht. Jeder hat eine andere Vorstellung davon, was eine Rohmischung ist. Vielleicht wurde er von jemandem zusammengewürfelt, der keine Ahnung hatte, was er damit anfangen sollte. Manchmal lieben sie das Rough. Es kann beides sein.

Ich bin mehr daran interessiert, was der Künstler zu kommunizieren versucht, als daran, wie der Rough Mix klingt. Ich versuche zu verstehen, was die Gefühle und Absichten der Platte sind. Dann kann ich meine eigene Meinung darüber formulieren, wie ich diese am besten durch den Mix übertrage.

Du lässt dich also mehr von den Emotionen und der Absicht des Roughs leiten als von irgendwelchen spezifischen Entscheidungen, die getroffen wurden.

Genau. Die Leute, die diese Entscheidungen treffen, sind wahrscheinlich keine Mischtechniker. Warum sollte man mit einem Mix verheiratet sein, der von jemandem gemacht wurde, der nicht mischt?

Ich habe damit zu kämpfen. Manchmal bringe ich einen Mix in eine Richtung, die sich von dem unterscheidet, was der Kunde will. Dann macht man in der Überarbeitung so viele Änderungen, dass es seine Seele verliert.

Oh Mann, ich hasse das. Ich nenne es „Tod durch Überarbeitung“. Man kann wirklich die Essenz der Platte verlieren.

Der Schlüssel ist, vorher etwas Detektivarbeit zu leisten. Finden Sie heraus, indem Sie sich das Rohmaterial anhören und mit dem Kunden kommunizieren – wie genau ist das? Wie sehr müssen wir uns daran halten? Wie sehr können wir uns daran halten? Können wir es schaffen, dass es so gut klingt? Vielleicht können wir das nicht. Vielleicht lohnt es sich nicht einmal, es zu versuchen. Vielleicht sind wir nicht die richtige Mischung für den Job.

Es gibt bestimmte Stellen, an denen ich die Grenze ziehe und sage – wenn es das ist, was du willst, kenne ich eine Menge Leute, die das gut machen, und ich würde dich gerne mit ihnen in Kontakt bringen.

Würdest du den gleichen Rat jemandem geben, der gerade erst anfängt?

Nein. Wenn du anfängst, brauchst du Erfahrung. Dazu gehören auch schlechte Erfahrungen. Lehnen Sie keine Aufträge ab, wenn Sie gerade erst anfangen. Finde heraus, welche Erwartungen der Kunde hat und erfülle sie. Punkt.

Wenn du das tust, bekommst du die Werkzeuge, die du brauchst, um weiterzukommen. Es ermöglicht Ihnen, sich den Herausforderungen zu stellen, die die Arbeit mit schwierigeren Kunden in Situationen mit höherem Druck mit sich bringt. Es macht dich auch vielseitiger, weil es dich zwingt, Dinge zu tun, zu denen du von Natur aus nicht neigen würdest.

Ich möchte für einen Moment den Gang wechseln. Ich habe so viel von deinen Artikeln und Videos über das Mischen gelernt. Mir ist aufgefallen, dass du dich oft mehr auf deinen Denkprozess konzentrierst als auf die konkreten Entscheidungen, die du triffst. Warum?

Ich habe um 2008 herum angefangen, online aktiv zu werden, als der meiste Online-Diskurs im Audiobereich „So mischt man eine Kick… so mischt man eine Snare“ lautete. Das lag nicht daran, dass die Techniker, die das erklärten, nicht außergewöhnlich waren. Sie waren einfach furchtbar im Erklären von Dingen. Weil sie es nie mussten. Sie waren keine Lehrer.

Als ich also anfing zu schreiben, dachte ich mehr in die Richtung – also können wir all diese Dinge tun, aber warum? Warum sollte man zum Beispiel eine Unterstufe in einen Kick einbauen? Vielleicht versuchen wir, den Zuhörer den Kick physisch spüren zu lassen. Vielleicht wird diese physische Bewegung, diese Wirkung, die sie spüren, sie dazu bringen, sich zu bewegen. Vielleicht funktioniert das so beim Tanzen. Oder vielleicht ist es tatsächlich die Verbindung zwischen den Instrumenten, die sie zum Tanzen bringt. Vielleicht hat es nichts mit dem Kick zu tun. Es ist sehr wichtig, das zu erkennen und zu verstehen.

Wenn man sich Platten aus den 70er Jahren anhört, brauchte man keine große Kick-Drum. Die Konversation zwischen dem Bass und den Gitarren und dem Schlagzeug war das, was die Leute zum Tanzen brachte. Die Kick würde man heute nicht mehr so verarbeiten wie in einem EDM-Track, weil sie nicht das Herzstück des Songs war. Und da dämmerte es mir – es gibt nicht die eine richtige Art, eine Kickdrum zu bearbeiten. Es gibt nur Kontexte, in denen eine Kick lebt. Es ist wichtiger, über diese Kontexte zu sprechen und darüber, wie sie die Entscheidungen beeinflussen, die wir treffen. Wenn wir anfangen, die Dinge durch diese Linse zu betrachten, können wir erfolgreichere Platten machen.

Als ich anfing zu schreiben, war das nichts, worauf ich mich bewusst konzentriert habe. Es war eher eine unbewusste Reaktion auf das, was ich nicht mochte. Im Laufe der Zeit wurde mir klar, dass es hier tatsächlich etwas zu lernen gibt. Das Wie und das Warum sind im Gegensatz zum Was viel wichtiger. Und jetzt, im Jahr 2016, ist es viel mehr zur Norm geworden, den Denkprozess zu erklären. Was ich fantastisch finde.

Welchen Rat würdest du jemandem geben, der hofft, mit Aufnahmen Karriere zu machen?

Die Welt der Musik ist ein People Business. Du musst Leute treffen. Wenn du nur für dich selbst produzierst, verpasst du etwas. Du wirst der Zeit hinterherhinken. Dein Material wird nicht so gut sein, wie es für alle anderen sein könnte. Es wird nur für dich gut sein.

Finde die Leute, die arbeiten, die etwas zustande bringen. Labels, A&R-Vertreter, Musikverantwortliche bei Fernsehsendern und Filmen … Du musst den Musikredakteur nicht einmal persönlich kennen. Finde einfach heraus, wer sein Assistent ist.

Du musst rausgehen und Leute treffen. Das musst du. Sonst machst du nur Musik, teilst sie mit deinen 300 Freunden auf Facebook und gehst zurück zu deinem normalen Job.

Du ziehst im September nach LA. Wohin wird dich dieser Wechsel führen?

Es gibt viele Leute, die nach L.A. ziehen und dann weggehen wie ein Grashalm, der sich im Wind dreht. Ich will nicht, dass das mit mir passiert. Ich möchte einen Eindruck hinterlassen. Ich denke, das erreicht man, indem man Allianzen eingeht. Ich glaube nicht, dass man das im Sinne der alten Schule macht, wo es einen Wettbewerb um Auftritte gibt und die Leute hinterhältig und zwielichtig sind. Das ist es, was die ganze Plattenindustrie zu Fall gebracht hat – mehr noch als das Raubkopieren. Das ist einfach ein schlechtes Geschäft. Ich möchte positive Verbindungen und echte Freundschaften aufbauen, die allen helfen. Meine ganze Karriere basiert auf der Idee, dass man erfolgreich wird, wenn man sich mit Erfolg umgibt.

Was konkret passieren muss, ist, dass ich einen kommerziellen Platz finden muss. Ich möchte irgendwo sein, wo es andere Menschen gibt. Ich will das nicht mehr alleine machen. Ich möchte einen Junior-Ingenieur und einen Assistenten finden. Ich möchte von Leuten umgeben sein, die mich und das, was ich tue, größer und besser machen. Ich möchte, dass es ein Geschäft ist. Ich möchte, dass es ein Team ist.

Das ist erfrischend zu hören. Ich habe fünf Jahre in New York verbracht, und da hatte ich oft das Gefühl, dass jeder nur auf sich selbst aus ist. Das habe ich nicht mehr erlebt, seit ich nach L.A. gezogen bin.

Deshalb hat New York auch so viele Probleme gehabt. Viele Studios haben geschlossen, und viele Toningenieure sind weggegangen.

Ich bin sehr wettbewerbsorientiert. Ich will jeden Gig gewinnen, bei dem ich mitmache. Aber ich will nicht wegen der Politik gewinnen, oder weil ich die Schwester von so-und-so kenne. Nichts von alledem. Ich will gewinnen, weil ich es besser gemacht habe als der andere. Wenn die andere Person gewinnt und den Rest des Rekords bekommt, dann möchte ich, dass sie dafür gearbeitet und es erreicht hat. In diesem Prozess, auch wenn wir alle ein bisschen Gig-Roulette spielen, wird das Feld insgesamt besser. Es wird ein besseres Umfeld für uns, in dem wir existieren können. Bedeutet das, dass ich vielleicht manchmal ein kleineres Stück vom Kuchen abbekomme? Vielleicht.

Aber ein größeres Stück? Das ist etwas, was wir alle wollen.

Für mehr über Matthew Weiss besuchen Sie seine Website, lesen Sie seine Artikel auf The Pro Audio Files oder bestellen Sie eines seiner Premium-Mixing-Tutorials.