Min senaste YouTube-video är ännu en video om att agera ”realistiskt”. I den här videon säger jag att jag har sammanställt fyra enkla tips som hjälper oss att agera så realistiskt som möjligt på skärmen. Med detta sagt finns det betydligt fler tips än så här. När jag talar om att agera ”realistiskt” talar jag också om att agera som en naturlig människa i verkliga livet skulle agera. Som jag har skrivit om i ett tidigare blogginlägg (och nämnt i en tidigare video) är det lite motsägelsefullt att agera realistiskt eftersom skådespeleri inte alls är realistiskt. Du kan dock agera på ett realistiskt sätt, eller på ett naturalistiskt sätt, men jag avviker. I grund och botten: vi vet alla vad vi menar med att agera realistiskt.

Lager

Det första tipset som jag har lärt mig om från olika skådespelarlektioner och av erfarenhet handlar om kontrasterande lager. Dessa måste finnas med i ditt framträdande om du ska kunna agera övertygande. Jag har lärt mig från workshops att casting directors LIKA kontrasterande lager hos en skådespelare (något att tänka på!). Människor är komplexa och flerdimensionella, de tänker många olika saker samtidigt, vanligtvis. Så för att agera realistiskt måste vi tänka på hur människor i verkliga livet är en blandning av kontrasterande (eller till och med motsägelsefulla) lager, eller tankar eller känslor, som kan ses i ögonen. Vi kan representera en sådan komplexitet i vårt skådespeleri via lager.

Lager är idén att det du tänker eller känner och det du säger eller gör kan vara kontrasterande (eller till och med motsägelsefulla) saker. Detta är också användbart om du inte kan få tillgång till en viss tanke: din karaktär kanske bryter mot lagen och du kan helt enkelt inte få tillgång till denna tanke tillräckligt starkt eftersom du inte kan relatera till din karaktärs handlingar. Som skådespelare kan du välja att införliva outtalad skuld i det här fallet (detta är bara ett exempel). Denna outtalade skuld kommer att lägga till ett motsägelsefullt lager till den olagliga karaktären som gör dem mer tredimensionella och kanske till och med mer relaterbara för en publik. Om du vill agera realistiskt kommer du oundvikligen att ha lite av ”dig själv” i din gestaltning av alla karaktärer du spelar ändå. Till exempel kanske du spelar en detektiv som utreder ett mord och tror sig veta vem som gjorde det, och när du intervjuar din misstänkte kanske du talar och agerar lugnt och likgiltigt (eftersom detta är en detektivs jobb), men samtidigt kanske du känner hat eller avsky mot din misstänkte. Dessa inre tankar kommer att visa sig enbart i dina ögon. Och dessa inre tankar kommer att stå i kontrast till ditt yttre (eller den fasad du visar upp). Du kanske säger något enkelt som kan betyda vad som helst, till exempel: ”och ditt namn är?” Men om du säger denna replik med tanke på hat och avsky så lägger du till subtext till denna replik. Det blir mindre om att fråga efter någons namn och mer om att låta publiken veta att din karaktär inte gillar denna ”någon”. På samma sätt, om din karaktär tycker synd om den mordmisstänkte och inte tror att han eller hon har gjort det, kan han eller hon ställa frågan med medlidande. Detta står i kontrast till det yttre detektivutseendet som också berättar mer för publiken om hur din karaktär känner för situationen.

Det här är förstås ett enkelt exempel på skiktning. Layering kan bli mer komplext: du kan lägga flera känslor ovanpå varandra och de kan slåss om det bakom ögonen. Människor i det verkliga livet är sällan öppna och ärliga och därför måste vi som skådespelare, om vi ska gestalta en karaktär realistiskt, tänka på alla dessa motsägelsefulla lager som gör en person mänsklig. Det finns ofta inte alltid en enda inre känsla hos en person: människor är osäkra på situationer, de kan tycka om vissa aspekter av ett scenario och ogilla andra aspekter en bråkdel av en sekund senare, de skäms över sig själva, de är stolta över sig själva, de tänker på vad de måste göra när de lämnar rummet de befinner sig i, de tänker på var de just har kommit ifrån, de kanske är hungriga och undrar vad de ska ha att äta senare.

Människor är sällan uppmärksamma och lever i nuet, och de dömer ständigt sin omgivning, andra människor och sig själva. Inre tankar eller känslor är rikliga och ofta motsägelsefulla med sig själva. Dessutom står dessa motsägelsefulla tankar och känslor i kontrast till en karaktärs yttre fasad: hur de presenterar sig för andra. Det finns alltid en diskrepans mellan en persons inre och yttre, och det yttre förändras i olika sammanhang/externa omständigheter (och jag antar att det inre också förändras i samband med detta). Till exempel presenterar du dig själv på ett sätt på en anställningsintervju och detta skulle skilja sig från hur du kanske presenterar dig själv på en första dejt (kanske… du fattar).

Layering innebär att du genomsyrar din karaktärs dialog (eller monolog) med undertext. Undertexten ger alltid djup åt skildringen av en karaktär. Detta djup handlar mer om vad du tänker, och det kan ses i ögonen. Detta lager av kontraster och subtext ger en karaktär oförutsägbarhet: vi vet inte riktigt vad de tänker eller känner om en situation eller karaktär, och därför kan vi inte riktigt förutse vad de kommer att göra härnäst i en scen (även om vi kan spekulera). Dåligt tvådimensionellt skådespeleri är tråkigt eftersom vi vet vad som har hänt innan scenen är slut. Komplexa karaktärer med motsägelsefulla lager och undertext är mycket mer underhållande att titta på än skådespelare som matchar tanke med handling och spelar allt uppriktigt.

Gör det motsatta

Jag lärde mig mitt nästa tips från en lektion i skådespeleri, och det är att göra det motsatta i ögonblick av intensiva känslor. Med intensiva känslor menar jag allt där saker och ting blir lite mer dramatiska, till exempel gråt, skrik/argumentation, skratt, upprymdhet, skräck, hjärtesorg. Om du tänker på det, i sådana ögonblick sväljer sig aspirerande (nybörjar)skådespelare i det, de ger sig hän åt den känsla som de tror att de ska gestalta även om den inte är realistisk. På samma sätt ser det inte heller realistiskt ut: det ser ut som om de spelar skådespeleri. I ögonblick av sådana intensiva känslor är det dock mer realistiskt att spela bort dem: med andra ord, spela motsatsen. Detta kommer att öka den känslomässiga intensiteten i scenen och göra det mer underhållande för publiken. Om du till exempel vill spela rädd, spelar du inte ”rädd” utan ”modig” i en skrämmande situation. Om du vill spela en karaktär som skrattar skrattar du inte bara, du spelar ”skratta inte”. Om du vill spela en karaktär som gråter, gråter du inte bara, utan spelar ”håll tillbaka tårarna”. En person som gråter brukar inte släppa ut allt, utan håller tillbaka tårarna, gråt är en sista utväg. Det finns en spänning mellan att gråta och att inte vilja gråta. Det betyder naturligtvis inte att man inte skrattar eller gråter när man spelar. Man måste bara tänka på dessa rörelser på ett visst sätt om man vill verka realistisk. Saker som tårar och skratt som utlopp för överskottsenergi och bör alltid vara en biprodukt, inte ett mål. Om du gör dessa biprodukter till ett mål går den intensiva känslan som åtföljer dessa biprodukter förlorad eftersom den helt enkelt inte tas med i beräkningen. Allt du har kvar är de tomma biprodukterna och det kommer att se ut som om du fejkar. Människor låter sällan sina inre känslor visa sig, särskilt när det är intensiva känslor inblandade. Människor håller tillbaka tårar, agerar modigt när de är livrädda. När människor är ledsna försöker de dölja det. När människor är berusade försöker de verka nyktra.

Reagera på förändringar

Det tredje tipset handlar om att reagera på förändringar. Detta är något som jag har fått lära mig på skådespelarlektioner och lärt mig i masterclasses med casting directors. Ofta kommer något ”nytt” att hända i en scen: det kommer att ske en förändring. Det kan vara en saklig förändring eller en känslomässig förändring. Din karaktär kan till exempel lära sig något nytt om en annan karaktär i scenen, en annan karaktär kanske kommer in i rummet eller så sker det en statusförändring mellan din karaktär och en annan karaktär. Sådana förändringar påverkar subtexten i en scen, statusen för karaktärerna i scenen, kroppsspråket, din karaktärs mål och hur de går tillväga för att uppnå dem; en karaktär kanske lär sig något nytt som kan utgöra ett hinder för dem, eller kanske någon annan kommer in i scenen och detta hjälper din karaktär att uppnå sitt mål. Detta är bara exempel.

Subtexten kan också påverkas när det sker en förändring under en scen: att till exempel säga ”hej, trevligt att träffa dig” till en ny bekantskap kommer att låta extremt laddat om din karaktär en stund tidigare insåg att den nya bekantskapen har en affär med din karaktärs partner.

Statusen kan förändras om en karaktär vet något som den andra inte vet: den som vet mer har vanligtvis en högre status. Tänk på det: under en gisslanscen ser personen som hålls som fånge en polisman som anländer utanför, men det gör inte fångvaktaren. Det finns ett märkbart skifte eller en förändring i kroppsspråket när offret i fångenskap får hopp och vet att de nu har övertaget. Fångaren förändras inte, men relativt sett, jämfört med offret, sker ett visuellt skifte i status. Det här scenariot överanvänds i dramer och filmer så ni vet säkert alla vad jag menar.

Som sådant påverkas kroppsspråket av förändringar under en scen, oavsett om din karaktär får mer status eller en plötslig motvilja mot en annan karaktär, kommer ditt kroppsspråk att förändras. Förändringar under en scen kan påverka din karaktärs mål, hur de går tillväga för att uppnå det målet och statusen eller insatserna i scenen (min skådespelarlärare säger hela tiden att ”mål” och ”hinder” är ”Stanislavski 101”, så jag ska bara ta med det här).

Underskatta inte små ögonblick, till exempel när en annan karaktär kommer in i rummet under en scen: detta innebär en förändring som kan påverka flera egenskaper (kroppsspråk, subtext, status). Att någon kommer in i rummet kommer alltid att vara anmärkningsvärt, precis som i det verkliga livet. På samma sätt ska du inte föregripa en förändring i scenen (börja inte agera förändringarna innan det finns en anledning till det). Kom ihåg: din karaktär vet inte vad som kommer att hända härnäst även om du (skådespelaren) vet det. Aspirerande skådespelare som börjar glömmer ofta att reagera på förändringar eftersom de naturligtvis redan vet vad som kommer att hända i scenen: antingen får de sin karaktär att reagera i förtid på något som är på väg att hända, eller så inser de kanske inte att det har skett en förändring för deras karaktär och att saker och ting måste hanteras på ett annat sätt. Det finns mycket att komma ihåg att införliva när det gäller att reagera på förändringar i en scen, så för tillfället sammanfattar jag det på följande sätt:

• Lyssna (nej, lyssna verkligen)
• Reagera på den andra skådespelaren
• Skådespeleri är mer än att prata
• Reagera när din karaktär inte pratar

Vissa om DITT mål såväl som din karaktärs

Mitt fjärde tips är att veta DITT mål, inte bara din karaktärs mål. Jag har insett det här tipset efter mycket tänkande, läsning och skådespeleri. Bara för att du inte agerar realistiskt betyder det inte att du är dålig på att agera. Definitionen av ”realistisk” inom konsten har ändå förändrats med tiden. Faktum är att termen ”realistisk” inte ens används när man talar om den här typen av saker: folk brukar använda ”realism”, som också är notoriskt svårt att definiera. Jag har bara använt termen ”realistiskt” här eftersom ”hur man agerar realistiskt” är en populär sökterm. Alla vill veta svaret på den här frågan verkar det som.

Teaterutövaren Bertolt Brecht hävdade att hans teaterstil (fylld av motsägelser och alienation och kontrasterande gester) var bättre på att skildra 1900-talets verklighet eftersom den erbjöd en mängd olika perspektiv och tvingade åskådarna att tänka på vad de tittade på i stället för att bli uppslukade av en handlingslinje och glömma bort att de tittade på en pjäs. Men vi skulle inte kalla Brechtianskt skådespeleri för ”realistiskt” skådespeleri. Eller hur? Det är dock en annan typ av skådespeleri än Stanislavskis system.

Jag tror att det finns en skillnad mellan att spela något realistiskt och att spela något uppriktigt. Man kan till exempel spela något uppriktigt där man tror att karaktären existerar i den scenen i det ögonblicket, men det är fortfarande inte realistiskt. På samma sätt kan man spela något ”realistiskt”, men karaktären är inte uppriktig. Du vet att de ljuger – de motsäger sig själva. Det är svårt att sätta fingret på dem. Men det är så här människor beter sig i det verkliga livet och det verkar realistiskt, även om skådespelaren, trots en sådan exakt representation, spelar skådespelare och det hela ändå inte är verkligt!

Min poäng här är att du måste veta vad det är du vill göra i din föreställning. Om det ska verka verkligt och som om du inte alls spelar, måste du veta hur människor agerar i det verkliga livet: observera dem, observera dig själv. Nya skådespelare gör alltid något orealistiskt, något som inte är normalt. Men en del av dem gör det uppriktigt, vilket inte är dåligt skådespeleri, det är bara inte ”realistiskt” skådespeleri. Om du vill agera som du skulle göra i det verkliga livet så lär dig hur du är i det verkliga livet.

Dee Cannon skriver i In-depth Acting:

”Om du vill vara en skådespelare som visar ett stort djup i dina karaktärer så kan jag inte nog betona hur viktigt det är att hitta det känslomässiga djupet inom dig själv. Ju rikare du blir som person, desto rikare kommer du att bli och växa som skådespelare.”

Dee Cannon, i In-depth Acting, s. 19

Jag tror att det är avgörande att veta hur man själv beter sig naturligt om man vill agera realistiskt, eller snarare se ut som om man inte agerar alls.

Prenumerera på min YouTube-kanal