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O meu último vídeo do YouTube é outro vídeo sobre agir ‘realisticamente’. Neste vídeo, eu digo que compilei quatro dicas simples que nos ajudarão a agir da forma mais realista possível na tela. Tendo dito isto, há muito mais dicas do que isto. Além disso, quando falo em agir ‘realisticamente’, estou a falar em agir como um ser humano natural na vida real agiria. Como eu escrevi em um post de blog anterior (e mencionado em um vídeo anterior), agir de forma realista é um pouco contraditório porque agir não é nada realista. Você pode, no entanto, agir de uma forma realista, ou naturalista, mas eu divago. Basicamente: todos nós sabemos o que queremos dizer com agir realisticamente.

Layers

A primeira dica que aprendi com várias lições de atuação e com a experiência é sobre camadas contrastantes. Estas devem estar presentes na sua performance para que você possa agir de forma convincente. Eu aprendi em workshops que os diretores de elenco LIKE camadas contrastantes em um ator (algo para se pensar!). As pessoas são complexas e multidimensionais, elas pensam muitas coisas diferentes ao mesmo tempo, normalmente. Então, para agir de forma realista, devemos considerar como as pessoas na vida real são uma mistura de camadas contrastantes (ou mesmo contraditórias), ou pensamentos, ou emoções, que podem ser vistas nos olhos. Podemos representar tal complexidade em nossa atuação através de camadas.

Layering é a idéia de que o que você pensa ou sente e o que você diz ou faz podem ser coisas contrastantes (ou mesmo contraditórias). Isto também é útil se você não consegue acessar um pensamento em particular: talvez seu personagem esteja infringindo a lei e você simplesmente não consegue acessar este pensamento com força suficiente porque você não consegue se relacionar com as ações do seu personagem. Bem, como um ator, você pode escolher incorporar culpa não dita neste caso (este é apenas um exemplo). Esta culpa não dita adicionará uma camada contraditória ao personagem ilegal que os tornará mais tridimensionais e talvez até mais relatáveis para um público. Se você quiser agir de forma realista, você inevitavelmente terá um pouco de ‘você’ no seu retrato de qualquer personagem que você interprete de qualquer maneira. Por exemplo, talvez você esteja interpretando um detetive que está investigando um assassinato e pensa que eles sabem quem o fez, e quando você está entrevistando seu suspeito, você pode falar e agir com calma e indiferença (porque este é o trabalho de um detetive), mas, ao mesmo tempo, você pode estar sentindo ódio ou repugnância em relação ao seu suspeito. Esses pensamentos internos se revelarão apenas em seus olhos. E esses pensamentos internos contrastarão com o seu exterior (ou a frente que você está colocando). Você pode dizer algo simplesmente que pode significar qualquer coisa como, “e seu nome é?” Mas se você diz esta linha pensando ódio e nojo, então você está adicionando subtexto a esta linha. Torna-se menos sobre perguntar o nome de alguém e mais sobre deixar o público saber que o seu personagem não gosta desse ‘alguém’. Da mesma forma, se o seu personagem sente pena do suspeito de assassinato e não acha que foi ele, então eles podem fazer a pergunta com pena. Isto contrasta com o exterior do detective que também diz mais ao público sobre o que a sua personagem sente sobre a situação.

De certeza, este é um exemplo simples de estratificação. A estratificação pode tornar-se mais complexa: você pode colocar múltiplos sentimentos uns sobre os outros e eles podem lutar por trás dos olhos. As pessoas na vida real raramente são abertas e honestas e assim, como atores, se quisermos retratar um personagem realisticamente, temos que pensar em todas aquelas camadas contraditórias que tornam uma pessoa humana. Muitas vezes não há sempre um sentimento interior numa pessoa: as pessoas estão inseguras sobre as situações, podem gostar de aspectos de um cenário, não gostar de outros aspectos um segundo depois, sentir vergonha de si mesmas, orgulho de si mesmas, pensar no que têm que fazer quando saem da sala onde estão, pensar de onde acabaram de vir, talvez estejam com fome e se perguntam o que terão que comer depois.

As pessoas raramente estão atentas e vivem o momento, e estão constantemente a julgar o seu ambiente, as outras pessoas, e a si próprias. Os pensamentos ou sentimentos internos são abundantes e muitas vezes contraditórios com eles mesmos. Além disso, estes pensamentos e sentimentos contraditórios contrastam com a fachada exterior de uma personagem: como se apresentam aos outros. Há sempre uma discrepância entre o interior e o exterior de uma pessoa, e as mudanças exteriores em diferentes contextos/circunstâncias exteriores (e suponho que, por associação, as mudanças interiores também). Por exemplo, você se apresenta de uma maneira numa entrevista de emprego e isso seria diferente de como você poderia se apresentar num primeiro encontro (talvez… você tenha a idéia).

Layering envolve imbuir o diálogo (ou monólogo) do seu personagem com subtexto. O subtexto invariavelmente adiciona profundidade ao retrato de um personagem. Esta profundidade é mais sobre o que você pensa, e pode ser vista nos olhos. Esta camada de contrastes e subtexto adiciona imprevisibilidade a um personagem: não sabemos realmente o que eles estão pensando ou sentindo sobre uma situação ou personagem, e, portanto, não podemos realmente prever o que eles podem fazer em seguida em uma cena (mesmo que possamos especular). Uma má representação bidimensional é aborrecida porque sabemos o que aconteceu antes de a cena ter terminado. Personagens complexos com camadas e subtexto contraditórios são muito mais divertidos de se ver do que atores que combinam pensamento com ação e interpretam tudo sinceramente.

Fazer o Oposto

Eu aprendi a próxima dica de uma lição de atuação, e é fazer o oposto em momentos de emoção intensa. Por emoção intensa, quero dizer qualquer coisa onde as coisas ficam um pouco mais dramáticas, como chorar, gritar/arguejar, rir, euforia, terror, desgosto. Se você pensar sobre isso, em tais momentos, aspirantes a atores (iniciantes) chafurdam nela, eles se entregam à emoção que acham que deveriam retratar, mesmo que não seja realista. Da mesma forma, não parece realista: parece que eles estão atuando. No entanto, em momentos de emoção tão intensa, é mais realístico representar longe dela: em outras palavras, representar o oposto. Isto vai aumentar a intensidade emocional na cena e tornar as coisas mais divertidas para o público. Por exemplo, se você quer jogar com medo, você não ‘joga com medo’, você ‘joga corajosamente’ em uma situação assustadora. Se queres interpretar uma personagem é a rir, não te limitas a rir, mas sim a ‘por favor, não te rias’. Se queres interpretar uma personagem que está a chorar, não te limitas a chorar, fazes de ‘aguenta as lágrimas’. Alguém que chora não costuma deixar sair tudo, vai conter as lágrimas, o choro é um último recurso. Há uma tensão entre chorar e não querer chorar. Claro, isto não é para dizer que não se ri ou chora quando se age. Só tens de pensar nestes movimentos de uma certa forma, se quiseres parecer realista. Coisas como lágrimas e risos como expulsões de excesso de energia e devem ser sempre um subproduto, não um objetivo. Se você fizer desses subprodutos um objetivo, então a emoção intensa que acompanha esses subprodutos é perdida porque simplesmente não está sendo contabilizada. Tudo o que te resta são os subprodutos vazios e vai parecer que estás a fingir. As pessoas raramente deixam transparecer as suas emoções interiores, especialmente quando há emoções intensas envolvidas. As pessoas retêm as lágrimas, agem corajosamente quando estão aterrorizadas. Quando as pessoas estão tristes, elas tentam escondê-lo. Quando as pessoas estão bêbadas, elas tentam parecer sóbrias.

Reagir às mudanças

A terceira dica é sobre como reagir às mudanças. Isto é algo que me foi ensinado em lições de atuação e aprendido em masterclasses com diretores de casting. Muitas vezes, algo ‘novo’ vai acontecer em uma cena: haverá uma mudança. Pode ser uma mudança factual ou uma mudança emotiva. Por exemplo, seu personagem pode aprender algo novo sobre outro personagem na cena, talvez outro personagem entre na sala, ou talvez haja uma mudança de status entre seu personagem e outro personagem. Tais mudanças afetarão o subtexto em uma cena, o status dos personagens na cena, a linguagem corporal, os objetivos do seu personagem e como eles vão obtê-los; um personagem pode aprender algo novo que pode apresentar um obstáculo para eles, ou talvez alguém entre na cena e isso ajude o seu personagem a obter o objetivo deles. Estes são apenas exemplos.

Subtexto também pode ser afetado quando há uma mudança durante uma cena: por exemplo, dizer ‘olá, prazer em conhecê-lo’ a um novo conhecido vai soar extremamente carregado se seu personagem percebeu momentos antes que esse novo conhecido está tendo um caso com o outro importante de seu personagem.

Status pode mudar é que um personagem sabe algo que o outro não sabe: aquele que sabe mais geralmente tem um status mais alto. Pense nisso: durante uma cena de reféns, a pessoa presa vê um policial chegando lá fora, mas o sequestrador não vê. Há aquela mudança perceptível ou mudança na linguagem corporal quando a vítima mantida em cativeiro tem esperança e sabe que agora tem a vantagem. O sequestrador não muda, mas relativamente, em comparação com a vítima, há uma mudança visual no status. Este cenário é muito usado em dramas e filmes, então sem dúvida todos sabem o que quero dizer.

Como tal, a linguagem corporal é afetada por mudanças durante uma cena, se o seu personagem ganha mais status ou uma repentina aversão por outro personagem, a sua linguagem corporal vai mudar. Mudanças durante uma cena podem afetar o objetivo do seu personagem, a forma como eles vão obter esse objetivo, e o status ou as estacas em uma cena (meu professor de atuação continua dizendo que ‘objetivos’ e ‘obstáculos’ são ‘Stanislavski 101’, então eu estou passando por isso aqui).

Não subestime pequenos momentos como outro personagem entrando na sala durante uma cena: isso apresenta uma mudança que pode afetar múltiplas características (linguagem corporal, subtexto, status). Alguém que entra na sala será sempre digno de nota, como na vida real. Da mesma forma, não antecipe uma mudança na cena (não comece a atuar as mudanças antes que haja uma razão para isso). Lembre-se: o seu personagem não sabe o que vai acontecer a seguir, mesmo que você (o ator) saiba. Aspirantes a actores iniciais muitas vezes esquecem de reagir às mudanças porque, claro, eles já sabem o que vai acontecer na cena: ou eles vão ter o seu personagem a reagir prematuramente a algo prestes a acontecer, ou eles podem não perceber que houve uma mudança para o seu personagem e as coisas precisariam de ser abordadas de forma diferente. Há muito a incorporar quando se trata de reagir a mudanças em uma cena, então, por enquanto, vou resumir como a seguir:

• Escutar (não, realmente escute)
• Reagir ao outro ator
• Acting is more than talking
• Reagir quando o seu personagem não está falando

Saber o SEU objetivo, assim como o do seu personagem

A minha quarta dica é saber o SEU objetivo, não apenas o do seu personagem. Eu percebi esta dica por muito pensar e ler e agir. Só porque você não está agindo de forma realista, não significa que você é ruim na atuação. A definição de ‘realista’ na arte mudou com o passar do tempo. Na verdade, o termo ‘realista’ nem sequer é usado quando se fala deste tipo de coisas: as pessoas tendem a usar o ‘realismo’, que também é notoriamente difícil de definir. Eu só uso o termo ‘realista’ aqui porque ‘como agir realisticamente’ é um termo de busca popular. Todos querem saber a resposta a esta pergunta que parece.

O praticante de teatro Bertolt Brecht alegou que o seu estilo teatral (cheio de contradições e alienações e gestos contrastantes) era melhor retratar a realidade do século XX porque oferecia uma variedade de perspectivas e obrigava a visão a pensar no que estavam a ver em vez de se absorverem no meio de uma linha da história e esquecerem que estavam a ver uma peça. Mas não chamaríamos de representação “realista” a representação de Brechtiano. Ou chamaríamos? É um tipo diferente de atuação do sistema de Stanislavski, embora.

Eu acho que há uma diferença entre interpretar algo realisticamente e interpretar algo sinceramente. Por exemplo, você pode interpretar algo sinceramente onde você acredita que a personagem existe naquela cena naquele momento, mas ainda não é realista. Da mesma forma, você pode interpretar algo ‘realisticamente’, mas o personagem é insincero. Você sabe que eles estão mentindo – eles se contradizem. Eles são difíceis de prender. Mas é assim que as pessoas se comportam na vida real e parece realista, mesmo que, apesar de uma representação tão precisa, o ator está atuando e o todo isso não é real de qualquer forma!

O meu ponto aqui é que você tem que saber o que você quer fazer na sua performance. Se é para parecer real e como se você não estivesse atuando, então você tem que saber como as pessoas agem na vida real: observe-as, observe a si mesmo. Novos atores sempre fazem algo irrealista, algo que não é normal. Mas alguns deles fazem-no sinceramente, o que não é má representação, apenas não é uma representação “realista”. Se você quer agir como na vida real, então saiba como você está na vida real.

Dee Cannon, em In-depth Acting escreve:

‘se você quer ser um ator que mostra grande profundidade em seus personagens, então eu não posso enfatizar o quanto é crucial encontrar a profundidade emocional dentro de você mesmo. Quanto mais rico você se tornar como pessoa, mais rico você será e crescerá como ator.’

Dee Cannon, em In-depth Acting, p. 19

Eu acho que saber como você mesmo se comporta naturalmente é crucial se você quiser agir de forma realista, ou melhor, parecer que você não está atuando de forma alguma.

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