W 2019 r, było tylko jedno „ale”, które złamało internet i należało ono do Kendalla Roya.

Sedno „Sukcesji” Sezon 2 zawisło na jednym słowie, wypowiedzianym przez Jeremy’ego Stronga w finale, podczas przemówienia wygłoszonego na konferencji prasowej, na której Logan Roy (Brian Cox), patriarcha rodziny Roy i szef imperium Waystar Royco, został zgrabnie wrzucony pod autobus przez swojego (drugiego) najstarszego syna.

Scena – w której Kendall ma za zadanie dostarczyć napisaną wcześniej mowę działając jako kozioł ofiarny za złe uczynki całej korporacji, tylko po to, aby odwrócić scenariusz w ostatniej chwili – jest elektryzująca i wśród najlepszych momentów seria wyprodukowała do tej pory. I w tym Strong błyszczy, zasadniczo monologując do pokoju pełnego reporterów, a jednak, jak to często bywa w przypadku Kendall, całkowicie sam.

W ostatnim wywiadzie z IndieWire, Strong przeprowadził nas przez swój proces, od poznania łuku sezonu do zobaczenia końcowego produktu na ekranie, a wszystko to w pogoni za tym czystym aktorskim szczytem, jakim jest perfekcyjne przedstawienie momentu dla swojej postaci.

Nasza lekko zredagowana rozmowa z aktorem znajduje się poniżej.

IndieWire: Gdzie i jak zaczyna się dla Ciebie ten proces? Czy jest to moment, w którym po raz pierwszy spotykasz się ze scenariuszem?

Strong: Cóż, powiedziałbym, że zaczyna się on zanim jeszcze powstanie scenariusz. Zaczyna się od poznania ogólnego łuku sezonu.

Więc wiem, że jest to ostatnia nuta, na której zamykają się różne części sezonu. I wtedy to jest kwestia zakopania tej wiedzy i odblokowania sceny dla siebie w sposób, który czuje się nieunikniony, a także niespodzianką dla publiczności.

Ale z pewnością ten program zrobił rodzaj magicznej sztuczki w finale obu sezonów, gdzie jest naprawdę ważny punkt zwrotny; droga do Damaszku moment, gdzie jest głęboka i dramatyczna zmiana charakteru. Te momenty są najwspanialszą rzeczą, jaką można dać aktorowi, ale też najtrudniejszą, jak sądzę, do zrealizowania w pełni, ponieważ muszą wydarzyć się nagle i w tym samym czasie. Musisz nawlec tę igłę tak precyzyjnie i upewnić się, że wszystkie stacje drogi krzyżowej zostały naprawdę odprawione w drodze do celu.

Podczas czytania przy stole, pamiętam, że myślałem, „Och, ta scena będzie kwestią jednego lub dwóch ujęć i będzie tak jakby w kieszeni, ponieważ pisanie zajmie się mną.” Zbudowaliśmy całe to rusztowanie, żeby dojść do tego momentu i wszystko, co muszę zrobić, to wejść do pokoju i wygłosić konferencję prasową. A potem okazało się, że to było o wiele trudniejsze niż tego dnia.

Chyba naprawdę chodzi mi o to, że 95 procent pracy tej sceny polega na przygotowaniu gruntu pod nią w trakcie sezonu poprzedzającego ją, tak że kiedy przeszedłem przez te drzwi, poczułem się jak fait accompli dla mnie.

Graeme Hunter / HBO

Oglądając tę scenę przed tym wywiadem, współgra ona z tym, co czułem, gdy oglądałem ją po raz pierwszy. Pierwotnie patrzyłem na Kendalla i wydawało mi się, że on, dla wszystkich zamiarów i celów, jakby szedł na szubienicę. Po ponownym obejrzeniu tej sceny, nawet wiedząc, co się zaraz stanie, nadal pozostaje poczucie dwuznaczności. W tym momencie, jak znajdujesz równowagę pomiędzy tym, co ty, Jeremy, wie, co wie Kendall, a tym, co wie publiczność?

To, co kocham w twoim pytaniu, to to, że przemawia na wiele sposobów do tajemnic aktorstwa. Istnieje pogląd, że jako aktor powinieneś mieć idealną jasność i zrozumienie, w sposób, którego odmawia się nam w naszym własnym życiu. Myślę, że często w naszym życiu niejednoznaczność istnieje w momentach największego rozstrzygnięcia. Myślę, że pozwoliłem, aby pewna część tego wszystkiego pozostała dla mnie nieprzejrzysta. Myślę, że w chwili, gdy wysiadłem z samolotu i szedłem po tej kładce, miałem poczucie misji i cel snajpera. To było całkiem jasne.

W tym samym czasie, sezon zaczyna się ode mnie mówiąc do Shiv, „To nie będę ja.” I w tym momencie w pełni to rozumiem i nie widzę świata, w którym na końcu obróciłem się przeciwko mojemu ojcu. Widzę tylko świat, w którym idę na szubienicę w ramach pokuty, aby zapłacić za swoje zbrodnie. W pewnym sensie zrezygnowałem z siebie, zrezygnowałem z walki. Odnajduję tę walkę na nowo w scenie z ojcem na jachcie, kiedy mówi do mnie: „Nie jesteś mordercą”, i kiedy mówi: „Nie ma w tym żadnej prawdziwej osoby”, i rozumiem, że pokrętło się obraca, jeśli chodzi o zrozumienie bezdusznej nieludzkości i brutalności mojego ojca. To jest, że revealing.

Mówiłem to wcześniej, ale to nie jest nowość dla mnie, że potwór. Nie jest dla mnie nowością, że jest on osobą bezwzględną. Ale w tym momencie, kiedy mówi, „Żadna prawdziwa osoba nie jest w to zamieszana”, tak swobodnie, dostrzegam w nim coś, czego chyba wcześniej nie widziałem, a co jest otchłanią. Jest w tym coś nieodwracalnie złego. W tym momencie, jest to dla mnie coś w rodzaju momentu Houdiniego, gdzie byłem w łańcuchach, byłem pod wodą i byłem wszystkimi rzeczami, które zostały użyte do opisania tej postaci, co dla mnie, po prostu czułem się jakbym był martwym człowiekiem idącym przez cały sezon.

Nagle, jestem wyzwolony z tego wszystkiego i widzę z preternaturalną jasnością, co mam zamiar zrobić. Ale do tego momentu byłem z pewnością gotów iść i poświęcić się, bo czułem, że na to zasłużyłem. Więc kiedy mówisz, że wciąż widzisz niejednoznaczność, zgaduję, że wciąż są momenty, pomimo jego determinacji, poczucia, „Może powinienem to zrobić. Może powinienem zapłacić za swoje zbrodnie. Może przeczytam ten list, który dla mnie przygotowali.”

Graeme Hunter/HBO

Prawda.

W pewnym momencie, jako aktor, zdecydowałem, że podejmę decyzję w środku sceny i być może zobaczymy zmianę zdania bohatera w tym momencie konferencji prasowej. Nigdy nie zdecydowałem, jak mam zagrać tę scenę. Coś, w co naprawdę wierzę, to nie narzucanie żadnych odpowiedzi. Jeśli włożyłeś w siebie wystarczająco dużo zrozumienia dla zmagań, potrzeb i dylematów postaci, wtedy twoim zadaniem jest przepracowanie węzła tego dylematu w czasie rzeczywistym, w kamerze, przed publicznością.

Istnieje taki mit, że aktorzy muszą dokonywać wyborów. Wydaje mi się, że wyborów dokonują za ciebie twoje instynkty w danej chwili. Ta scena była dla mnie naprawdę trudna, ponieważ myślałem, że będzie bardzo prosta i łatwa. Zamiast tego, po prostu nie płynęła i nie wiem dlaczego. Jestem jednym z tych aktorów, dla których występ nie jest monolitem, to tysiące, tysiące, tysiące godzin niedoskonałych prób w danej scenie, a każde ujęcie jest poszukiwaniem.

Myślę, że czasami coś otwiera się przed tobą w jednym ujęciu i podążasz za tą linią intuicji, a czasami wszystkie drzwi są dla ciebie zamknięte. Matthew McConaughey napisał właśnie książkę „Greenlights” i myślałem o tym pomyśle. Spodziewasz się, że ujęcie będzie czasem wiązką zielonych świateł, a wszystko po prostu się zgadza i łapiesz falę. Pamiętam, że tamtego dnia wszedłem na pierwsze ujęcie – nie lubię prób, lubię tworzyć dynamikę w środowisku tak bardzo, jak to tylko możliwe. Wypełnili więc salę prasą, wszedłem, usiadłem i zacząłem ujęcie, a mikrofony nie były na żywo. To były mikrofony rekwizytowe. To bardzo, bardzo mnie zaskoczyło w sposób, na który nie byłem przygotowany. Zakładałem, że otoczenie będzie po prostu prawdziwe.

Próbowaliśmy to naprawić kilka razy i było trochę trudności z ustaleniem jak to naprawić, a potem był jeden głośnik z tyłu pokoju i nie brzmiało to tak, jakbym mówił do mikrofonu do pokoju. W każdym razie, stałem się tego świadomy w taki sposób, że nigdy nie chcesz, aby twój umysł był obudzony w ten sposób. Musisz przełączyć go na tryb samolotowy. I zajęło mi trochę czasu, aby się z tego otrząsnąć. Tak więc czułem tę presję w sensie, że byłem fumble the ball, repeatedly.

Pamiętam jak czytałem Dustina Hoffmana mówiącego o scenie w „Rain Man,” gdzie to naprawdę była jego własna frustracja z samym sobą, jego poczucie niemocy jako aktora, które zagotowało się w to, co potem stało się sceną. Myślę, że moja frustracja związana z tymi sprawami wyostrzyła coś we mnie i dała mi trochę ognia w brzuchu. Jednocześnie wiedziałem, że muszę po raz kolejny zacząć od nowa, z pokorą, że nie wiem, co się wydarzy w następnym ujęciu. Myślę, że to było około ujęcia dziewiątego lub dziesiątego, że to było jedno z tych zielonych świateł.

Częścią tego było, w piśmie, nie było scissury. Słowo „ale,” jest w środku przemówienia i jest punktem zwrotnym, a jeśli chodzi o sposób w jaki zostało napisane, to było to jedno wielkie ciągnące się zdanie. Nie było żadnej pauzy przed ani po tym słowie. W jakiś sposób, czując się do tego zobowiązany, nie znajdowałem tego. Było takie ujęcie, w którym coś we mnie po prostu zatrzymywało się przed wypowiedzeniem tego słowa, a potem zwrot następował jakby samoistnie. To doprowadziło mnie do końca i podarłem papier w tym ujęciu, co nie było w scenariuszu i nie zdarzyło się aż do tego momentu.

Jasne.

To był jeden z tych momentów, kiedy rzeczy naprawdę przyszły nieproszone po wielu zmaganiach i niedoskonałym poszukiwaniu sceny. I wtedy otrzymałem to jedno ujęcie, które wydawało mi się właściwe. Potem byliśmy w stanie budować od tego momentu, a mikrofony w tym momencie działały. To taka mała rzecz, ale w kategoriach, dla mnie, wszystko opiera się na całkowitej wierze w rzeczywistość okoliczności.

I wtedy Jesse powiedział, „Chcę, żeby prasa zaczęła zadawać ci pytania”, więc zrobiliśmy kilka ujęć, kiedy oni rzucali we mnie pytaniami, a ja odpowiadałem na nie w locie. Zbadaliśmy wiele różnych sposobów, na jakie scena mogłaby się potencjalnie zakończyć.

Czasami jest to wojna na wyniszczenie przeciwko scenie, w której musisz się odłamywać i odłamywać, zanim się przed tobą odsłoni.

Wygląda to na scenę, która, tak jak powiedziałeś, potrzebuje tego napięcia.

Kolejnym wyzwaniem jest zawsze, gdy masz wielu artystów drugiego planu, którzy mają usłyszeć rzeczy po raz pierwszy. Możesz powiedzieć, kiedy napięcie zniknie z pokoju, więc musisz trochę zmącić wodę, tak, że nagle słuchają ponownie i nie wiedzą, jakie jest następne słowo, które może wyjść z twoich ust, nawet jeśli słyszeli je już wcześniej.

Więc ożywienie tego jest wyzwaniem. Utrzymanie ich w napięciu, jak również dla siebie, utrzymanie się na cienkim lodzie, aby nie czuć się jak podczas odgrywania sceny, szczególnie w takim momencie, jak ten akt sprzeciwu. Jest taki wiersz Wallace’a Stevensa, w którym mówi on: „Po ostatecznym „nie” przychodzi „tak”. I od tego „tak” zależy przyszły świat”. Czułem, że ta scena ma w sobie ciężar tego wiersza. To było tak, jakby wszystko spoczywało na tym punkcie podparcia, ale ten punkt podparcia nie mógł być po prostu wypowiedziany, musiał być doświadczony.

Prawda. Zakładam, że jest to trudne w scenach takich jak ta, gdzie niemal przekazujesz energię żywej publiczności, która w rzeczywistości siedziała przez te ujęcia razem z tobą.

Magia tego, że zawsze jest to po raz pierwszy. Mój przyjaciel pracował przy „Mleku” z Seanem Pennem i jest tam ta niesamowita scena, w której wygłasza on przemówienie na zewnątrz ratusza. Myślę, że to było 12 godzin tej samej przemowy, ale za każdym razem znajdował ją na nowo i to jest naprawdę wyzwanie, a zarazem radość. Dla mnie poszukiwanie ma w sobie niewyczerpaną energię. Perfekcjonizm jest wrogiem, ale myślę, że wiesz, kiedy jeszcze czegoś nie znalazłeś. I tak jest nieubłagane i nieustające poszukiwanie rzeczy, aby połączyć się w sposób, który czuje się prawdziwy.

Czy są sceny, od których odchodzisz i jesteś jak, „Tak, to było blisko”?

To rzadkie. Powiedziałbym, że w finale pierwszego sezonu, sposób w jaki ta scena rozegrała się tego dnia całkowicie mnie przejął. To było niesamowicie katarktyczne i jednocześnie traumatyczne. To doświadczenie było prawdziwe i niespodziewane i nie wiem skąd się wzięło. Raz na bardzo długi czas, myślę, że czujesz, że dotykasz czegoś, co pozwala ci zrozumieć, czym może być aktorstwo. To jest rzadkie, ale to są te momenty, które utrzymują cię przy życiu.

Muszę sobie wyobrazić, że jest trochę łatwiej trafić na te momenty, kiedy nie ma tak wielu ruchomych części. Kiedy nie masz do czynienia z mikrofonami i artystami tła, więc choć wiem, że ostatnia scena w Sezonie 1 była trudna, to ma sens, że może czujesz się bardziej zsynchronizowany z jej rytmem.

Myślę, że to możliwe. Również ta scena dramatycznie, jeśli chodzi o wymianę między moim ojcem a mną, w większości reagujesz na coś, co dzieje się z tobą. Myślę, że jeśli wykonasz swoją pracę dobrze i postawisz się w kłopotach, w których znajduje się postać, wypełniony potrzebą, aby jakoś wydostać się z tych kłopotów, wtedy możesz po prostu wejść w scenę i walczyć o to, o co walczy postać.

W przeciwieństwie do sceny konferencji prasowej.

Ta scena była zaskakująca, ponieważ brakowało jej trakcji. Ja po prostu, w pewnym sensie, wygłaszam przemówienie. Nie ma partnera scenicznego. Partnerem scenicznym jest więc w pewnym sensie cała historia Kendalla w jego wnętrzu. Wewnętrzne zamieszanie, głos jego ojca, który zinternalizował, który trzymał go w dole i pozbawiał uprawnień przez całe jego życie. Więc odnajduje swoją własną moc, co w pewnym sensie jest również o tobie jako aktorze odnajdującym swoją moc.

Myślę, że Kendall często czuje się pod wodą. Oczywiście, ma to dla mnie sens, że scena, która ma być biegiem przez sto jardów w dół otwartego, czystego pola do strefy końcowej, nie rozgrywa się w ten sposób. Zamiast tego, jest milion rzeczy, które próbują mnie potknąć, złapać i powalić. I guess what I’m getting at is my experience of that scene is what ends up being Kendall’s experience of that scene.

When I lingered on that word, „but,” I felt as if… you remember in „Backdraft,” there’s this amazing moment when the smoke gets sucked back into the house, it was as if in that breath, in that pause, something else suddenly filled up my lungs and filled up inside that had not previously been there. Tak było z moją mocą, z mocą bohatera, on ją chwyta w tym momencie, wyciąga rękę i ją chwyta.

W „Zbrodni i karze” jest moment, w którym Raskolnikow myśli o zabiciu tej kobiety i w końcu dochodzi do punktu, w którym to robi, ponieważ zdaje sobie sprawę, że chodzi o to, by odważyć się coś zrobić, odważyć się coś zagarnąć. Jest to więc transgresyjne i niebezpieczne, ale w tym momencie chodzi o zawładnięcie czymś. To oczywiście nie jest morderstwo, ale symbolicznie nim jest. Jest to w końcu ten sens, „Zabij swoich idoli.”

Nie sądzę, żeby kamera była na mnie w tym momencie, ale pamiętam, że patrzyłem w oko kamery telewizyjnej, która mnie kręciła. Mówiłem bezpośrednio do mojego ojca przez całą tę scenę, ale dokładnie w tym momencie, i w pewnym sensie, wbijając nóż. Jednocześnie obejmując go, ponieważ jest to akt buntu i bezwzględności, który starał się we mnie zaszczepić przez całe moje życie. Wciąż jest we mnie poczucie: „Spójrz na mnie, tato. Czy nie jesteś ze mnie dumny? Czy teraz mnie kochasz?”, ponieważ ten rodzaj przemocy i nadużycia jest sposobem, w jaki się łączymy.

„Succession” jest streaming teraz na HBO Max.