A composição do Nahko Bear poderia ser descrita de várias maneiras, mas uma maneira de pensar nisso é como contar histórias em busca da auto descoberta e da cura comunitária.

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Se as suas composições são paradas e apresentadas em guitarra acústica ou entregues na companhia de Medicine for the People – com chifres, violino, banda cheia – elas são tipicamente imbuídas de um sentido de espiritualismo.

Estilisticamente há uma inquietação pela escrita de Nahko, uma sensibilidade que se retira das suas viagens, saindo de casa aos 17 anos, mudando-se para o Alasca, depois para o Havai, na estrada lendo Kerouac e ouvindo Dylan, mas talvez também da sua busca de identidade.

A composição de Nahko interroga seu senso de identidade, explorando sua linhagem de apache de sexta geração, nascido de uma mãe porto-riquenha/nativo-americana e pai filipino, e adotado por uma família branca, cristã e criado no Oregon. Novamente, tudo volta à idéia de descoberta, cura, as histórias que contamos e aquelas que nos são contadas.

Uma das primeiras coisas que Nahko fez quando se mudou de volta para o Oregon foi construir um sweat lodge em sua terra. Nahko e a Medicine for the People’s latest album, Take Your Power Back, aproveita suas experiências na sauna, encontrando iluminação no calor e no escuro da cerimônia indígena americana.

“O álbum inteiro está salpicado de referências a cerimônias”, diz Nahko. “Há muita mitologia, muita narrativa espiritual nestas canções. é melhor descrito como uma prática tradicional dos nativos norte-americanos de rezar”. É uma metáfora para voltar ao ventre da mãe natureza e sacrificar suas lágrimas e seu suor”

O álbum inteiro é salpicado com referências a cerimônias. Há muita mitologia, muita história espiritual contada nestas canções

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Por dentro você pode orar pelo que quiser orar, e a oração entra no álbum sob a forma da Canção de Cura. Is What it Is (The Coyote Burial) veio de uma visão, enquanto Bend Like the Willow faz referência explícita ao alojamento do suor, com um refrão vindo das palavras de um ancião tribal.

“É uma faixa super divertida, muito afro-beat”, diz Nahko. “E tem aquela guitarra afro-caribenha que lambe nela. É uma que adoramos tocar”.

Mas antes da sauna, antes da Medicina para o Povo, antes de dobrar o Afro-beat, folk, pop e o que quer que seja num som de afirmação de vida, antes do Havaí, Alasca, viajando com o seu acústico e um bloco de notas, lá estava o piano.

E é aí que começa a história de Nahko…

Você não começou com a guitarra. Onde começou a sua viagem musical?

“Comecei a tocar piano aos seis anos de idade e foi um pouco trabalhoso. Era para ser divertido, então você toma as aulas e se torna como um trabalho escolar. Os meus pais queriam mesmo que eu tocasse música clássica. Eu realmente queria tocar todos os tipos de música, mas eu só tinha que ir com a música clássica.

“Quando eu tinha 11 ou 12 anos, ficou muito sério, tocando piano durante duas, três horas por dia. Só aos 14 anos é que um dos meus amigos vizinhos me deu um violão. Era uma de suas velhas guitarras elétricas, uma grande guitarra elétrica de f-hole, jazz. Não me lembro da marca, mas acho que era uma velha guitarra japonesa.

“E depois outro amigo meu tinha-me dado um pequeno mini-pique Marshall. Muito para desgosto da minha mãe!”

De todas as coisas para levar para casa…

“Tens de te lembrar, a minha família era bastante conservadora e não nos era permitido ouvir música secular; tudo era muito gentil. Até as coisas que eu podia tocar no piano eram para ser música clássica tradicional ou como hinos de igreja, e sendo educado em casa, havia isto, tipo, eu fazia tudo ao meu alcance para tentar me libertar de qualquer coisa que me mandassem fazer!

Eu sabia E menor porque são dois dedos, o acorde mais fácil de perceber, e só me lembro de tocar E menor como louco e pensar que soava tão legal!

“Então, tentando manter uma criança na música clássica, ele vai querer tocar rock ‘n’ roll. “

Existe outro instrumento neste planeta cuja popularidade deve tanto ao início da puberdade?

“Hmm-hmm, exactamente, ser capaz de encontrar aquela coisa que é rebelde. Lembro-me de estar sentado no corredor da minha mãe com o mini-pontinho Marshall ligado pela primeira vez, e liguei-o, pus o 1/4”. Eu conhecia um acorde.

“Eu conhecia E menor porque são dois dedos, o acorde mais fácil que consegui perceber, e só me lembro de tocar E menor como louco e pensar que soava tão legal! Não demorei muito a aprender quatro acordes, e lembro-me de os aprender numa das casas dos meus amigos”

E assim foi uma questão de encaixar o violão na prática do piano?

“A minha mãe tolerava o violão. Eu não conseguia tocá-la mais do que tocava piano. Claro que eu tinha que tocar piano duas horas por dia. Comecei agora mesmo no meu tempo livre. Acho que se podia ligar os auscultadores na pilha Marshall.

“É interessante, pois recentemente passei por um disco rígido meu e encontrei o vídeo da primeira vez que actuei num microfone aberto com aquela guitarra. Foi nesta pequena cidade rural. Eu tinha acabado de tirar a minha carteira de motorista, ou talvez a minha licença.

“Eu não tinha permissão para ir, mas eu dirigi a mim e ao meu amigo e toquei a primeira música que eu tinha escrito – e eu a gravei. É tão engraçado.”

Você foi viajar cedo na vida. Que influência isso teve na tua música?

“Quando deixei o liceu aos 17 anos de idade, mudei-me para o Alasca. Arranjei um emprego como director musical para este teatro de jantar – no meio do nada no Alasca estavam a fazer este espectáculo teatral para estes turistas num resort e precisavam de um pianista.

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Tinha ouvido muita música antiga e tinha acabado de começar a ouvir música mainstream porque, claro, não era permitido na casa

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“Esta foi a primeira vez que saí de casa. Eu nunca tinha estado em nenhum lugar fora do Oregon. Eu trouxe esta guitarra acústica que eu tinha comprado. Ao invés de viver com os atores deste grupo de teatro, acabei morando com os caras da manutenção e as pessoas que trabalhavam nos empregos mal remunerados – porque eram todos da minha idade.

“Eu tinha 18 anos e o resto destas crianças eram todos trabalhadores sazonais que tinham vindo para estes resorts. Lembro-me do primeiro dia em que lá cheguei, estas crianças estavam a tocar guitarra nos alpendres. Eu apareci e um dos meus amigos – que ainda é meu amigo, um dos meus amigos mais antigos – estava tocando Simon & Garfunkel no alpendre.

“Eu estava tipo, ‘Eu conheço aquela banda. O meu pai ouve aquela banda. Eu achei isso fixe. Ele acabou por me apresentar muita música durante os dois anos seguintes que realmente catapultou o meu estilo de composição. Eu tinha ouvido muita música de velhos e tinha acabado de começar a ouvir música mainstream porque, é claro, não era permitido em casa”

Isso deve ter sido como a luz que se acende na sua cabeça.

“Quando entrei no mundo conheci músicos que me apresentaram bandas como Broken Social Scene, Arcade Fire, Wolf Parade, Bright Eyes… Talking Heads. Tanta música que eu nunca tinha ouvido falar antes – Sufjan Stevens! E isso realmente me inspirou.

“Eu escrevi muitas músicas naquele verão, naquela guitarra acústica, e continuei a escrever música durante os anos seguintes e acabei no Havaí quando eu tinha 20 anos, e apenas continuei a minha jornada. É uma história longa, mas isso é apenas uma pequena parte dela. “

Usualmente estamos totalmente descolados quando fazemos estas descobertas, mas tendo adquirido o seu vocabulário musical do treino de piano, isso deve ter realmente intensificado esse sentido de inspiração.

Um novo acorde mudaria tudo. Um novo acorde significaria uma miríade de novas transições nas músicas

“Sim, absolutamente. Eu concordo plenamente. Aquela música clássica e aquela temperatura da primeira escolaridade em que a música é e como é, como é ver ler, como é ouvir com o ouvido… Eu podia ver ler música no piano e podia ler e ouvir, podia ler e ouvir as teclas da música.

“Mas ainda me sinto como um guitarrista amador. Não conseguia aguentar uma improvisação, a não ser que conhecesse os acordes. Eu não posso solo por si só. No entanto, a viagem com o violão é interminável, como é com o piano e a música em geral. Eu estou sempre aprendendo algo novo. Era assim que eu via isso quando tocava violão – um novo acorde mudaria tudo. Um novo acorde significaria uma miríade de novas transições nas músicas.

“Eu posso me lembrar quando aprendi a afinar minha guitarra D-A-D-F#-A-D, e aprendi esse estilo ao ouvir essa banda chamada Tallest Man on Earth, e ouvi muito dele por muito tempo. Eu achei essas músicas tão incríveis. E aquelas vozes!

“O meu amigo tinha-me ensinado quatro acordes para tocar quando se está a tocar esta afinação e isso mudou tudo. Escrevi quatro ou cinco músicas imediatamente, e mais recentemente, para este álbum que está saindo, eu estava tocando com essa mesma afinação, pensando que a tinha gasto, e aí vem um ritmo diferente com uma idéia parecida.”

Sempre isso é tudo o que é preciso, uma batida diferente, uma abordagem diferente, e algo que uma vez você pensou que está velho está fresco novamente.

“Encontrar ritmos diferentes dentro de uma simples progressão de acordes ajuda você a encontrar outro elemento de como uma música pode passar. Com a última música do álbum, Skin in the Game, é tão engraçado porque eu pensei que tinha gasto esta progressão de acordes, e pensei que tinha gasto esta afinação, mas não tinha tentado um ritmo diferente.

“Então eu poderia adicionar uma melodia diferente no topo, certo? Os dois andam de mãos dadas. É interessante, meu. As raízes do que te começa na música, e como ela te pode mudar e moldar para o futuro e manter a porta bem aberta.”

Parte de ser criativo é ter essa consciência para permanecer aberto a novas ideias.

Existe uma enorme diferença entre ser músico e ser artista. E nem sempre se consegue um e o mesmo

“E o mesmo se aplica a ter feito algum teatro quando eu era mais novo. Eu nunca estive no teatro – eu era apenas o cara lá atrás tocando piano, certo – mas acho que aquele ambiente me ajudou a me libertar da pessoa introvertida, e me empurrar para o palco, e me forçar a me extroverter para que o animador em mim pudesse se libertar”

Para muitos de nós, a idéia do palco é muito estranha, e a performance requer que apresentemos uma parte de nós que talvez não esteja naturalmente perto da superfície.

“Oh massivamente. Há uma enorme diferença entre ser músico e ser intérprete. E nem sempre se consegue uma e a mesma coisa. Você poderia estar assistindo um músico tocar música, mas quando você assiste um músico ser um artista, e um artista nesse sentido, isso é um tipo de pessoa muito diferente.”

Você tem que aprender a tocar?

“Absolutamente. Sim, tive que descobrir, muita e muita prática, marcando movimentos de palco. Adoro dançar mas não me libertei do meu próprio corpo até recentemente, sendo mais confortável dançar sem um instrumento, ou dançar com um violão.

“Há muito em que pensar, desde tocar os acordes até cantar a canção. Uma vez que você conhece a música tão bem de tocar com a banda ou sozinho, você conhece o instrumento com o qual você está tocando tão bem que você fica tão confortável com o violão ligado ou sentado ao piano e cantando a música, então você pode tocá-la.

“Agora você pode se soltar; é apenas uma segunda natureza. Você nem precisa pensar na canção porque você sabe que vai pregá-la. Agora você pode executá-la. Agora você pode acentuar essa mensagem através da sua linguagem corporal, através da maneira como você está entregando isso para uma audiência.”

Eu acho que o Alasca realmente me deixou cair nesse sentimento vagabundo de apenas o violão, seu caderno e sua mochila

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Porque você está tentando habitar um sentido diferente de si mesmo, performance um pouco como atuar

“Sim, e permanecendo nesse quadro autêntico de, ‘Eu não estou tentando impressioná-lo. Eu não estou a tentar muito. Só quero contar-te uma história através desta actuação, e através desta canção, e através destes instrumentos. Esta é a história completa e é assim que acontece'”

Foi por causa da viagem que gravaste primeiro para o acústico?

“Oh, sim. Não havia nada que eu pudesse realmente trazer comigo no que diz respeito ao piano, mas o piano parece sempre me encontrar, o que é hilariante. Eu estaria viajando e sairia para fora e apareceria um piano ao acaso. Mas a guitarra… Acho que o Alasca realmente me deixou cair nessa sensação vagabunda de apenas a guitarra, seu caderno e sua mochila”

Beside a harmônica, certamente há poucos instrumentos mais portáteis que a acústica…

“Era um item necessário que você não podia viver sem, porque você sempre podia aparecer para escrever algo e se expressar na estrada, e se tornou minha ferramenta para ganhar um par de dólares. Eu podia ganhar dinheiro. Eu podia tocar um microfone aberto, e assim que o GarageBand saiu, eu pulei direto para a gravação no computador, gravando CDs e saindo dali. Foi um nível totalmente novo para compartilhar o que você estava fazendo. Foi definitivamente mais fácil com a guitarra”

O que você estava tocando na época?

“Acho que meu primeiro acústico foi um Takamine, uma daquelas guitarras de 100 dólares, e, cara, eu dei uma surra naquela coisa. Mas depois a minha mãe, no Natal – a minha mãe é tão querida – comprou-me um Martin, que eu ainda tenho.

“Está um pouco fora de forma mas, meu, aquela coisa tem andado por aí! Aquele Martin fez muito trabalho durante alguns anos antes de eu o reformar, mas resistiu ao teste do tempo. Agora só estou divagando sobre guitarras – está bem assim?”

Este é o lugar para divagar sobre guitarras. Por favor, continue… O que você usou no disco?

Você sabe como é quando uma guitarra se torna uma parte de você? É como, está bem, eu posso tocar qualquer coisa nisto. É o meu bébé

” Sim, certo! Para as canções acústicas, eu toquei o Taylor. Passei de tocar o Martin e mudei para Cole Clark por alguns anos porque a empresa estava me dando guitarras e eu realmente gostava delas. Eu tinha dois diferentes. Eu tinha uma que era muito brilhante e uma que tinha uma ressonância muito mais profunda no baixo, e eu adorava aquelas guitarras.

“Mas eles são muito grandes. Eu sou um pequeno amigo, sabe, e segurar aquela coisa era como alcançar e ter que tocar este grande ‘ol violão acústico, então não me encaixava tão bem.

“Eu sempre quis experimentar um Taylor. Outro músico amigo meu já os tocava há anos, e os que ele tinha eram muito pequenos e com um som realmente perfeito e equilibrado. A captação nele, e a acústica dele quando o gravamos, soou tão cheio. Tipo, “Deus, tenho de experimentar um deles.

“Então eu tenho um deles e tem sido a minha guitarra de tournée nos últimos dois anos. É um top de mogno também – eu gosto desses tops de mogno – e me serve perfeitamente. Sabes como é quando uma guitarra se torna parte de ti? É como, está bem, eu posso tocar qualquer coisa nisto. Esse é o meu bebé.”

E que tal electricidade?

“A electricidade que usei no álbum foi a D’Angelico . O D’Angelico é uma companhia tão fixe, óptima gente, e eles deram-me esta guitarra quando eu estava em Nova Iorque há uns anos atrás.

“Eu já tive um Guild, anteriormente. Eu tinha tocado Fenders, e nos últimos dois anos tenho experimentado com guitarras diferentes, amplificadores diferentes, tons diferentes, e porque eu toco principalmente ritmo com a banda completa eu realmente queria algo que fosse encorpado, que cortasse.”

Nahko and Medicine for the People’s new album, Take Your Power Back, is out via Side One Dummy / Medicine Tribe Records.