Hvis du har brugt noget tid på at gennemsøge YouTube efter tutorials om mixning, er du sandsynligvis stødt på Matthew Weiss.

Ud over at være en Grammy-nomineret og Spellemann Award-vindende mixer er Matthew en eminent tænker om processen i moderne pladeproduktion. Han har skrevet over 200 artikler, der afmystificerer en bemærkelsesværdig bred vifte af emner – fra komprimering af vokal til klipning af kicks. Hans førsteklasses mixing tutorials er blandt de bedste tilgængelige.

Vi satte os sammen for nylig for at diskutere håndværket og forretningen bag mixing af plader.

Du voksede op i Philly. Havde det indflydelse på lyden af dine plader? Hvordan lyder en Matthew Weiss-plade?

Philly er en jazzby. Når man er involveret i den scene på et eller andet niveau, begynder man at høre musikken som en samtale mellem spillerne, i modsætning til noter på en side eller tekster med et beat. Jeg tænker på musik som en samtale. Jeg vil tilskrive det min opvækst.

Men hvad angår min lyd, er det, hvad sangen kalder på. Nogle gange er det stort og glansfuldt. Andre gange er det beskidt og mærkeligt, og trommerne er panoreret ud til en højttaler. Det afhænger virkelig.

Nogle mixere, som Chris Lord-Alge, er kendt for at have et karakteristisk sonisk fodaftryk. Andre er stolte af at være kamæleoner. Det lyder som om, at du har en tendens til det sidste.

Jeg befinder mig midt imellem. Jeg synes, jeg har en tydelig lyd – den er bare svær at sætte ord på. Chris’ lyd er lidt nemmere at definere, fordi han er sådan en overbærende mixer. Han tager sine visuelle skyklapper på og sine øre-skyklapper helt af. Han skruer for helvede på de knapper. Mere magt til ham – det er en fantastisk måde at mixe på. Men han er lidt nemmere at sætte en finger på. Jeg tror, at nogen kunne vælge mit mix ud fra et lineup, men jeg tror ikke, at det ville være let at sige, hvad der afslørede det.

Jeg hører en masse subtil mætning og forvrængning i dine mixes. Hvordan griber du det an, når du tilføjer karakter?

Da jeg var på vej op som assistent og praktikant, brugte jeg meget tid på at mixe på en API-konsol. Den tingest havde tone. Jo længere man skubbede en fader opad, jo mere ændrede mellemtonen sig. Hvis du klikkede en EQ ind, ændrede den nederste mellemtone sig, og den øverste ende ændrede sig. Man behøvede ikke engang at lave nogen EQ.

I dag mixer jeg i boksen med et hybrid-setup, og forvrængningen er der ikke. Så jeg er begyndt at eksperimentere i den retning. Jeg har fundet ud af, at tilføjelse af lidt subtil mætning virkelig kan bringe en lyd til live. Det giver tingene tone eller karakter, på samme måde som en konsol naturligt ville gøre det. Bortset fra at jeg nu har meget mere kontrol over præcis, hvad den lyd er.

Har du nogle tips til at bruge mætning i et mix?

Forsøg at tilføje det først i kæden, før din EQ. Mætning vil skabe et tonalt skift, uanset hvad du gør. Nogle gange er dette skift subtilt, så du opdager det ikke nødvendigvis med det samme. Lad os f.eks. sige, at du tilføjer noget FET-stilmætning til en vokal. Du vil måske opdage, at en vis glød begynder at dukke op omkring 800 Hz. Hvis du tilføjer mætningen i slutningen af din kæde, kan vokalen løfte sig fremad på en mindre behagelig måde. Men hvis du tilføjer den først, kan du fjerne den ekstra smule tonale forskydning med en EQ. Så får du en pænt afbalanceret vokal med lidt ekstra harmonisk saft.

Det giver rigtig god mening.

Ja. Der er også mange mennesker, der ikke længere sporer med kompression eller EQ. De gør det hele i mixet. Så disse stadier af mætning, som normalt ville være til stede før din EQ, er der ikke længere. Men indtil for ca. 5 år siden var det ikke tilfældet. Da musikken har eksisteret på den anden måde i årtier, tror jeg, at vi er blevet vant til den lyd.

Du nævner, at der bliver overladt meget mere til mixet. Oplever du, at du bruger mere behandling i dag, end du gjorde for 5 eller 10 år siden?

Der er to ting, der sker. På den ene side får akustiske instrumenter og kilder mindre behandling på forsiden, og de skal generelt formes mere i mixet. Men på den anden side bliver mere af instrumentationen skabt med bløde synths og samples, der er omhyggeligt designet af produceren. Så mens de akustiske elementer kræver mere arbejde og mere lyddesign, kræver de programmerede elementer mindre.

Jeg arbejdede lige på dette popmix. Vokalen har seks tilfælde af behandling – EQ, kompression, reverb … jeg kan ikke engang huske hvad mere. Og så har du synthesizerne, hvor der bogstaveligt talt ikke er nogen behandling overhovedet. Det er interessant at se det ske.

Lad os tale om dine mentorer. Du giver en masse kredit til Mark Marshall, Bobby Eli og Denise Barbarita. Hvad er nogle af de ting, du har lært af dem? For nogen, der starter i dag, er mentorskab stadig relevant?

Mentorskab er mere relevant i dag, end det nogensinde har været. Jeg tror ikke, at der er nogen rigtig måde at lære denne branche på uden vejledning. Hvis du gør det på egen hånd, ved du ikke engang, hvad der er vigtigt at lære. Og så er man stadig nødt til at lære det.

Mark er en fantastisk producer, og han er faktisk døv på det ene øre. Han lytter kun til opførelsen og arrangementet. De optrædener, han får, de ting, han vælger at fremhæve fra disse optrædener, og den måde, han placerer tingene niveaumæssigt i sine arrangementer, er alle spot on. En stor del af min fornemmelse for at behandle sangen kom fra Mark.

Som mixingeniører er det vigtigt at huske, at lyden faktisk er sekundær. Vores egentlige opgave er at tage en præstation, uanset om den er programmeret eller live, og få den til at overføres til højttalerne på den måde, som det var meningen, at den skulle. For at gøre det er vi nødt til at komme i kontakt med selve sangen.

Jeg synes, det er så vigtigt at huske det. Som ingeniører bliver vi ofte så optaget af den tekniske side af tingene, at vi glemmer, hvad det egentlig er, vi laver.

Det er ikke kun ingeniører. Kunstnere, A&R’er, producenter … de bliver også fanget i det. Vi er alle så besat af at opnå denne perfekte lyd. Vi glemmer, at musikken i sig selv er en unik levende organisme.

Hvad er den største udfordring ved at mixe en plade i dag?

Sommetider dukker et råmix op, og din klient forelsker sig i det. De bliver så besat af den, at du kun kan nå dertil, hvis din egen naturlige smag tilfældigvis stemmer overens med den rå mix. Hvilket ikke sker så ofte.

Det er sjovt… det skete for mig i sidste uge.

Det er fordi de beslutninger, der skulle træffes, ikke blev fastlagt, før sporet kom til dig. Så beslutningerne, som er subjektive, ender i din boldgade. Og det bliver et spørgsmål om, hvad du vil have. Og det vil ikke altid være i overensstemmelse med det, som kunstneren ønsker.

Hvis man gør det på den måde, ender man med at skulle hyre en anden mixer for hver sang. Ellers får du aldrig den bedre version af det rå materiale, som du er ude efter.

Medmindre du begynder at forpligte dig til ting på forhånd. Det er det, som producenter og kunstnere virkelig skal begynde at gøre.

Når du lytter til råmaterialet, hvad går der så gennem dit hoved?

Jeg spørger mig selv – hvad er formålet med denne plade? Hvad er det meningen, at den skal få lytteren til at gøre? Jeg forsøger at finde frem til følelser og følelser.

Derpå begynder jeg måske at fokusere på ting som f.eks. hvor niveauerne er indstillet. Det kan fortælle mig, hvad hovedinstrumentet er, eller hvilken atmosfære de tænker. Eller det gør det måske ikke. Alle har forskellige opfattelser af, hvad et råmix er. Det kan være blevet smidt sammen af nogen, som ikke havde nogen idé om, hvad de skulle gøre med det. Nogle gange elsker de det rå. Det kan være begge dele.

Jeg er mere interesseret i, hvad kunstneren forsøger at kommunikere, end hvordan det rå mix lyder. Jeg prøver at forstå, hvad følelserne og intentionerne med pladen er. Derefter kan jeg formulere mine egne meninger om, hvordan jeg bedst muligt kan omsætte dem gennem mixet.

Så du lader dig mere styre af følelserne og intentionerne i råmaterialet end af specifikke valg, der er truffet.

Helt nøjagtigt. De mennesker, der træffer disse valg, er sandsynligvis ikke mixingeniører. Hvorfor gifte sig med et mix, der er lavet af en person, der ikke mixer?

Jeg kæmper med dette. Nogle gange tager jeg et mix i en retning, der ender med at være anderledes end det, kunden ønsker. Så ender man med at lave så mange ændringer i revisionsprocessen, at det mister sin sjæl.

Oh mand, det hader jeg. Jeg kalder det “død ved revisioner”. Man kan virkelig miste essensen af pladen.

Nøglen er at gøre noget detektivarbejde på forhånd. Find ud af ved at lytte til det rå og kommunikere med kunden – hvor præcist er det her? Hvor meget skal vi holde os til det? Hvor meget kan vi holde os til det? Kan vi få det til at lyde sådan her på en god måde? Måske kan vi ikke. Måske er det ikke engang værd at prøve. Måske er vi ikke den rigtige mixer til jobbet.

Der er visse steder, hvor jeg trækker grænsen og siger – hvis det er det, du vil, kender jeg en masse fyre, der gør det godt, og jeg vil gerne sætte dig i kontakt med dem.

Vil du give det samme råd til en, der lige er begyndt?

Nej. Når man starter, har man brug for erfaring. Det omfatter også dårlige erfaringer. Man skal ikke give afkald på arbejde, når man lige er begyndt. Find ud af, hvilke forventninger kunden har, og opfyld dem. Punktum.

Når du gør det, giver det dig de værktøjer, du har brug for til at komme videre. Det gør dig i stand til at klare udfordringerne ved at arbejde med hårdere kunder i situationer med højere pres. Det gør dig også mere alsidig, fordi det tvinger dig til at gøre ting, som du ikke naturligt ville være tilbøjelig til at gøre.

Jeg vil gerne skifte gear for et øjeblik. Jeg har lært så meget af dine artikler og videoer om mixing. Jeg har lagt mærke til, at du ofte fokuserer mere på din tankeproces end på de specifikke beslutninger, du træffer. Hvorfor?

Jeg begyndte at blive aktiv online omkring 2008, da det meste af online-diskursen inden for lyd var “sådan her mixer du et kick… sådan her mixer du en snare”. Det var ikke fordi de ingeniører, der forklarede det, ikke var exceptionelle. De var bare forfærdelige til at forklare tingene. Fordi de aldrig behøvede at gøre det. De var ikke lærere.

Så da jeg begyndte at skrive, tænkte jeg mere i retning af – så vi kan gøre alle disse ting, men hvorfor? For eksempel, hvorfor tilføje sub til et spark? Måske prøver vi at få lytteren til at føle sparket fysisk. Måske vil den fysiske bevægelse … den påvirkning, som de føler, få dem til at bevæge sig som reaktion. Måske er det sådan, det fungerer ved dans. Eller måske er det faktisk forbindelsen mellem instrumenterne, der får dem til at danse. Måske har det intet med sparket at gøre. Det er meget vigtigt at kunne identificere det og give mening til det.

Hvis man lytter til plader fra 70’erne, havde man ikke brug for meget af en kickdrum. Samtalen mellem bassen og guitarerne og lommen fra trommerne var det, der fik folk til at danse. Du ville ikke bearbejde sparket på samme måde som i et EDM-nummer i dag, fordi det ikke var sangens hjerte. Og det var der, det gik op for mig – der er ikke én korrekt måde at behandle en kickdrum på. Der er kun kontekster, som et kick lever i. Det er vigtigere at tale om disse kontekster, og hvordan de påvirker de valg, vi træffer. Hvis vi kan begynde at se på tingene gennem denne linse, kan vi lave mere vellykkede plader.

Da jeg først begyndte at skrive, var det ikke noget, jeg bevidst fokuserede på. Det var mere en ubevidst reaktion på det, jeg ikke kunne lide. Hen ad vejen begyndte jeg at indse, vent lige lidt … der er faktisk noget at lære her. Hvordan og hvorfor, i modsætning til hvad, er langt vigtigere end hvad. Og nu, i 2016, er det blevet langt mere normalt at forklare tankeprocessen. Hvilket jeg synes er fantastisk.

Hvilket råd ville du give nogen, der håber på at gøre karriere inden for pladeindspilning?

Musikverdenen er et menneskefag. Man er nødt til at møde folk. Hvis du bare laver ting alene, går du glip af noget. Du kommer til at sakke bagud i forhold til tiden. Dine ting vil ikke være så gode, som de kunne være for alle andre. Det vil kun være godt for dig.

Find de mennesker, der arbejder, som får tingene gjort. Labels, A&R-repræsentanter, musikansvarlige for tv-stationer og film…du behøver ikke engang at kende musikredaktøren personligt. Bare find ud af, hvem deres assistent er.

Du er nødt til at gå ud og møde folk. Det er du nødt til. Ellers kommer du bare til at lave musik, dele den med dine 300 venner på Facebook og gå tilbage til dit daglige job.

Du flytter til LA til september. Hvor ser du, at denne overgang vil føre dig hen?

Der er mange mennesker, der flytter til LA og derefter forlader det som en tumling, der ruller i vinden. Jeg ønsker ikke, at det skal ske for mig. Jeg ønsker at gøre et indtryk. Det tror jeg, at man gør ved at danne alliancer. Jeg tror ikke, at det sker på den gammeldags måde, hvor der er konkurrence om koncerter, og hvor folk er snedige og skumle. Det var det, der væltede hele pladebranchen til at begynde med – mere end piratkopiering. Det er bare dårlig forretning. Jeg ønsker at skabe positive forbindelser og ægte venskaber, som hjælper alle. Hele min karriere har været baseret på den idé, at hvis man omgiver sig med succes, bliver man succesfuld.

Med hensyn til, hvad der konkret skal ske, skal jeg finde et kommercielt rum. Jeg vil gerne være et sted, hvor der er andre mennesker. Jeg har ikke lyst til at gøre det her alene længere. Jeg ønsker at finde en junioringeniør og en assistent. Jeg vil være omgivet af mennesker, der gør mig og det, jeg laver, større og bedre. Jeg vil have, at det skal være en forretning. Jeg vil have det til at være et team.

Det er forfriskende at høre. Jeg tilbragte fem år i New York, og det føltes ofte som om, at alle var ude efter sig selv. Det har jeg ikke oplevet, siden jeg flyttede til LA.

Det er derfor, at New York har haft så mange problemer. Mange studier er lukket ned, og mange ingeniører er rejst.

Jeg er meget konkurrencedygtig. Jeg vil gerne vinde hver eneste koncert, som jeg spiller min hånd på. Men jeg ønsker ikke at vinde på grund af politik, eller fordi jeg kender den og den andens søster. Ikke noget af den slags. Jeg vil vinde, fordi jeg gjorde et bedre stykke arbejde end den anden person. Hvis den anden person vinder, og det er ham, der får resten af pladen, vil jeg gerne have, at det er, fordi han/hun har arbejdet for det og opnået det. I den proces bliver det samlede felt bedre, selv om vi alle spiller lidt gig-roulette, selv om vi måske alle spiller lidt gig-roulette. Det bliver et bedre miljø for os at eksistere i. Betyder det, at jeg måske får en mindre del af kagen nogle gange? Måske.

Men en større kage? Det er noget, vi alle er ude efter.

For mere om Matthew Weiss kan du besøge hans hjemmeside, tjekke hans artikler på The Pro Audio Files eller bestille en af hans førsteklasses tutorials om mixing.