Om du har tillbringat någon tid med att leta efter mixningshandledningar på YouTube har du troligen stött på Matthew Weiss.

Förutom att vara en Grammy-nominerad och Spellemann-prisbelönad mixare är Matthew en framstående tankeledare när det gäller den moderna skivtillverkningsprocessen. Han har skrivit över 200 artiklar som avmystifierar ett anmärkningsvärt brett spektrum av ämnen – från komprimering av sång till klippning av sparkar. Hans förstklassiga mixningshandledningar är bland de bästa som finns tillgängliga.

Vi satte oss nyligen ner för att diskutera hantverket och verksamheten bakom mixning av skivor.

Du växte upp i Philly. Har det påverkat ljudet på dina skivor? Hur låter en Matthew Weiss-skiva?

Philly är en jazzstad. När man är involverad i den scenen på någon nivå börjar man höra musik som en konversation mellan spelare, i motsats till noter på en sida eller texter med ett beat. Jag tänker på musik som en konversation. Jag skulle tillskriva det till min uppfostran.

När det gäller mitt sound drar jag mig till det som låten kräver. Ibland är det stort och glänsande. Andra gånger är det smutsigt och konstigt, och trummorna är panorerade till en högtalare. Det beror verkligen på.

Vissa mixare, som Chris Lord-Alge, är kända för att ha ett karakteristiskt ljudavtryck. Andra är stolta över att vara kameleonter. Det låter som om du dras till det sistnämnda.

Jag befinner mig mitt emellan. Jag tror att jag har ett distinkt sound – det är bara svårt att sätta ord på det. Chris sound är lite lättare att definiera, eftersom han är en så eftertänksam mixer. Han sätter på sina visuella skygglappar och tar bort sina öronskygglappar helt och hållet. Han vrider på de jävla rattarna. Mer kraft till honom – det är ett fantastiskt sätt att mixa. Men han är lite lättare att sätta fingret på. Jag tror att någon skulle kunna välja ut min mix ur en rad, men jag tror inte att det skulle vara lätt att säga vad som avslöjade den.

Jag hör mycket subtil mättnad och distorsion i dina mixar. Hur går du tillväga för att lägga till karaktär?

När jag kom upp som assistent och praktikant tillbringade jag mycket tid med att mixa på en API-konsol. Den saken hade en bra ton. Ju längre man tryckte upp en fader desto mer förändrades mellanregistret. Om du klickade in en EQ förändrades det nedre mellanregistret och toppregistret. Du behövde inte ens göra någon EQing.

I dag mixar jag i lådan med en hybriduppsättning, och distorsionen finns inte där. Så jag har börjat experimentera i den riktningen. Jag har upptäckt att om man lägger till lite subtil mättnad kan man verkligen väcka ett ljud till liv. Det ger saker och ting ton eller karaktär, på samma sätt som en konsol skulle göra på ett naturligt sätt. Förutom att jag nu har mycket mer kontroll över exakt vad det ljudet är.

Har du några tips för att använda mättnad i en mix?

Försök att lägga till den först i kedjan, före din EQ. Mättnad kommer att skapa en tonal förskjutning, oavsett vad du gör. Ibland är det skiftet subtilt, så du märker det inte nödvändigtvis direkt. Låt oss till exempel säga att du lägger till lite FET-mättnad till en sång. Du kanske märker att en viss glöd börjar dyka upp runt 800 Hz. Om du lägger till mättnaden i slutet av kedjan kan sången lyftas fram på ett mindre trevligt sätt. Men om du lägger till den först kan du jämna ut det där extra tonala skiftet. Då får du en fint balanserad sång, med lite extra harmonisk juice.

Det låter väldigt vettigt.

Ja. Dessutom är det många som inte längre spårar med kompression eller EQ. De gör allt i mixen. Så dessa stadier av mättnad som normalt skulle finnas före din EQ finns inte längre där. Men fram till för ungefär fem år sedan var det inte så. Eftersom musik har funnits på det andra sättet i årtionden tror jag att vi har blivit vana vid det ljudet.

Du nämner att mycket mer lämnas till mixen. Upplever du att du använder mer bearbetning i dag än du gjorde för fem eller tio år sedan?

Två saker händer. Å ena sidan får akustiska instrument och källor mindre behandling på framsidan och måste generellt sett skulpteras mer i mixen. Men å andra sidan skapas mer av instrumentationen med mjuka syntar och samplingar som är noggrant utformade av producenten. Så medan akustiska element kräver mer arbete och mer ljuddesign, kräver programmerade element mindre.

Jag arbetade just med den här popmixen. Sången har sex behandlingstillfällen – EQ, kompression, reverb… jag minns inte ens vad mer. Och sedan har du syntarna, där det bokstavligen inte finns någon bearbetning alls. Det är intressant att se det hända.

Låt oss tala om dina mentorer. Du ger mycket beröm till Mark Marshall, Bobby Eli och Denise Barbarita. Vad är några av de saker som du lärde dig av dem? För någon som börjar i dag, är mentorskap fortfarande relevant?

Mentorskap är mer relevant i dag än någonsin. Jag tror inte att det finns något riktigt sätt att lära sig den här branschen utan vägledning. Om du gör det på egen hand vet du inte ens vad som är viktigt att lära dig. Och sedan måste man ändå lära sig det.

Mark är en fantastisk producent, och han är faktiskt döv på ena örat. Han lyssnar bara på framförandet och arrangemanget. De framträdanden han får, de saker han väljer att lyfta fram från dessa framträdanden och hur han placerar saker nivåmässigt i sina arrangemang är alla pricksäkra. Mycket av min känslighet när det gäller att ta itu med låten kom från Mark.

Som mixtekniker är det viktigt att komma ihåg att ljudet faktiskt är sekundärt. Vårt egentliga jobb är att ta ett framförande, vare sig det är programmerat eller live, och få det att översättas till högtalarna på det sätt som det var tänkt. För att göra det måste vi komma i kontakt med själva låten.

Jag tycker att det är så viktigt att komma ihåg. Som ingenjörer blir vi ofta så upptagna av den tekniska sidan av saker och ting att vi glömmer vad vi egentligen gör.

Det är inte bara ingenjörer. Konstnärer, A&Rs, producenter… de fastnar också i det. Vi är alla så besatta av att uppnå detta perfekta ljud. Vi glömmer att själva musiken är en unik levande organism.

Vad är den största utmaningen med att mixa en skiva idag?

Ibland dyker det upp en grov mix och kunden blir förälskad i den. De blir så besatta av den att du bara kan nå dit om din egen naturliga smak råkar råka stämma överens med råmixen. Vilket inte kommer att hända så ofta.

Det är lustigt… det här hände mig precis förra veckan.

För att de beslut som behövde fattas inte var fastställda innan spåret kom till dig. Så besluten, som är subjektiva, hamnar i din bollplan. Och det blir en fråga om vad du vill ha. Och det kommer inte alltid att stämma överens med vad artisten vill.

Om man gör det på det sättet slutar det med att man måste anlita en annan mixer för varje låt. Annars kommer du aldrig att få den bättre versionen av råmaterialet som du är ute efter.

Om du inte börjar göra åtaganden i förväg. Det är vad producenter och artister verkligen måste börja göra.

När du lyssnar på råmaterialet, vad tänker du då på?

Jag frågar mig själv – vad är syftet med den här skivan? Vad ska den få lyssnaren att göra? Jag försöker avgöra känslor och känslor.

Därefter kanske jag börjar lyssna på saker som var nivåerna är inställda. Det kan berätta för mig vad huvudinstrumentet är, eller vilken atmosfär de tänker på. Eller så kanske det inte gör det. Alla har olika uppfattningar om vad en grov mix är. Den kan ha slängts ihop av någon som inte hade någon aning om vad han skulle göra med den. Ibland älskar de den grova mixen. Det kan vara antingen eller.

Jag är mer intresserad av vad artisten försöker kommunicera än hur den grova mixen låter. Jag försöker förstå vilka känslor och intentioner skivan har. Sedan kan jag formulera mina egna åsikter om hur jag bäst ska översätta dessa genom mixen.

Så du styrs mer av känslan och avsikten med råmaterialet än av specifika val som gjorts.

Exakt. De personer som gör dessa val är förmodligen inte mixingenjörer. Varför gifta sig med en mix som gjordes av någon som inte mixar?

Jag kämpar med detta. Ibland tar jag en mixning i en riktning som slutar med att bli annorlunda än vad kunden vill ha. Då slutar det med att man gör så många ändringar i revideringsprocessen att den förlorar sin själ.

Oh man, jag hatar det. Jag kallar det ”död genom revideringar”. Man kan verkligen förlora skivans essens.

Nyckeln är att göra lite detektivarbete i förväg. Ta reda på genom att lyssna på det grova materialet och kommunicera med kunden – hur exakt är det här? Hur mycket måste vi hålla oss till det? Hur mycket kan vi hålla oss till det? Kan vi få det att låta så här på ett bra sätt? Kanske kan vi inte det. Kanske är det inte ens värt att försöka. Kanske är vi inte den rätta mixern för jobbet.

Det finns vissa ställen där jag drar gränsen och säger – om det är det du vill ha, känner jag många killar som gör det här bra, och jag sätter dig gärna i kontakt med dem.

Skulle du predika samma råd till någon som precis har börjat?

Nej. När du börjar behöver du erfarenhet. Det inkluderar dåliga erfarenheter. Låt inte arbete passera när du precis har börjat. Ta reda på kundens förväntningar och uppfyll dem. Punkt.

När du gör det ger det dig de verktyg du behöver för att gå vidare. Det gör det möjligt för dig att möta utmaningarna med att arbeta med tuffare klienter i situationer med högre tryck. Det gör dig också mer mångsidig, eftersom det tvingar dig att göra saker som du inte naturligt skulle vara benägen att göra.

Jag vill byta växel för en stund. Jag har lärt mig så mycket av dina artiklar och videor om mixning. Jag har lagt märke till att du ofta fokuserar mer på din tankeprocess än på de specifika beslut du fattar. Varför?

Jag började bli aktiv på nätet runt 2008, när det mesta av diskursen på nätet inom ljud var ”så här mixar du en kick… så här mixar du en snare”. Detta berodde inte på att de ingenjörer som förklarade det inte var exceptionella. De var bara hemskt dåliga på att förklara saker och ting. Därför att de aldrig behövde göra det. De var inte lärare.

När jag började skriva tänkte jag mer i stil med – vi kan göra alla dessa saker, men varför? Till exempel, varför lägga till sub till en spark? Kanske försöker vi få lyssnaren att känna sparken fysiskt. Kanske den fysiska rörelsen … den påverkan som de känner kommer att få dem att röra sig som svar. Kanske är det så dans fungerar. Eller kanske är det faktiskt kopplingen mellan instrumenten som får dem att dansa. Kanske har det ingenting med sparken att göra. Att kunna identifiera det och förstå det är mycket viktigt.

Om man lyssnar på skivor från 70-talet behövde man inte mycket av en kickdrum. Konversationen mellan basen och gitarrerna och trummornas ficka var det som fick folk att dansa. Du skulle inte bearbeta sparken på samma sätt som du skulle göra i ett EDM-spår i dag, eftersom den inte var hjärtat i låten. Och det var då det gick upp för mig – det finns inte ett korrekt sätt att bearbeta en kickdrum. Det finns bara sammanhang i vilka en kick lever. Det är viktigare att prata om dessa kontexter och hur de påverkar de val vi gör. Om vi kan börja titta på saker och ting genom den här linsen kan vi göra mer framgångsrika skivor.

När jag började skriva var detta inte något som jag medvetet fokuserade på. Det var mer en omedveten reaktion på det jag inte gillade. Längre fram började jag inse, vänta lite… det finns faktiskt något att lära sig här. Hur och varför, i motsats till vad, är mycket viktigare. Och nu, 2016, har det blivit mycket mer vanligt att förklara tankeprocessen. Vilket jag tycker är fantastiskt.

Vilka råd skulle du ge någon som hoppas kunna göra karriär inom inspelning?

Musikvärlden är en människobransch. Du måste träffa människor. Om du bara skapar saker själv går du miste om något. Du kommer att hamna på efterkälken. Dina grejer kommer inte att vara lika bra som de skulle kunna vara för alla andra. Det kommer bara att vara bra för dig.

Finn människor som arbetar, som får saker gjorda. Skivbolag, A&R-representanter, musikansvariga för TV-stationer och filmer… du behöver inte ens känna musikredaktören personligen. Ta bara reda på vem som är deras assistent.

Du måste gå ut och träffa folk. Det måste du göra. Annars kommer du bara att göra musik, dela den med dina 300 vänner på Facebook och gå tillbaka till ditt dagjobb.

Du ska flytta till LA i september. Vart tror du att den här övergången tar dig?

Det finns många människor som flyttar till LA och sedan åker därifrån som en tumlare som rullar i vinden. Jag vill inte att det ska hända mig. Jag vill göra ett intryck. Jag tror att det görs genom att bilda allianser. Jag tror inte att det görs i den gamla skolans bemärkelse, där det råder konkurrens om spelningar och folk är lömska och skumma. Det var det som störtade hela skivindustrin till att börja med – mer än piratkopiering. Det är bara dåliga affärer. Jag vill skapa positiva kontakter och äkta vänskap som hjälper alla. Hela min karriär har byggt på idén att om man omger sig med framgång blir man framgångsrik.

När det gäller vad som konkret måste hända måste jag hitta ett kommersiellt utrymme. Jag vill vara någonstans där det finns andra människor. Jag vill inte göra det här själv längre. Jag vill hitta en junioringenjör och en assistent. Jag vill vara omgiven av människor som gör mig och det jag gör större och bättre. Jag vill att det ska vara ett företag. Jag vill att det ska vara ett team.

Det är uppfriskande att höra. Jag tillbringade fem år i New York och det kändes ofta som om alla var ute efter sig själva. Det har jag inte upplevt sedan jag flyttade till LA.

Det är därför New York har haft så mycket problem. Många studior har lagts ner och många ingenjörer har lämnat.

Jag är mycket tävlingsinriktad. Jag vill vinna varje spelning som jag spelar min hand på. Men jag vill inte vinna på grund av politik eller för att jag känner den och den andras syster. Inget av det där. Jag vill vinna för att jag gjorde ett bättre jobb än den andra personen. Om den andra personen vinner, och det är den som får resten av skivan, vill jag att det ska vara för att de har arbetat för det och uppnått det. I den processen, även om vi alla kanske spelar lite spelroulette, blir det övergripande fältet bättre. Det blir en bättre miljö för oss att existera i. Betyder det att jag kanske får en mindre del av kakan ibland? Kanske.

Men en större paj? Det är något vi alla är ute efter.

För mer information om Matthew Weiss, besök hans hemsida, kolla in hans artiklar på The Pro Audio Files, eller beställ en av hans förstklassiga mixing tutorials.