Mój najnowszy filmik na YouTube to kolejny filmik o graniu „realistycznie”. W tym filmie, mówię, że zebrałem cztery proste wskazówki, które pomogą nam działać tak realistycznie, jak to tylko możliwe na ekranie. Mówiąc to, jest o wiele więcej wskazówek niż te. Ponadto, kiedy mówię o graniu „realistycznym”, mam na myśli działanie tak, jak zachowywałaby się naturalna istota ludzka w prawdziwym życiu. Jak już pisałem w poprzednim wpisie na blogu (i wspomniałem w poprzednim filmie), granie realistycznie jest trochę sprzeczne, ponieważ aktorstwo nie jest wcale realistyczne. Można jednak działać w sposób realistyczny, albo naturalistyczny, ale odbiegam od tematu. Zasadniczo: wszyscy wiemy, co mamy na myśli, działając realistycznie.

Warstwy

Pierwsza wskazówka, o której dowiedziałem się z różnych lekcji aktorstwa i z doświadczenia, dotyczy kontrastujących warstw. Muszą one być obecne w twoim przedstawieniu, jeśli chcesz grać przekonująco. Z warsztatów dowiedziałem się, że reżyserzy castingów LUBIĄ kontrastowe warstwy w aktorze (coś do przemyślenia!). Ludzie są złożeni i wielowymiarowi, zazwyczaj myślą o wielu różnych rzeczach naraz. Tak więc, aby grać realistycznie musimy wziąć pod uwagę, że ludzie w prawdziwym życiu są melanżem kontrastujących (lub nawet sprzecznych) warstw, myśli lub emocji, które można zobaczyć w oczach. Możemy reprezentować taką złożoność w naszym działaniu poprzez warstwy.

Warstwy to pomysł, że to co myślisz lub czujesz i to co mówisz lub robisz może być kontrastujące (lub nawet sprzeczne) rzeczy. Jest to również przydatne, jeśli nie możesz uzyskać dostępu do konkretnej myśli: może twoja postać łamie prawo, a ty po prostu nie możesz uzyskać dostępu do tej myśli wystarczająco mocno, ponieważ nie możesz odnieść się do działań swojej postaci. Cóż, jako aktor, możesz zdecydować się na włączenie niewypowiedzianego poczucia winy w tym przypadku (to tylko przykład). Ta niewypowiedziana wina doda sprzeczną warstwę do bezprawnego charakteru, który uczyni je bardziej trójwymiarowe, a może nawet bardziej relatable do publiczności. Jeśli chcesz działać realistycznie, nieuchronnie będziesz miał trochę „ty” w swoim portrecie każdej postaci, którą grasz tak czy inaczej. Na przykład, może grasz detektywa, który prowadzi śledztwo w sprawie morderstwa i myśli, że wie, kto to zrobił, a kiedy przeprowadzasz wywiad z podejrzanym, możesz mówić i zachowywać się spokojnie i obojętnie (bo taka jest praca detektywa), ale jednocześnie możesz czuć nienawiść lub obrzydzenie do podejrzanego. Te wewnętrzne myśli ujawnią się tylko w twoich oczach. I te wewnętrzne myśli będą kontrastować z Twoim zewnętrznym wyglądem (lub frontem, który prezentujesz). Możesz powiedzieć coś prostego, co może oznaczać coś w rodzaju: „a ty jak się nazywasz?” Ale jeśli wypowiesz tę kwestię myśląc z nienawiścią i obrzydzeniem, dodajesz do niej podtekst. To staje się mniej o pytaniu czyjegoś imienia i więcej o pozwalając publiczności wiedzieć, że twoja postać nie lubi tego „kogoś”. Podobnie, jeśli twoja postać czuje żal do podejrzanego o morderstwo i nie sądzi, że to zrobił, wtedy może zadać to pytanie z politowaniem. To kontrastuje z zewnętrznym detektywem, który również mówi publiczności więcej o tym, jak twoja postać czuje się w danej sytuacji.

Oczywiście, jest to prosty przykład warstwowania. Warstwowanie może stać się bardziej złożone: można warstwy wielu uczuć na siebie i mogą walczyć to za oczami. Ludzie w prawdziwym życiu rzadko są otwarci i szczerzy, więc jako aktorzy, jeśli chcemy realistycznie sportretować daną postać, musimy pomyśleć o tych wszystkich sprzecznych warstwach, które czynią człowieka człowiekiem. Często nie zawsze jest jedno wewnętrzne uczucie w człowieku: ludzie są niepewni sytuacji, mogą lubić pewne aspekty scenariusza, nie lubić innych aspektów ułamek sekundy później, czują się zawstydzeni, dumni z siebie, myślą o tym, co muszą zrobić, kiedy opuszczą pokój, w którym się znajdują, myślą o tym, skąd właśnie przyszli, może są głodni i zastanawiają się, co zjeść później.

Ludzie rzadko są mindful i żyć w chwili, a oni są stale oceniając swoje otoczenie, innych ludzi, i siebie. Wewnętrzne myśli lub uczucia są obfite i często sprzeczne z sobą. Co więcej, te sprzeczne myśli i uczucia kontrastują z zewnętrzną fasadą postaci: jak prezentują się innym. Zawsze istnieje rozbieżność między wewnętrznym i zewnętrznym wizerunkiem osoby, a zewnętrzny zmienia się w różnych kontekstach / zewnętrznych okolicznościach (i przypuszczam, że przez skojarzenie, wewnętrzne zmiany też). Na przykład, można zaprezentować się w jeden sposób w rozmowie kwalifikacyjnej i to będzie inny od tego, jak można zaprezentować się na pierwszej randce (może … masz pomysł).

Layering obejmuje nasycenie swojej postaci dialog (lub monolog) z podtekstem. Podtekst nieodmiennie dodaje głębi do portretu postaci. Ta głębia jest bardziej o tym, co myślisz, i to widać w oczach. To nawarstwienie kontrastów i podtekstów dodaje nieprzewidywalności postaci: tak naprawdę nie wiemy, co myślą lub czują w danej sytuacji lub postaci, a więc nie możemy przewidzieć, co mogą zrobić dalej w danej scenie (choć możemy spekulować). Złe dwuwymiarowe aktorstwo jest nudne, ponieważ wiemy, co się stało, zanim scena dobiegnie końca. Złożone postacie ze sprzecznymi warstwami i podtekstami są o wiele bardziej zabawne do oglądania niż aktorzy, którzy dopasowują myśli do akcji i grają wszystko szczerze.

Do the Opposite

Nauczyłem się mojej następnej wskazówki z lekcji aktorstwa, i to jest zrobić coś przeciwnego w momentach intensywnych emocji. Przez intensywne emocje, mam na myśli cokolwiek, gdzie rzeczy stają się nieco bardziej dramatyczne, takie jak płacz, krzyk/kłótnia, śmiech, uniesienie, przerażenie, złamane serce. Jeśli się nad tym zastanowić, w takich momentach aspirujący (początkujący) aktorzy pogrążają się w nich, oddają się emocjom, które uważają, że powinni przedstawić, mimo że nie są one realistyczne. Podobnie, nie wygląda to realistycznie: wygląda to jak gra aktorska. Jednak w momentach tak intensywnych emocji, bardziej realistyczne jest odegranie od nich dystansu: innymi słowy, zagranie czegoś przeciwnego. To zwiększy intensywność emocji w scenie i sprawi, że będzie ona bardziej zabawna dla widzów. Na przykład, jeśli chcesz zagrać przestraszonego, nie „grasz przestraszonego”, ale „grasz odważnego” w przerażającej sytuacji. Jeśli chcesz zagrać postać, która się śmieje, nie tylko się śmiejesz, ale grasz „proszę, nie śmiej się”. Jeśli chcesz zagrać postać, która płacze, nie płacz po prostu, grasz 'powstrzymaj łzy’. Ktoś płaczący zazwyczaj nie wyrzuca z siebie wszystkiego, powstrzymuje łzy, płacz jest ostatecznością. Istnieje napięcie między płaczem a brakiem chęci płaczu. Oczywiście, to nie znaczy, że nie śmiejesz się i nie płaczesz podczas gry. Po prostu musisz myśleć o tych ruchach w określony sposób, jeśli chcesz wyglądać realistycznie. Takie rzeczy jak łzy i śmiech są wydalaniem nadmiaru energii i zawsze powinny być produktem ubocznym, a nie celem. Jeśli sprawisz, że te produkty uboczne staną się celem, wtedy intensywne emocje, które towarzyszą tym produktom ubocznym zostaną utracone, ponieważ po prostu nie są brane pod uwagę. Pozostaną ci tylko puste produkty uboczne i będzie to wyglądać tak, jakbyś je udawał. Ludzie rzadko pozwalają pokazać swoje wewnętrzne emocje, zwłaszcza gdy w grę wchodzą intensywne emocje. Ludzie powstrzymują łzy, zachowują się odważnie, kiedy są przerażeni. Kiedy ludzie są smutni, starają się to ukryć. Kiedy ludzie są pijani, starają się sprawiać wrażenie trzeźwych.

Reaguj na zmiany

Trzecia wskazówka dotyczy reagowania na zmiany. Jest to coś, czego uczono mnie na lekcjach aktorstwa i czego nauczyłem się na kursach mistrzowskich z reżyserami castingów. Często w scenie wydarzy się coś „nowego”: nastąpi zmiana. Może to być zmiana faktyczna lub emocjonalna. Na przykład, twoja postać może dowiedzieć się czegoś nowego o innej postaci w scenie, może inna postać wchodzi do pokoju, a może następuje zmiana statusu między twoją postacią a inną postacią. Takie zmiany wpłyną na podtekst w scenie, status postaci w scenie, język ciała, cele Twojej postaci i jak oni idą o ich uzyskanie; postać może dowiedzieć się czegoś nowego, co może stanowić przeszkodę dla nich, a może ktoś inny wchodzi na scenę i to pomaga Twojej postaci uzyskać ich cel. To są tylko przykłady.

Tekst może być również dotknięte, gdy istnieje zmiana podczas sceny: na przykład, mówiąc „hello, nice to meet you” do nowego znajomego będzie brzmieć bardzo załadowany, jeśli twoja postać zdała sobie sprawę chwilę wcześniej, że ten nowy znajomy ma romans ze znaczącym innym twojej postaci.

Status może się zmienić jest jedna postać wie coś, czego druga nie wie: ten, który wie więcej zazwyczaj ma wyższy status. Pomyśl o tym: podczas sceny zakładnika, osoba trzymana w więzieniu widzi policjanta przybywającego na zewnątrz, ale porywacz nie. Jest to zauważalne przesunięcie lub zmiana w języku ciała, kiedy ofiara ma nadzieję i wie, że teraz ma przewagę. Porywacz się nie zmienia, ale relatywnie, w porównaniu do ofiary, następuje wizualna zmiana statusu. Ten scenariusz jest nadużywany w dramatach i filmie, więc bez wątpienia wszyscy wiecie, co mam na myśli.

Jako takie, język ciała jest dotknięty przez zmiany podczas sceny, czy twoja postać zyskuje więcej statusu lub nagła niechęć do innej postaci, język ciała będzie się zmieniać. Zmiany podczas sceny mogą wpływać na cel twojej postaci, sposób w jaki zmierzają do osiągnięcia tego celu, oraz status lub stawkę w scenie (mój nauczyciel aktorstwa ciągle powtarza, że „cele” i „przeszkody” to „Stanislavski 101”, więc po prostu zamierzam przez to tutaj przejść).

Nie lekceważ małych momentów, takich jak inna postać wchodząca do pokoju podczas sceny: to przedstawia zmianę, która może wpłynąć na wiele cech (język ciała, podtekst, status). Ktoś wchodzący do pokoju zawsze będzie godny uwagi, tak jak to jest w prawdziwym życiu. Podobnie, nie uprzedzaj zmian w scenie (nie zaczynaj odgrywać zmian, zanim nie będzie ku temu powodu). Pamiętaj: Twoja postać nie wie, co się za chwilę stanie, nawet jeśli Ty (aktor) wiesz. Początkujący aktorzy często zapominają o reagowaniu na zmiany, ponieważ oczywiście wiedzą już, co wydarzy się w danej scenie: albo ich postać przedwcześnie zareaguje na coś, co ma się wydarzyć, albo nie zdadzą sobie sprawy, że nastąpiła zmiana dla ich postaci i trzeba będzie podejść do sprawy inaczej. Jest wiele do zapamiętania, aby włączyć, jeśli chodzi o reagowanie na zmiany w scenie, więc na razie podsumuję w następujący sposób:

• Słuchaj (nie, naprawdę słuchaj)
• Reaguj na drugiego aktora
• Aktorstwo to więcej niż mówienie
• Reaguj, kiedy twoja postać nie mówi

Znaj SWÓJ cel, jak również cel twojej postaci

Moją czwartą wskazówką jest znajomość SWOJEGO celu, a nie tylko celu twojej postaci. Uświadomiłem sobie tę wskazówkę dzięki wielu przemyśleniom, czytaniu i działaniu. To, że nie grasz realistycznie nie oznacza, że jesteś zły w aktorstwie. Definicja „realistycznego” w sztuce i tak zmieniła się z biegiem czasu. W rzeczywistości, termin 'realistyczny’ nie jest nawet używany, gdy mówimy o tego typu rzeczach: ludzie mają tendencję do używania 'realizmu’, który jest również notorycznie trudny do zdefiniowania. Używam tu tylko terminu 'realistycznie’, ponieważ 'jak działać realistycznie’ jest popularnym hasłem w wyszukiwarkach. Każdy chce znać odpowiedź na to pytanie wydaje.

Praktyk teatralny Bertolt Brecht twierdził, że jego styl teatralny (pełen sprzeczności, alienacji i kontrastujących gestów) był lepszy w portretowaniu rzeczywistości XX wieku, ponieważ oferował różnorodność perspektyw i zmuszał widza do myślenia o tym, co oglądają, zamiast dać się pochłonąć przez linię fabularną i zapomnieć, że oglądają sztukę. Ale nie nazwalibyśmy brechtowskiego aktorstwa „realistycznym”. A może byśmy tak zrobili? Jest to jednak inny rodzaj aktorstwa niż system Stanisławskiego.

Myślę, że istnieje różnica między graniem czegoś realistycznie a graniem czegoś szczerze. Na przykład, możesz grać coś szczerze, kiedy wierzysz, że postać istnieje w tej scenie, w tym momencie, ale to wciąż nie jest realistyczne. Podobnie możesz zagrać coś „realistycznie”, ale postać jest nieszczera. Wiesz, że kłamią – zaprzeczają sobie. Trudno ich zaszufladkować. Ale tak właśnie ludzie zachowują się w prawdziwym życiu i wydaje się to realistyczne, nawet jeśli, pomimo tak dokładnego przedstawienia, aktor gra i całe to nie jest prawdziwe tak czy inaczej!

Moim punktem tutaj jest to, że musisz wiedzieć, co to jest chcesz zrobić w swoim występie. Jeśli ma się wydawać prawdziwe i jakbyś w ogóle nie grał, to musisz wiedzieć, jak ludzie zachowują się w prawdziwym życiu: obserwować ich, obserwować siebie. Nowi aktorzy zawsze robią coś nierealistycznego, coś, co nie jest normalne. Ale niektórzy z nich robią to szczerze, co nie jest złym aktorstwem, to po prostu nie jest „realistyczne” aktorstwo. Jeśli chcesz grać tak, jak w prawdziwym życiu, to dowiedz się, jaki jesteś w prawdziwym życiu.

Dee Cannon, w In-depth Acting pisze:

’jeśli chcesz być aktorem, który pokazuje wielką głębię w swoich postaciach, to nie mogę wystarczająco podkreślić, jak kluczowe jest znalezienie emocjonalnej głębi w sobie. Im bogatszy staniesz się jako osoba, tym bogatszy będziesz i rozwiniesz się jako aktor.’

Dee Cannon, w In-depth Acting, str. 19

Myślę, że wiedza o tym, jak sam zachowujesz się naturalnie jest kluczowa, jeśli chcesz grać realistycznie, lub raczej sprawiać wrażenie, jakbyś w ogóle nie grał.

Subskrybuj mój kanał na YouTube