Se hai passato un po’ di tempo a setacciare YouTube alla ricerca di tutorial di mixaggio, probabilmente hai incontrato il lavoro di Matthew Weiss.

Oltre ad essere un mixer nominato ai Grammy e vincitore del premio Spellemann, Matthew è un eminente leader di pensiero sul processo della moderna produzione di dischi. Ha scritto più di 200 articoli che demistificano una gamma incredibilmente varia di argomenti – dalla compressione della voce al clipping dei kick. I suoi tutorial di missaggio sono tra i migliori disponibili.

Ci siamo seduti di recente per discutere del mestiere e del business dietro il missaggio dei dischi.

Sei cresciuto a Philadelphia. Questo ha influenzato il suono dei tuoi dischi? Come suona un disco di Matthew Weiss?

Philly è una città jazz. Quando sei coinvolto in quella scena a qualsiasi livello, cominci a sentire la musica come una conversazione tra musicisti, al contrario delle note su una pagina o dei testi con un ritmo. Io penso alla musica come a una conversazione. Lo attribuisco alla mia educazione.

Per quanto riguarda il mio suono, gravito verso qualsiasi cosa la canzone richieda. A volte è grande e lucido. Altre volte è sporco e strano, e la batteria è spostata su un altoparlante. Dipende davvero.

Alcuni mixer, come Chris Lord-Alge, sono noti per avere un’impronta sonora caratteristica. Altri si vantano di essere camaleonti. Sembra che tu graviti verso la seconda.

Sono una via di mezzo. Penso di avere un suono distinto – è solo difficile da esprimere a parole. Il suono di Chris è un po’ più facile da definire, perché lui è un mixer così indulgente. Mette i suoi paraocchi visivi e quelli per le orecchie completamente spenti. Cazzo, lui muove quelle manopole. Più potere a lui – è un modo fantastico di mixare. Ma lui è un po’ più facile da identificare. Penso che qualcuno potrebbe scegliere il mio mix da una scaletta, ma non penso che sarebbe facile dire cosa lo ha tradito.

Sento un sacco di saturazione e distorsione sottili nei tuoi mix. Come ti avvicini ad aggiungere carattere?

Quando stavo venendo su come assistente e stagista, ho passato molto tempo a mixare su una console API. Quella cosa aveva tono. Più spingevi in alto un fader, più la gamma media cambiava. Se inserivi un EQ, cambiavano i medi inferiori e gli alti. Non dovevi nemmeno fare un’equalizzazione.

Oggi mixo nella scatola con un setup ibrido, e la distorsione non c’è. Così ho iniziato a sperimentare su questa linea. Ho scoperto che l’aggiunta di una sottile saturazione può davvero portare un suono alla vita. Dà alle cose un tono o un carattere, simile al modo in cui una console lo farebbe naturalmente. Solo che ora ho molto più controllo su cosa sia esattamente quel suono.

Hai qualche consiglio per usare la saturazione in un mix?

Prova ad aggiungerla per prima nella catena, prima del tuo EQ. La saturazione creerà uno spostamento tonale, non importa cosa fai. A volte questo spostamento è sottile, quindi non necessariamente lo si nota subito. Per esempio, diciamo che aggiungi un po’ di saturazione in stile FET a una voce. Potresti trovare una certa brillantezza che inizia a manifestarsi intorno agli 800 Hz. Se aggiungi la saturazione alla fine della tua catena, la voce potrebbe sollevarsi in avanti in un modo poco piacevole. Ma se la aggiungi prima, puoi equalizzare quel po’ di spostamento tonale in più. Poi si ottiene una voce ben bilanciata, con un po’ di succo armonico aggiunto.

Questo ha molto senso.

Sì. Inoltre, un sacco di gente non traccia più con la compressione o l’equalizzazione. Fanno tutto nel mix. Quindi questi stadi di saturazione che normalmente esisterebbero prima del tuo EQ non ci sono più. Ma fino a circa 5 anni fa non era così. Poiché la musica è esistita nell’altro modo per decenni, penso che ci siamo abituati a quel suono.

Hai detto che molto di più viene lasciato al mix. Ti trovi ad usare più elaborazione oggi rispetto a 5 o 10 anni fa?

Sono successe due cose. Da un lato, gli strumenti acustici e le fonti stanno ricevendo meno trattamento sul davanti, e generalmente hanno bisogno di essere scolpiti di più nel mix. Ma anche, la maggior parte della strumentazione viene creata con synth morbidi e campioni che sono accuratamente progettati dal produttore. Così, mentre gli elementi acustici richiedono più lavoro e più sound design, gli elementi programmati ne richiedono meno.

Stavo lavorando a questo mix pop. La voce ha sei istanze di elaborazione – EQ, compressione, riverbero… non ricordo nemmeno cos’altro. E poi ci sono i synth, dove non c’è letteralmente nessuna elaborazione. È interessante vedere che succede.

Parliamo dei tuoi mentori. Dai molto credito a Mark Marshall, Bobby Eli e Denise Barbarita. Quali sono alcune delle cose che hai imparato da loro? Per qualcuno che inizia oggi, la mentorship è ancora rilevante?

La mentorship è più rilevante oggi di quanto lo sia mai stata. Non credo che ci sia un vero modo per imparare questo business senza una guida. Se lo fai da solo, non sai nemmeno cosa è importante imparare. E poi devi comunque impararlo.

Mark è un produttore incredibile, e in realtà è sordo da un orecchio. Ascolta solo la performance e l’arrangiamento. Le performance che ottiene, le cose che sceglie di evidenziare da quelle performance, e il modo in cui mette le cose a livello nei suoi arrangiamenti sono tutte perfette. Molta della mia sensibilità nell’affrontare la canzone è venuta da Mark.

Come tecnici del mix, è importante ricordare che il suono è in realtà secondario. Il nostro vero lavoro è quello di prendere una performance, sia programmata che dal vivo, e farla tradurre attraverso gli altoparlanti nel modo in cui è stata pensata. Per farlo, dobbiamo entrare in contatto con la canzone stessa.

Penso che sia così importante da ricordare. Come ingegneri, spesso siamo così presi dal lato tecnico delle cose che dimentichiamo quello che stiamo davvero facendo.

Non sono solo gli ingegneri. Gli artisti, gli A&R, i produttori… anche loro si fanno prendere. Siamo tutti così ossessionati dal raggiungere questo suono perfetto. Ci dimentichiamo che la musica stessa è un organismo vivente unico.

Qual è la più grande sfida nel mixare un disco oggi?

A volte arriva un mix grezzo e il tuo cliente se ne innamora. Ne diventa così ossessionato che puoi arrivarci solo se i tuoi gusti naturali si allineano casualmente con il rough. Il che non succede molto spesso.

E’ divertente… mi è successo proprio la settimana scorsa.

Perché le decisioni che dovevano essere prese non sono state prese prima che la traccia arrivasse a te. Quindi le decisioni, che sono soggettive, finiscono nel tuo campo. E diventa una questione di cosa vuoi tu. E questo non sarà sempre in linea con quello che vuole l’artista.

Se fai così, finisci per dover assumere un mixer diverso per ogni canzone. Altrimenti, non avrai mai la versione migliore del grezzo che stai cercando.

A meno che tu non cominci ad impegnarti in anticipo. Questo è ciò che i produttori e gli artisti devono davvero iniziare a fare.

Quando ascolti il rough, cosa ti passa per la testa?

Mi chiedo: qual è lo scopo di questo disco? Cosa dovrebbe far fare all’ascoltatore? Sto cercando di determinare il sentimento e l’emozione.

Poi potrei iniziare a sintonizzarmi su cose come dove sono impostati i livelli. Questo potrebbe dirmi qual è lo strumento principale, o quale ambiente stanno pensando. O potrebbe non farlo. Ognuno ha un concetto diverso di cosa sia un rough mix. Potrebbe essere stato messo insieme da qualcuno che non aveva idea di cosa farci. A volte amano il grezzo. Potrebbe essere l’una o l’altra cosa.

Sono più interessato a quello che l’artista sta cercando di comunicare che a come suona il rough mix. Cerco di capire quali sono i sentimenti e le intenzioni del disco. Poi posso formulare le mie opinioni su come tradurle al meglio attraverso il mix.

Quindi sei guidato più dall’emozione e dall’intenzione del grezzo che dalle scelte specifiche che sono state fatte.

Esattamente. Le persone che fanno queste scelte probabilmente non sono ingegneri del mix. Perché sposarsi con un mix che è stato fatto da qualcuno che non mixa?

Lottavo con questo. A volte prendo un mix in una direzione che finisce per essere diversa da quella che vuole il cliente. Poi finisci per fare così tanti cambiamenti nel processo di revisione che perde la sua anima.

Oh amico, lo odio. La chiamo “morte per revisione”. Puoi davvero perdere l’essenza del disco.

La chiave è fare un po’ di lavoro investigativo in anticipo. Capire, ascoltando il grezzo e comunicando con il cliente, quanto è accurato? Quanto dobbiamo attenerci ad esso? Quanto possiamo attenerci? Possiamo farlo suonare così in modo buono? Forse non possiamo. Forse non vale nemmeno la pena di provarci. Forse non siamo il giusto mixer per il lavoro.

Ci sono certi posti dove io traccio la linea e dico – se questo è quello che vuoi, conosco un sacco di ragazzi che lo fanno bene, e sarei felice di metterti in contatto con loro.

Daresti lo stesso consiglio a qualcuno che ha appena iniziato?

No. Quando inizi, hai bisogno di esperienza. Questo include le brutte esperienze. Non rifiutare il lavoro quando si è appena agli inizi. Capire le aspettative del cliente e soddisfarle. Punto.

Quando lo fai, ti dà gli strumenti necessari per andare avanti. Ti permette di affrontare le sfide di lavorare con clienti più difficili in situazioni di maggiore pressione. Ti rende anche più versatile, perché ti costringe a fare cose che non saresti naturalmente incline a fare.

Voglio cambiare marcia per un secondo. Ho imparato così tanto dai tuoi articoli e video sul mixaggio. Ho notato che spesso ti concentri più sul tuo processo di pensiero che sulle decisioni specifiche che prendi. Perché?

Ho iniziato a diventare attivo online intorno al 2008, quando la maggior parte dei discorsi online sull’audio era “ecco come si mixa un kick… ecco come si mixa un rullante”. Questo non perché gli ingegneri che lo spiegavano non fossero eccezionali. Erano solo terribili nello spiegare le cose. Perché non hanno mai dovuto farlo. Non erano insegnanti.

Quindi, quando ho iniziato a scrivere, ho pensato più che altro: “possiamo fare tutte queste cose, ma perché? Per esempio, perché aggiungere il sub a un calcio? Forse stiamo cercando di far sentire all’ascoltatore il kick fisicamente. Forse quel movimento fisico… quell’impatto che sentono li spingerà a muoversi in risposta. Forse è così che funziona il ballo. O forse è proprio la connessione tra gli strumenti che li farà ballare. Forse non ha niente a che fare con il calcio. Essere in grado di identificarlo e dargli un senso è molto importante.

Se ascolti i dischi degli anni ’70, non c’era bisogno di una gran cassa. La conversazione tra il basso e le chitarre e la tasca della batteria era ciò che faceva ballare la gente. Non processeresti la cassa come faresti oggi in un brano EDM, perché non era il cuore della canzone. Ed è allora che mi è venuto in mente che non c’è un solo modo corretto di elaborare una grancassa. Ci sono solo contesti in cui una cassa vive. È più importante parlare di questi contesti e di come influenzano le scelte che facciamo. Se possiamo iniziare a guardare le cose attraverso questa lente, possiamo fare dischi di maggior successo.

Quando ho iniziato a scrivere, questo non era qualcosa su cui mi concentravo consapevolmente. Era più una reazione inconscia a ciò che non mi piaceva. In seguito, ho iniziato a realizzare, aspetta un attimo… c’è davvero qualcosa da insegnare qui. Il come e il perché, al contrario del cosa, è molto più importante. E ora, nel 2016, è diventato molto più normale spiegare il processo di pensiero. Il che penso sia fantastico.

Che consiglio daresti a qualcuno che spera di fare carriera nella registrazione?

Il mondo della musica è un business di persone. Hai bisogno di incontrare persone. Se ti limiti a creare roba da solo, ti stai perdendo qualcosa. Rimarrai indietro rispetto ai tempi. La tua roba non sarà così buona come potrebbe essere per tutti gli altri. Sarà buona solo per te.

Trova le persone che lavorano, che fanno le cose. Etichette, rappresentanti di A&R, supervisori musicali per stazioni televisive e film… non hai nemmeno bisogno di conoscere personalmente l’editore musicale. Basta capire chi è il loro assistente.

Devi uscire e incontrare le persone. Devi farlo. Altrimenti farai solo musica, la condividerai con i tuoi 300 amici su Facebook e tornerai al tuo lavoro giornaliero.

Ti trasferirai a Los Angeles a settembre. Dove pensi che ti porterà questa transizione?

C’è un sacco di gente che si trasferisce a Los Angeles e poi se ne va come un’onda che rotola nel vento. Non voglio che questo accada a me. Voglio fare un’impressione. Penso che questo si faccia formando delle alleanze. Non credo che si faccia nel senso della vecchia scuola, dove c’è competizione per i concerti e la gente è subdola e losca. Questo è ciò che ha fatto crollare l’intera industria discografica, più che la pirateria. È solo un cattivo affare. Voglio formare connessioni positive e amicizie genuine che aiutino tutti. Tutta la mia carriera è stata fondata sull’idea che se ti circondi di successo, hai successo.

In termini di ciò che deve accadere tangibilmente, ho bisogno di trovare uno spazio commerciale. Voglio stare in un posto dove ci sono altre persone. Non voglio più farlo da solo. Voglio trovare un ingegnere junior e un assistente. Voglio essere circondato da persone che rendono me e quello che faccio più grande e migliore. Voglio che sia un business. Voglio che sia una squadra.

Questo è rinfrescante da sentire. Ho trascorso cinque anni a New York, e spesso mi sembrava che ognuno pensasse solo a se stesso. Non l’ho più sperimentato da quando mi sono trasferito a Los Angeles.

Ecco perché New York ha avuto così tanti problemi. Molti studi hanno chiuso e molti ingegneri se ne sono andati.

Sono molto competitivo. Voglio vincere ogni concerto in cui mi metto in gioco. Ma non voglio vincere a causa della politica, o perché conosco la sorella di qualcuno. Nessuna di queste cose. Voglio vincere perché ho fatto un lavoro migliore dell’altra persona. Se l’altra persona vince, ed è quella che ottiene il resto del record, voglio che sia perché ha lavorato per questo e l’ha raggiunto. In questo processo, anche se tutti possiamo giocare un po’ alla roulette dei concerti, il campo complessivo diventa migliore. Diventa un ambiente migliore in cui esistere. Significa che a volte potrei avere una fetta più piccola della torta? Forse.

Ma una torta più grande? Questo è qualcosa che tutti cerchiamo.

Per saperne di più su Matthew Weiss, visita il suo sito web, controlla i suoi articoli su The Pro Audio Files, o ordina uno dei suoi tutorial di mixaggio premium.