Min seneste YouTube-video er endnu en video om at handle ‘realistisk’. I denne video siger jeg, at jeg har samlet fire simple tips, som vil hjælpe os med at agere så realistisk som muligt på skærmen. Når det er sagt, så er der langt flere tips end dette. Når jeg taler om at agere ‘realistisk’, taler jeg også om at agere som et naturligt menneske i det virkelige liv ville agere. Som jeg har skrevet om i et tidligere blogindlæg (og nævnt i en tidligere video) er det at agere realistisk lidt af en selvmodsigelse, for skuespil er slet ikke realistisk. Du kan dog handle på en realistisk måde, eller på en naturalistisk måde, men jeg digresser. Grundlæggende: Vi ved alle sammen, hvad vi mener med at agere realistisk.

Lag

Det første tip, jeg har lært om fra forskellige skuespillerkurser og af erfaring, handler om kontrasterende lag. Disse skal være til stede i din optræden, hvis du skal spille overbevisende. Jeg har lært fra workshops, at casting directors LIGE kontrasterende lag hos en skuespiller (noget at tænke over!). Mennesker er komplekse og flerdimensionelle, de tænker mange forskellige ting på en gang, som regel. Så for at kunne spille realistisk må vi overveje, hvordan mennesker i det virkelige liv er en blanding af kontrastfyldte (eller endda modstridende) lag, tanker eller følelser, som kan ses i øjnene. Vi kan repræsentere en sådan kompleksitet i vores skuespil via lag.

Layering er ideen om, at det, du tænker eller føler, og det, du siger eller gør, kan være kontrasterende (eller endda modstridende) ting. Det er også nyttigt, hvis du ikke kan få adgang til en bestemt tanke: Måske bryder din karakter loven, og du kan bare ikke få adgang til denne tanke stærkt nok, fordi du ikke kan forholde dig til din karakters handlinger. Nå, men som skuespiller kan du måske vælge at inkorporere uudtalt skyld i dette tilfælde (dette er blot et eksempel). Denne uudtalte skyld vil tilføje et modsætningsfyldt lag til den ulovlige karakter, som vil gøre vedkommende mere tredimensionel og måske endda mere relaterbar for publikum. Hvis du ønsker at spille realistisk, vil du uundgåeligt have en smule af “dig selv” i din portrættering af enhver karakter, du spiller, alligevel. For eksempel kan det være, at du spiller en detektiv, der efterforsker et mord og tror, at han/hun ved, hvem der har gjort det, og når du afhører din mistænkte, taler og opfører du dig måske roligt og ligegyldigt (fordi det er detektivens job), men samtidig føler du måske had eller afsky over for din mistænkte. Disse indre tanker vil kun vise sig i dine øjne. Og disse indre tanker vil stå i kontrast til dit ydre (eller den facade, du lægger ud). Du kan sige noget simpelt, der kan betyde hvad som helst, f.eks. “og dit navn er?” Men hvis du siger denne sætning med had og afsky i tankerne, så tilføjer du subtekst til denne sætning. Det bliver mindre om at spørge om nogens navn og mere om at lade publikum vide, at din karakter ikke kan lide denne ‘nogen’. På samme måde, hvis din karakter har ondt af den mordmistænkte og ikke tror, at han/hun har gjort det, så kan han/hun stille spørgsmålet med medlidenhed. Dette står i kontrast til det ydre detektiv-ekstern, der også fortæller publikum mere om den måde, din karakter føler for situationen.

Dette er selvfølgelig et simpelt eksempel på lagdeling. Layering kan blive mere komplekst: Du kan lægge flere følelser oven på hinanden, og de kan kæmpe om det bag øjnene. Folk i det virkelige liv er sjældent åbne og ærlige, så hvis vi som skuespillere skal portrættere en karakter realistisk, skal vi tænke på alle de modstridende lag, der gør en person menneskelig. Der er ofte ikke altid én indre følelse i en person: Folk er usikre på situationer, de kan lide aspekter af et scenarie og ikke kunne lide andre aspekter et splitsekund senere, de skammer sig over sig selv, er stolte af sig selv, tænker på, hvad de skal lave, når de forlader det rum, de er i, tænker på, hvor de lige er kommet fra, måske er de sultne og tænker på, hvad de skal have at spise senere.

Mennesker er sjældent opmærksomme og lever i nuet, og de dømmer konstant deres omgivelser, andre mennesker og sig selv. Indre tanker eller følelser er rigelige og ofte i modstrid med dem selv. Desuden står disse modstridende tanker og følelser i kontrast til en persons ydre facade: hvordan de præsenterer sig selv over for andre. Der er altid en uoverensstemmelse mellem en persons indre og ydre, og det ydre ændrer sig i forskellige kontekster/eksterne omstændigheder (og jeg formoder, at det indre også ændrer sig i forbindelse hermed). F.eks. præsenterer du dig selv på én måde til en jobsamtale, og det vil være anderledes end den måde, du måske præsenterer dig selv på en første date (måske… du forstår).

Layering indebærer, at du gennemsyrer din figurs dialog (eller monolog) med subtekst. Undertekst tilføjer uvægerligt dybde til portrættet af en karakter. Denne dybde handler mere om, hvad du tænker, og det kan ses i øjnene. Denne lagdeling af kontraster og subtekst tilføjer uforudsigelighed til en karakter: Vi ved ikke rigtig, hvad de tænker eller føler om en situation eller karakter, og derfor kan vi ikke rigtig forudsige, hvad de vil gøre som det næste i en scene (selv om vi kan spekulere). Dårligt todimensionelt skuespil er kedeligt, fordi vi ved, hvad der er sket, før scenen er færdig. Komplekse karakterer med modstridende lag og subtekst er langt mere underholdende at se på end skuespillere, der matcher tanke og handling og spiller alting oprigtigt.

Gør det modsatte

Jeg lærte mit næste tip fra en skuespillerkursus, og det er at gøre det modsatte i øjeblikke med intense følelser. Med intense følelser mener jeg alt, hvor tingene bliver lidt mere dramatiske, såsom gråd, råb/arguering, grin, opstemthed, skræk, rædsel, hjertesorg. Hvis du tænker over det, så er det i sådanne øjeblikke, at håbefulde (nybegyndere) skuespillere svælger i det, de giver sig selv til den følelse, de tror, de skal portrættere, selv om det ikke er realistisk. Ligeledes ser det ikke realistisk ud: det ser ud som om, de spiller skuespil. I øjeblikke med så intense følelser er det imidlertid mere realistisk at spille væk fra dem: med andre ord, at spille det modsatte. Det vil øge den følelsesmæssige intensitet i scenen og gøre tingene mere underholdende for publikum. Hvis du f.eks. ønsker at spille bange, skal du ikke “spille bange”, du skal “spille modig” i en skræmmende situation. Hvis du vil spille en karakter, der griner, skal du ikke bare grine, du skal spille “vær sød ikke at grine”. Hvis du vil spille en karakter, der græder, skal du ikke bare græde, du skal spille “hold tårerne tilbage”. En person, der græder, lukker normalt ikke det hele ud, de holder tårerne tilbage, gråd er en sidste udvej. Der er en spænding mellem at græde og ikke at have lyst til at græde. Det betyder selvfølgelig ikke, at man ikke griner eller græder, når man spiller skuespil. Man er bare nødt til at tænke på disse bevægelser på en bestemt måde, hvis man ønsker at virke realistisk. Ting som tårer og grin som uddrivelser af overskydende energi og bør altid være et biprodukt, ikke et mål. Hvis man gør disse biprodukter til et mål, går de intense følelser, der ledsager disse biprodukter, tabt, fordi der simpelthen ikke tages højde for dem. Det eneste, du står tilbage med, er de tomme biprodukter, og det vil se ud, som om du simulerer det. Folk lader sjældent deres indre følelser vise sig, især når der er intense følelser involveret. Folk holder tårerne tilbage, opfører sig modigt, når de er skrækslagne. Når folk er kede af det, forsøger de at skjule det. Når folk er fulde, forsøger de at virke ædru.

Reagere på forandringer

Det tredje tip handler om at reagere på forandringer. Det er noget, jeg har lært i skuespilundervisning og lært i masterclasses med castingdirektører. Ofte vil der ske noget “nyt” i en scene: Der vil ske en ændring. Det kan være en faktuel ændring eller en følelsesmæssig ændring. F.eks. kan din karakter lære noget nyt om en anden karakter i scenen, måske kommer en anden karakter ind i rummet, eller måske sker der et skift i status mellem din karakter og en anden karakter. Sådanne ændringer vil påvirke underteksten i en scene, personernes status i scenen, kropssproget, din figurs mål, og hvordan de går til værks for at opnå dem; en karakter lærer måske noget nyt, som kan udgøre en forhindring for dem, eller måske kommer en anden person ind i scenen, og det hjælper din karakter med at opnå sit mål. Dette er blot eksempler.

Subtekst kan også påvirkes, når der sker en ændring i løbet af en scene: for eksempel vil det at sige “hej, rart at møde dig” til en ny bekendt lyde ekstremt belastet, hvis din karakter et øjeblik før indser, at denne nye bekendt har en affære med din karakters kæreste.

Status kan ændre sig, hvis en karakter ved noget, som den anden ikke ved: den, der ved mere, har normalt en højere status. Tænk på det: Under en gidselscene ser den person, der holdes fanget, en politimand ankomme udenfor, men det gør fangevogteren ikke. Der er et mærkbart skift eller en ændring i kropssproget, når offeret, der holdes fanget, har håb og ved, at de nu har overtaget. Fangevogteren ændrer sig ikke, men i forhold til offeret er der et visuelt skift i status. Dette scenarie er overbrugt i dramaer og film, så I ved uden tvivl alle sammen, hvad jeg mener.

Som sådan påvirkes kropssproget af ændringer i løbet af en scene, uanset om din karakter får mere status eller en pludselig modvilje mod en anden karakter, vil dit kropssprog ændre sig. Ændringer i løbet af en scene kan påvirke din figurs mål, den måde, de går til at opnå dette mål på, og status eller indsatserne i en scene (min skuespillelærer bliver ved med at sige, at ‘mål’ og ‘forhindringer’ er ‘Stanislavski 101’, så det vil jeg lige gennemtrumfe herinde).

Undervurder ikke små øjeblikke som f.eks. en anden karakter, der kommer ind i rummet i løbet af en scene: dette udgør en ændring, der kan påvirke flere karakteristika (kropssprog, subtekst, status). En person, der træder ind i rummet, vil altid være bemærkelsesværdig, ligesom det er i det virkelige liv. På samme måde må du ikke foregribe en ændring i scenen (begynd ikke at spille ændringerne, før der er en grund til det). Husk: Din karakter ved ikke, hvad der vil ske næste gang, selv om du (skuespilleren) ved det. Aspirerende skuespillere i begyndelsen glemmer ofte at reagere på ændringer, fordi de naturligvis allerede ved, hvad der skal ske i scenen: De vil enten lade deres karakter reagere for tidligt på noget, der er ved at ske, eller de vil måske ikke indse, at der er sket en ændring for deres karakter, og at tingene skal gribes anderledes an. Der er meget at huske at indarbejde, når det gælder om at reagere på ændringer i en scene, så for nu vil jeg opsummere som følger:

• Lyt (nej, lyt virkelig)
• Reagere på den anden skuespiller
• Skuespil er mere end at tale
• Reagere, når din karakter ikke taler

Kend DIT mål såvel som din karakter

Mit fjerde tip er at kende DIT mål og ikke kun din karakter. Jeg har indset dette tip efter meget tænkning og læsning og skuespil. Bare fordi du ikke spiller realistisk, betyder det ikke, at du er dårlig til at spille skuespil. Definitionen af “realistisk” i kunsten har alligevel ændret sig med tiden. Faktisk bruges udtrykket “realistisk” ikke engang, når man taler om den slags ting: Folk har en tendens til at bruge “realisme”, som også er notorisk svært at definere. Jeg har kun brugt udtrykket “realistisk” her, fordi “hvordan man opfører sig realistisk” er et populært søgeord. Alle vil åbenbart gerne kende svaret på dette spørgsmål.

Teaterudøveren Bertolt Brecht hævdede, at hans teaterstil (fyldt med modsætninger og fremmedgørelse og kontrasterende gestus) var bedre til at skildre virkeligheden i det tyvende århundrede, fordi den tilbød en række forskellige perspektiver og tvang tilskuerne til at tænke over det, de så, i stedet for at blive opslugt midt i en historiefortælling og glemme, at de så et stykke. Men vi ville ikke kalde Brechtiansk skuespil for “realistisk” skuespil. Eller ville vi? Det er dog en anden type skuespil end Stanislavskis system.

Jeg tror, der er forskel på at spille noget realistisk og at spille noget oprigtigt. Man kan f.eks. spille noget oprigtigt, hvor man tror, at karakteren eksisterer i den scene i det øjeblik, men det er stadig ikke realistisk. På samme måde kan man spille noget “realistisk”, men karakteren er uoprigtig. Du ved, at de lyver – de modsiger sig selv. De er svære at få fat i. Men sådan opfører folk sig i det virkelige liv, og det virker realistisk, selv om skuespilleren på trods af en så præcis gengivelse spiller skuespil, og det hele alligevel ikke er virkeligt!

Min pointe her er, at du skal vide, hvad det er, du vil gøre i din forestilling. Hvis det skal virke ægte og som om du slet ikke spiller skuespil, så skal du vide, hvordan folk opfører sig i det virkelige liv: observere dem, observere dig selv. Nye skuespillere gør altid noget urealistisk, noget, der ikke er normalt. Men nogle af dem gør det oprigtigt, og det er ikke dårligt skuespil, det er bare ikke “realistisk” skuespil. Hvis du vil optræde, som du ville gøre i det virkelige liv, så lær at finde ud af, hvordan du er i det virkelige liv.

Dee Cannon skriver i In-depth Acting:

‘Hvis du ønsker at være en skuespiller, der viser stor dybde i dine karakterer, så kan jeg ikke understrege nok, hvor afgørende det er at finde den følelsesmæssige dybde i dig selv. jo rigere du bliver som person, jo rigere vil du være og vokse som skuespiller.’

Dee Cannon, i In-depth Acting, s. 19

Jeg tror, at det er afgørende at vide, hvordan du selv opfører dig naturligt, hvis du ønsker at spille realistisk, eller rettere sagt, fremstå som om du slet ikke spiller skuespil.

Abonner på min YouTube-kanal