Se você passou algum tempo vasculhando o YouTube para misturar tutoriais, você provavelmente encontrou o trabalho de Matthew Weiss.

Sendo Matthew um mixer indicado ao Grammy e ganhador do prêmio Spellemann, Matthew é um eminente líder de pensamento sobre o processo de fazer registros modernos. Ele escreveu mais de 200 artigos que desmistificam uma gama notavelmente diversificada de tópicos – de compressão de vocais a pontapés de recorte. Seus tutoriais de mixagem premium estão entre os melhores disponíveis.

Sentamos recentemente para discutir o ofício e o negócio por trás da mixagem de discos.

Você cresceu na Filadélfia. Isso influenciou o som dos seus discos? Como soa um disco de Matthew Weiss?

Philly é uma cidade de jazz. Quando você está envolvido nessa cena em qualquer nível, você começa a ouvir música como uma conversa entre jogadores, ao invés de notas em uma página ou letra com uma batida. Eu penso em conversas musicais. Atribuo isso à minha educação.

Como para o meu som, eu gravito para o que quer que a música peça. Às vezes é grande e brilhante. Outras vezes é suja e esquisita, e a bateria é dentada para um alto-falante. Realmente depende.

Alguns mixers, como Chris Lord-Alge, são conhecidos por terem uma pegada sônica característica. Outros se orgulham de serem camaleões. Parece que você gravita em direção a este último.

Eu estou no meio. Eu acho que tenho um som distinto – é difícil de colocar em palavras. O som do Chris é um pouco mais fácil de definir, porque ele é um mixer tão indulgente. Ele liga as suas cortinas visuais e as suas cortinas de ouvido completamente desligadas. Ele liga a porra desses botões. Mais poder para ele – é uma maneira fantástica de misturar. Mas ele é um pouco mais fácil de pôr um dedo em cima. Acho que alguém poderia escolher a minha mistura a partir de um alinhamento, mas acho que não seria fácil dizer o que a deu.

Ouço muita saturação sutil e distorção nas suas misturas. Como você aborda a adição de caracteres?

Quando eu estava vindo como assistente e estagiário, eu gastei muito tempo misturando em um console da API. Aquela coisa tinha tom. Quanto mais você empurrava um fader para cima, mais o alcance médio mudava. Se você clicou em um EQ, a faixa média inferior mudou e a parte superior mudou. Você nem precisou fazer nenhum EQing.

Hoje eu misturo na caixa com uma configuração híbrida, e a distorção não está lá. Então eu comecei a fazer experiências nesse sentido. Descobri que adicionar alguma saturação sutil pode realmente trazer um som à vida. Dá às coisas um tom ou carácter, semelhante ao que uma consola naturalmente daria. Só que agora eu tenho muito mais controle sobre exatamente o que esse som é.

Você tem alguma dica para usar saturação em uma mixagem?

Tente adicioná-la primeiro na cadeia, antes do seu EQ. A saturação vai criar um deslocamento tonal, não importa o que você faça. Às vezes esse deslocamento é sutil, então você não necessariamente o pega logo de cara. Por exemplo, digamos que você adiciona alguma saturação no estilo FET a um vocal. Você pode encontrar um certo brilho que começa a aparecer em torno de 800 Hz. Se você adicionar a saturação no final da sua corrente, o vocal pode se elevar para frente de uma forma menos que agradável. Mas se você adicioná-la primeiro, você pode EQ para fora aquele pedaço extra de deslocamento tonal. Então você obtém um vocal bem equilibrado, com algum suco harmônico adicionado.

Isso faz muito sentido.

Yeah. Além disso, muitas pessoas não estão mais rastreando com compressão ou EQ. Eles estão a fazer tudo na mistura. Portanto, esses estágios de saturação que normalmente existiriam antes do seu EQ não estão mais lá. Mas até cerca de 5 anos atrás, esse não era o caso. Como a música existiu de outra forma por décadas, acho que nos acostumamos a esse som.

Você menciona que muito mais está sendo deixado para a mixagem. Você se vê usando mais processamento hoje do que há 5 ou 10 anos atrás?

Duas coisas estão acontecendo. Por um lado, instrumentos e fontes acústicas estão recebendo menos tratamento na frente, e geralmente precisam ser esculpidos mais na mistura. Mas também, mais da instrumentação está sendo criada com sintetizadores e amostras suaves que são cuidadosamente projetados pelo produtor. Assim, enquanto os elementos acústicos estão a exigir mais trabalho e mais design de som, os elementos programados estão a exigir menos.

I estava apenas a trabalhar nesta mistura pop. O vocal tem seis instâncias de processamento – EQ, compressão, reverberação…Eu nem me lembro do que mais. E então você tem os sintetizadores, onde não há literalmente nenhum processamento. É interessante ver isso acontecer.

Vamos falar sobre os seus mentores. Você dá muito crédito a Mark Marshall, Bobby Eli, e Denise Barbarita. Quais são algumas das coisas que você aprendeu com eles? Para alguém que começa hoje, a mentoria ainda é relevante?

A mentoria é mais relevante hoje do que alguma vez foi. Não acredito que haja uma maneira real de aprender este negócio sem orientação. Se você está fazendo isso por conta própria, você nem sabe o que é importante aprender. E então você ainda tem que aprender.

Mark é um produtor incrível, e na verdade ele é surdo de um ouvido. Ele só ouve o desempenho e o arranjo. As performances que ele recebe, as coisas que ele escolhe para destacar dessas performances, e a forma como ele coloca as coisas niveladas em seus arranjos são todas em destaque. Muita da minha sensibilidade sobre como abordar a música veio do Mark.

Como engenheiros de mixagem, é importante lembrar que os sonics são na verdade secundários. Nosso verdadeiro trabalho é pegar uma performance, seja programada ou ao vivo, e fazê-la traduzir através dos alto-falantes da maneira que foi planejada. Para fazer isso, precisamos entrar em contato com a própria música.

Acho que isso é tão importante para lembrar. Como engenheiros, muitas vezes ficamos tão envolvidos no lado técnico das coisas que esquecemos o que realmente estamos fazendo.

Não é só engenheiros. Artistas, A&Rs, produtores…eles também são apanhados por isso. Estamos todos tão obcecados em conseguir este som perfeito. Esquecemos que a música em si é um organismo vivo único.

Qual é o maior desafio de misturar um disco hoje?

Às vezes uma mistura rude aparece e o seu cliente apaixona-se por ela. Eles ficam tão obcecados com ela que você só pode chegar lá se seus próprios gostos naturais coincidirem com o rude. O que não vai acontecer com tanta frequência.

É engraçado…isto só me aconteceu na semana passada.

Porque as decisões que precisavam de ser tomadas não estavam comprometidas antes da pista chegar até si. Por isso as decisões, que são subjectivas, acabam no teu estádio. E torna-se uma questão do que você quer. E isso nem sempre vai estar de acordo com o que o artista quer.

Se você fizer isso, você acaba tendo que contratar um mixer diferente para cada música. Caso contrário, você nunca vai ter a melhor versão do rough que você está procurando.

A não ser que você comece a se comprometer com as coisas na frente. É isso que produtores e artistas realmente precisam começar a fazer.

Quando você está ouvindo o bruto, o que está passando pela sua cabeça?

I’m asking myself – what’s the purpose of this record? O que é suposto obrigar o ouvinte a fazer? Estou a tentar determinar o sentimento e a emoção.

Então posso começar a sintonizar-me com coisas como onde os níveis estão definidos. Isso pode me dizer qual é o instrumento principal, ou que ambiente eles estão pensando. Ou pode não dizer. Todo mundo tem conceitos diferentes do que é uma mistura rude. Pode ter sido atirado junto por alguém que não tinha ideia do que fazer com ele. Às vezes, eles adoram o rude. Poderia ser ou.

Estaria mais interessado no que o artista está tentando comunicar do que no que a mistura bruta soa. Estou a tentar compreender quais são os sentimentos e intenções do disco. Então eu posso formular minhas próprias opiniões sobre como melhor traduzi-las através da mixagem.

Então você é guiado mais pela emoção e intenção do bruto do que por quaisquer escolhas específicas que foram feitas.

Exatamente. As pessoas que fazem essas escolhas provavelmente não são engenheiros de mixagem. Porquê casar com uma mistura que foi feita por alguém que não faz misturas?

Luto com isto. Às vezes eu vou levar uma mixagem numa direção que acaba sendo diferente do que o cliente quer. Então você acaba fazendo tantas mudanças no processo de revisões que perde a alma.

Oh cara, eu odeio isso. Eu chamo-lhe “morte por revisões”. Você pode realmente perder a essência do disco.

A chave é fazer algum trabalho de detetive antes. Descobrir ouvindo o bruto e comunicando com o cliente – quão preciso é isso? Quanto é que precisamos de nos cingir a isso? Quanto podemos ficar com ele? Podemos fazer com que pareça assim de uma boa maneira? Talvez não possamos. Talvez nem valha a pena tentar. Talvez não sejamos o mixer certo para o trabalho.

Há certos lugares onde eu traço a linha e digo – se é isso que você quer, conheço muitos caras que fazem isso bem, e ficaria feliz em colocá-lo em contato com eles.

Pregaria o mesmo conselho para alguém que está apenas começando?

Não. Quando você está começando, você precisa de experiência. Isso inclui más experiências. Não passe o trabalho quando você está apenas começando. Descubra as expectativas do cliente e vá ao encontro delas. Período.

Quando você faz isso, ele lhe dá as ferramentas que você precisa para seguir adiante. Permite-lhe enfrentar os desafios de trabalhar com clientes mais exigentes em situações de maior pressão. Também o torna mais versátil, porque o obriga a fazer coisas que não estaria naturalmente inclinado a fazer.

Quero mudar de velocidade por um segundo. Aprendi muito com os vossos artigos e vídeos sobre a mistura. Eu notei que muitas vezes você se concentra mais no seu processo de pensamento do que nas decisões específicas que você toma. Porque?

Comecei a ficar activo online por volta de 2008, quando a maior parte do discurso online em áudio era “eis como se mistura um pontapé…eis como se mistura um laço”. Isto não foi porque os engenheiros que o explicaram não eram excepcionais. Eles eram péssimos a explicar as coisas. Porque eles nunca tiveram de o fazer. Eles não eram professores.

Então quando comecei a escrever, pensei mais na linha de – então podemos fazer todas estas coisas, mas porquê? Por exemplo, porquê adicionar um sub a um pontapé? Talvez estejamos a tentar fazer o ouvinte sentir o pontapé fisicamente. Talvez esse movimento físico… esse impacto que eles sentem os leve a se moverem em resposta. Talvez seja assim que a dança funciona. Ou talvez seja a ligação entre os instrumentos que os vai fazer dançar. Talvez não tenha nada a ver com o pontapé. Ser capaz de identificar isso e fazer sentido é muito importante.

Se você ouvir discos dos anos 70, você não precisava de muito chute de tambor. A conversa entre o baixo e as guitarras e o bolso da bateria foi o que fez as pessoas dançarem. Você não processaria o chute da mesma forma que faria em uma faixa EDM hoje, porque não era o coração da música. E foi aí que me apercebi – não há uma forma correcta de processar um pontapé de bateria. Há apenas contextos em que um chute vive. É mais importante falar sobre esses contextos e como eles influenciam as escolhas que fazemos. Se pudermos começar a olhar para as coisas através desta lente, podemos fazer discos com mais sucesso.

Quando comecei a escrever, isto não era algo em que eu conscientemente me focasse. Era mais uma reacção inconsciente ao que eu não gostava. Ao fim da linha, comecei a perceber, espere um minuto… há realmente algo a ser ensinado aqui. O como e o porquê, ao contrário do quê, é muito mais importante. E agora, em 2016, tornou-se muito mais norma para explicar o processo de pensamento. O que eu acho fantástico.

Que conselho você daria a alguém que espera fazer uma carreira a partir da gravação?

O mundo da música é um negócio de pessoas. Você precisa de conhecer pessoas. Se você está apenas criando coisas sozinho, você está perdendo. Vais ficar para trás no tempo. As tuas coisas não vão ser tão boas como poderiam ser para todos os outros. Vai ser bom para ti.

Conhece as pessoas que trabalham, que fazem as coisas. Etiquetas, A&R representantes, supervisores de música para estações de TV e filmes…você nem precisa conhecer pessoalmente o editor de música. Apenas descubra quem é o assistente deles.

Você tem que sair e conhecer pessoas. Você tem que sair. Caso contrário, você só vai fazer música, compartilhá-la com seus 300 amigos no Facebook e voltar para o seu emprego de dia.

Você vai se mudar para Los Angeles em setembro. Onde você vê essa transição levando você?

Existem muitas pessoas que se mudam para Los Angeles e depois saem como uma alga rolando ao vento. Eu não quero que isso me aconteça. Eu quero causar uma impressão. Acho que isso é feito através da formação de alianças. Acho que isso não se faz no sentido da velha escola, onde há competição por causa de shows e as pessoas estão sendo sorrateiras e sombrias. Foi isso que derrubou toda a indústria discográfica para começar – mais do que a pirataria. É apenas um mau negócio. Eu quero formar conexões positivas e amizades genuínas que ajudem a todos. Toda minha carreira foi fundada na idéia de que se você se cercar de sucesso, você se torna bem-sucedido.

Em termos do que tangivelmente precisa acontecer, eu preciso encontrar um espaço comercial. Eu quero estar em algum lugar onde haja outras pessoas. Eu não quero mais fazer isso sozinho. Eu quero encontrar um engenheiro júnior e um assistente. Quero estar rodeado de pessoas que me estão a fazer e o que eu faço maior e melhor. Eu quero que seja um negócio. Quero que seja uma equipa.

É refrescante ouvir isso. Passei cinco anos em Nova York, e muitas vezes parecia que todos estavam fora por si mesmos. Não experimentei isso desde que me mudei para Los Angeles.

É por isso que Nova York tem tido tantos problemas. Muitos estúdios fecharam e muitos engenheiros saíram.

Eu sou muito competitiva. Eu quero ganhar cada show em que eu tocar a minha mão. Mas eu não quero ganhar por causa da política, ou porque conheço a irmã de Fulano de Tal. Nada dessas coisas. Eu quero ganhar porque fiz um trabalho melhor do que a outra pessoa. Se a outra pessoa ganha, e é ela quem fica com o resto do recorde, quero que seja porque eles trabalharam para isso e o conseguiram. Nesse processo, mesmo que todos nós possamos jogar um pouco de roleta gig, o campo geral se torna melhor. Torna-se um ambiente melhor para nós existirmos. Isso significa que às vezes eu posso conseguir uma fatia menor da torta? Talvez.

Mas uma torta maior? Isso é algo que todos nós queremos.

Para mais sobre Matthew Weiss, visite seu site, confira seus artigos no The Pro Audio Files, ou peça um de seus tutoriais de mixagem premium.