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Em 2019, havia apenas um “mas” que partiu a internet e que pertencia a Kendall Roy.

O núcleo da “Sucessão” Season 2 hinged numa única palavra, proferida por Jeremy Strong na final, durante um discurso proferido numa conferência de imprensa que viu Logan Roy (Brian Cox), patriarca da família Roy e chefe do império Waystar Royco, atirado ordenadamente para debaixo do autocarro pelo seu (segundo) filho mais velho.

A cena – na qual Kendall é encarregado de fazer um discurso pré-escrito agindo como bode expiatório para os erros de toda uma corporação, apenas para virar o roteiro no último momento – é eletrizante e está entre os melhores momentos que a série produziu até agora. E nele, Strong brilha, essencialmente monólogo a uma sala cheia de repórteres e, no entanto, como tantas vezes acontece com Kendall, completamente sozinho.

Numa entrevista recente ao IndieWire, Strong nos guiou pelo seu processo, desde aprender o arco de uma temporada até ver o produto final na tela, tudo isso enquanto perseguia aquele puro ato alto de entregar perfeitamente um momento para o seu personagem.

Nossa conversa levemente editada com o ator está abaixo.

IndieWire: Onde e como o processo começa para você? É quando você encontra um script pela primeira vez?

Strong: Bem, eu diria que começa antes de haver realmente um script. Ele começa com o conhecimento do arco geral da temporada.

Então, eu sei que essa é a nota final em que os diferentes movimentos da temporada se encerram. E depois é uma questão de enterrar esse conhecimento e desbloquear a cena para mim de uma forma que parece inevitável e também uma surpresa para o público.

Mas certamente este espectáculo fez uma espécie de truque de magia no final de ambas as épocas, onde há um ponto de viragem realmente importante; um caminho para o momento de Damasco onde há uma profunda e dramática mudança de carácter. Esses momentos são a maior coisa como ator a ser dado, e também os mais difíceis, penso eu, de realizar plenamente, pois ambos têm que acontecer no momento de repente e ao mesmo tempo. Você tem que enfiar essa agulha com tanta precisão, e ter certeza que todas as Estações da Cruz foram realmente verificadas no caminho para chegar lá.

Na mesa ler, eu me lembro de pensar: “Ah, essa cena será uma questão de um ou dois takes e só vai estar no bolso porque a escrita vai cuidar de mim”. Construímos todo este andaime para chegar a este momento e tudo o que tenho de fazer é caminhar na sala e dar a conferência de imprensa. E então acabou sendo muito mais difícil do que naquele dia.

Acho que o que eu realmente quero dizer é que 95% do trabalho daquela cena é na preparação do terreno para ela no decorrer da temporada que a antecede, de modo que quando entrei por aquela porta, pareceu-me um fato consumado.

Graeme Hunter / HBO

Rewatching the scene before this interview, it plays in concert with how I felt the first time I watched it. Originalmente, olhei para o Kendall e ele parecia, para todos os efeitos, como se estivesse a caminhar para a forca. Ao revisitar a cena, mesmo sabendo o que está prestes a acontecer, ainda há um sentimento de ambiguidade. Naquele momento, como você encontra o equilíbrio entre o que você, Jeremy, sabe, o que Kendall sabe, e o que o público sabe?

O que eu amo na sua pergunta é, ela fala de muitas maneiras dos mistérios da atuação. Há esta ideia de que, como actor, você deve ter esta perfeita clareza e compreensão, de uma forma que nos é negada nas nossas próprias vidas. Penso muitas vezes na nossa vida que a ambiguidade existe nesses momentos de maior determinação. E por isso acho que permiti que uma certa quantidade dela permanecesse opaca para mim. Acho que no momento em que desci do avião e caminhei pela prancha que eu estava caminhando com a singularidade da missão e a mira de um atirador furtivo. Isso pareceu bastante claro.

Ao mesmo tempo, a temporada começa comigo dizendo ao Shiv: “Não serei eu”. E nesse momento, falo a sério e não consigo ver um mundo onde virei a mesa contra o meu pai no final. Só consigo ver um mundo onde vou para a forca em penitência, para pagar pelos meus crimes. Em certo sentido, desisti de mim mesmo e desisti da luta. Encontrar a luta novamente no local com meu pai no iate quando ele me diz: “Você não é um assassino”, e quando ele diz: “Nenhuma pessoa real envolvida”, e eu entendo o giro do mostrador em termos de entender a insensível desumanidade e brutalidade do meu pai. É isso revelador.

Eu já disse isto antes, mas não é novidade para mim que um monstro. Não é novidade para mim que ele seja uma pessoa impiedosa. Mas naquele momento em que ele diz: “Nenhuma pessoa real envolvida”, de forma tão flácida, eu percebo algo nele que acho que nunca vi antes, que é um abismo. Há algo de irremediavelmente mau nisso. Naquele momento, há uma espécie de momento Houdini para mim, em que estive acorrentado e acorrentado e submerso e tenho sido todas as coisas que têm sido usadas para descrever o personagem, o que para mim, apenas senti como se fosse um homem morto caminhando por toda a temporada.

De repente, estou liberado de tudo isso e vejo com clareza preternatural o que vou fazer. Mas até aquele momento eu estava certamente pronto para ir e fazer um sacrifício de mim mesmo porque sentia que o merecia. Então, quando você diz que ainda vê ambiguidade, eu acho que ainda há momentos, apesar de sua determinação, de sentir uma sensação de: “Talvez eu deva fazer isso”. Talvez eu devesse pagar pelos meus crimes. Talvez eu vá ler esta carta que eles prepararam para mim.”

Graeme Hunter/HBO

Direito.

A certa altura, como actor, decidi que me ia decidir no meio da cena e talvez víssemos a mudança de ideias da personagem naquele momento da conferência de imprensa. Eu nunca decidi como eu ia interpretar a cena. Algo em que eu realmente acredito não é em proscrever nenhuma resposta. Se você já se carregou de compreensão suficiente da luta, necessidade e dilema do personagem, então seu trabalho é trabalhar o nó desse dilema em tempo real, na câmera, na frente do público.

Há esse mito de que os atores têm que fazer escolhas. Acho que sinto que as escolhas são feitas para você pelos seus instintos no momento. Essa cena acabou sendo muito difícil para mim porque eu achei que ia ser muito simples e fácil. Em vez disso, simplesmente não estava a fluir e não sei porquê. Eu sou um daqueles atores onde a performance não é um monólito, são milhares e milhares e milhares de horas de tentativas imperfeitas de uma cena e cada take é uma busca.

Eu acho que às vezes algo se abre para você dentro de um take e você segue essa linha de intuição e às vezes as portas estão todas fechadas para você. Matthew McConaughey acabou de escrever um livro chamado “Greenlights” e eu estava pensando sobre essa idéia. Você espera que um take às vezes seja um monte de luzes verdes e as coisas estão apenas clicando e você meio que apanha uma onda. Lembro-me desse dia, entrei no primeiro take – não gosto de ensaiar, e gosto de criar a dinâmica no ambiente tanto quanto possível. Então eles encheram a sala com a imprensa e eu entrei, sentei-me e comecei o take e os microfones não estavam ao vivo. Eram microfones de apoio. E isso realmente, realmente me jogou de uma forma para a qual eu não estava preparado. Eu assumi que o ambiente seria apenas real.

Tentamos consertar isso algumas vezes e havia alguma dificuldade em descobrir como consertar e depois havia um único alto-falante no fundo da sala e não soava como se eu estivesse falando em um microfone para a sala. De qualquer forma, tomei consciência disso de uma maneira que você nunca quer que sua mente esteja acordada dessa maneira. Tens de o pôr em modo de avião. E demorei algum tempo a voltar dele. Então eu senti essa pressão no sentido de que eu estava fumegando a bola, repetidamente.

Lembro-me de ler Dustin Hoffman falando sobre uma cena em “Rain Man”, onde era realmente sua própria frustração consigo mesmo, sua sensação de impotência como ator que fervia no que então se tornou a cena. Acho que a minha frustração com essas questões aguçou algo em mim e pôs um pouco de fogo na minha barriga. Ao mesmo tempo, eu sabia que tinha que recomeçar com a humildade de não saber o que deveria acontecer no próximo take. Acho que foi por volta de nove ou dez tomadas que foi uma daquelas luzes verdes.

Parte dela foi, na escrita, que não havia nenhum scissura. A palavra “mas”, está no meio do discurso e é o ponto de viragem e, em termos da forma como foi escrita, foi apenas uma grande frase de rodapé. Não houve pausa antes ou depois dessa palavra. De alguma forma, sentindo-me obrigado a isso, eu não estava a encontrá-la. Houve um take em que algo em mim parou antes de dizer aquela palavra e depois a volta aconteceu por si só. Isso me levou ao fim e rasguei o papel naquele take, que não tinha estado no script e não tinha acontecido até aquele ponto.

Sure.

Foi apenas uma daquelas vezes em que as coisas realmente vieram sem ser lidas depois de muita luta e procurando imperfeitamente pela cena. E depois foi-me dado este take que me pareceu correcto. Depois pudemos construir a partir daí e os microfones estavam funcionando. É uma coisa tão pequena, mas em termos de, para mim, tudo depende de acreditar totalmente na realidade das circunstâncias.

E então Jesse disse: “Quero que a imprensa comece a fazer perguntas”, então fizemos algumas tomadas quando eles estavam me jogando perguntas e eu estava respondendo-as na mosca. Exploramos muitas maneiras diferentes de como a cena poderia terminar.

Por vezes é uma guerra de atrito contra uma cena que você tem que lascar nela e lascar nela antes que ela se revele para você.

Sente-se como uma cena que, como você disse, precisa dessa tensão.

Outro desafio é sempre, quando você tem muitos artistas de fundo que são destinados a ouvir as coisas pela primeira vez. Você pode dizer quando a tensão saiu da sala e então você tem que baralhar um pouco as águas para que, de repente, eles estejam ouvindo novamente e não saibam qual é a próxima palavra que pode sair da sua boca, mesmo que já a tenham ouvido antes.

Então trazer isso à vida é um desafio. Mantendo-os em seus dedos dos pés, assim como para você mesmo, mantendo-se em gelo fino de alguma forma, para que não pareça que você está fazendo uma cena, especialmente em um momento como esse, esse ato de desafio. Há um poema de Wallace Stevens onde ele diz: “Depois do último não, vem um sim”. E desse sim depende o mundo futuro.” Senti que essa cena tinha o peso dessa frase. Era como se tudo descansasse nesse ponto de fulcro, mas o ponto de fulcro não podia ser apenas falado, tinha que ser experimentado.

Direito. Presumo que isso seja difícil em cenas como esta, onde você está quase canalizando a energia de um público ao vivo, que na realidade tem estado sentado através dessas tomadas com você.

A magia de ser sempre pela primeira vez. Um amigo meu trabalhou em “Milk” com Sean Penn e há aquela cena incrível onde ele estava fazendo um discurso fora da prefeitura. Acho que foram tipo, 12 horas do mesmo discurso, mas encontrá-lo cada vez de novo, e esse é realmente o desafio e também a alegria. Há, para mim, uma energia inesgotável na busca. O perfeccionismo é o inimigo, mas eu acho que você sabe quando ainda não encontrou algo. E assim há uma busca cansativa e implacável por coisas que se coalescem de uma forma que parece verdadeira.

Há cenas de onde se afasta e se diz: “Sim, foi por pouco”?

É raro. Eu diria que na final da primeira temporada, a forma como essa cena se desenrolou no dia me tomou completamente conta. Foi incrivelmente catártico e também traumático. Aquela experiência foi real e inesperada e não sei de onde ela veio. De vez em quando, de vez em quando, acho que se sente que se toca em algo em que se entende o que pode ser a atuação. É raro, mas são esses momentos que te fazem continuar.

Tenho que imaginar que é um pouco mais fácil bater naqueles quando não há tantas partes móveis. Quando você não está lidando com microfones e artistas de fundo, então por mais difícil que eu conheça a cena final da Temporada 1 foi, faz sentido que talvez você se sinta mais em sintonia com seus ritmos.

Eu acho que isso é possível. Além disso, essa cena dramaticamente, em termos da troca entre meu pai e eu, você está na maioria das vezes respondendo a algo que está acontecendo com você. Eu acho que se você fizer seu trabalho direito e se você se colocar no problema em que o personagem está, preenchido com a necessidade de, de alguma forma, sair desse problema, então você pode simplesmente entrar em cena e lutar pelo que o personagem está lutando.

As opposed to the press conference scene.

Esta cena foi surpreendente porque lhe faltou tração. Eu estou simplesmente, de certa forma, fazendo um discurso. Não há nenhum parceiro de cena. E assim o parceiro da cena, de certa forma, é toda a história do Kendall dentro de si. O tumulto interno, a voz do pai dele, que ele internalizou, que o manteve no chão e o desarmou durante toda a sua vida. Assim, encontrar o seu próprio poder, que de certa forma é também sobre você como o ator que encontra o seu poder.

Eu acho que Kendall muitas vezes se sente debaixo d’água. É claro que faz sentido para mim que a cena que está destinada a ser esta centena de metros, desce um campo aberto e claro para a zona final, não se desenrola dessa forma. Em vez disso, há um milhão de coisas tentando me tropeçar, me enfrentar e me derrubar. Acho que o que eu quero dizer é que a minha experiência dessa cena é o que acaba sendo a experiência de Kendall com essa cena.

Quando eu permaneci nessa palavra, “mas”, eu senti como se… você se lembrasse em “Backdraft”, há um momento incrível quando a fumaça é sugada de volta para dentro de casa, era como se naquela respiração, naquela pausa, algo mais de repente enchesse meus pulmões e se enchesse dentro de mim que não tinha estado lá antes. Foi assim com o meu poder, com o poder do personagem, ele o agarra naquele momento, ele o agarra.

Há um momento em “Crime e Castigo” onde Raskolnikov está pensando em matar essa mulher e eventualmente ele chega a um ponto em que ele o faz porque ele percebe que se trata de ousar fazer algo, de ousar agarrar algo. E por isso é transgressivo e perigoso, mas trata-se de apreender algo nesse momento. Obviamente não é um assassinato, mas simbolicamente, é. É finalmente aquela sensação de: “Matem os vossos ídolos”.

Não creio que a câmara esteja em mim naquele momento, mas lembro-me de olhar para os olhos da câmara de televisão que me estava a filmar. Eu estava falando diretamente com meu pai por toda aquela cena, mas precisamente naquele momento, e de certa forma, enfiando a faca dentro. Ao mesmo tempo, abraçando-o, porque é um ato de desafio e impiedade que ele tem tentado engendrar em mim por toda a minha vida. Ainda há uma sensação de: “Olha para mim, pai. Não estás orgulhoso de mim? Amas-me agora?” porque este tipo de violência e abuso é a forma como nos ligamos.

“Sucessão” está a passar agora na HBO Max.